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Artistas

Realiza piezas, a menudo tridimensionales, a través de una narrativa poética de carácter surrealista, con que aborda sus sentimientos, anhelos, sueños y pesadillas. Emplea el arte como catalizador de sus reflexiones, con referencias a las relaciones sentimentales, la memoria o el paso del tiempo. A partir del dibujo crea una visión plástica, lírica y crítica que busca la empatía emocional con el espectador.

En 2021 y 2019 recibe el premio en el Excelencia del Communication Arts Illustration Annual de California, así como el 01:00 Bronce A'Design Award en 2017. En 2016 Sonia Alins fue finalista de los World Illustration Awards.

Puedes seguir su trabajo aquí: https://soniaalins.com/

Trabaja como enfermera a la vez que realiza proyectos artísticos, donde analiza aspectos de la memoria, las relaciones del individuo con elementos básicos como la luz y el agua, así como las políticas y la ética de los cuidados. Sus proyectos se desarrollan siempre entorno a dos ejes: el teórico, mediante la investigación y el ensayo, y el práctico, a través de la fotografía, el audiovisual y los procesos relacionales.

Ha participado en programas de instituciones como Sala de Arte Joven, EN RESIDENCIA (Barcelona), y el Centro de Arte y Naturaleza (CAN) de Farrera. El año 2019 recibe el premio Festival Embarrat-Museo Trepat de Tàrrega, por el cual realiza la exposición “El Calostre” (2021) en la Sala Gòtika del Institut d’Estudis Ilerdencs.

Puedes seguir su trabajo aquí: https://cargocollective.com/isabelbariosibars

Después de consolidarse como pintor a finales de la década de los ochenta, Albert Bayona ha evolucionado en confluencia con las variantes próximas en el mundo digital y de las nuevas tecnologías. En su amplia interdisciplinariedad explora su interés por el paisaje, el territorio y su transformación. Su obra está muy vinculada a la música y el cine, e implica reflexiones sobre los mecanismos de engaño y percepción del cine.

Su obra forma parte de la Colección Nacional de Arte Contemporáneo de la Generalitat de Cataluña, del catálogo de HAMACA y del fondo del centro de documentación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS).

Puedes seguir su trabajo aquí: https://albertbayona.com/

Marta Bisbal es Licenciada y doctora en Derecho, Máster en Periodismo y Estudios de Fotografía. Entiende la fotografía como una práctica lenta de contemplación y aproximación al entorno, que le permite tomar conciencia de la realidad y el presente. Su lenguaje se basa en la apreciación de las variaciones y movimientos mínimos, ella explora aquello que podría pasar fácilmente inadvertido, para así reflexionar sobre la percepción y el propio acto de mirar.

Ha presentado sus proyectos en instituciones como la Fábrica de las Artes Roca Umbert (Granollers), Museo Abelló (Mollet del Vallés), Museo Trepat (Tàrrega) y Centro Párraga (Murcia), entre otros. Es autora de las publicaciones El mapa del Impreio (2020) y Kosmos (2017).

Puedes seguir su trabajo aquí: http://www.martabisbal.com/

La fotografía es el medio o —como él lo denomina— la «excusa» con que se expresa. Su obra se mueve entre dos caminos conceptuales muy marcados: la identidad colectiva y la identidad propia. Desde el «fanatismo» hacia ídolos o divinidades a la impronta en el entorno ecológico y social. En su trabajo predomina la presencia de la palabra en un sentido codificado, que obliga el espectador a hacer un esfuerzo extra en la comprensión de la obra.

Ha mostrado su trabajo en instituciones como el Museo Abelló (Mollet del Vallés), Universidad de Lleida, Tormenta y Marea (Madrid) y CC Guinardó (Barcelona), entre otros. También ha comisariado exposiciones para la Fundación Casa Crezcas y el Disseny Hub, de Barcelona.

Puedes seguir su trabajo aquí: https://www.gerardcalderon.com/

Maria Cemeli se centra en la arquitectura y la poesía como un mundo cerrado tan parcial como el de sus esculturas y instalaciones. El leitmotiv de su trabajo es la dicotomía entre la soledad y el encuentro; el desplazamiento y la deslocalización de un espacio en los cuales la cruz, la ciudad y el árbol son presentes a lo largo de sus trabajos. Los materiales de los cuales dispone y la mirada sobre el mundo que lo rodea se convierten en una metáfora de la vida en cada una de sus instalaciones.

Su obra se ha mostrado en ciudades como Girona, Rennes, Toulouse y Róterdam, entra otros. El año 2005 fue seleccionada a la 1era Bienal Internacional de Escultura de Borgoña, y el 2008 recibió una beca por la producción artística de la IMAC (Lleida).

Puedes seguir su trabajo aquí: http://mariacemeli.netai.net/

El trabajo de Estanis Comella está basado en la organización y composición de elementos en el tiempo y en el espacio, utilizando para estos fines el sonido, el diseño y el dibujo como un elemento proyectivo. Le interesa la experiencia física como un conjunto de procedimientos a través de los cuales se hace latente la idea del transcurso, de un vaciado que pasa por múltiples procesos. Usa varios procedimientos que, relacionados, forman un tramado específico que se desprende de sus categorizaciones.

Su obra ha sido expuesta en instituciones como el Centro Cultura Basteo (Andoain), Bombon projects (Barcelona), Centro de Arte La Panera y Dafo (Lleida), Museo de Arte Diocesano (Lleida), Club Le Larraskito, BilbaoArte y Narata (Bilbao) y Fireplace (Barcelona).

Puedes seguir su trabajo aquí: https://www.estaniscomella.com/

 

Joan Codina proviene del autodidactismo y usa diferentes registros artísticos, como la pintura, la escultura y la cerámica. Experimentando a través de diferentes lenguajes y materiales, Codina crea proyectos aparentemente absurdos, pero que acaban relatando situaciones de denuncia e ideas sobre su visión del mundo. Define su estilo como desordenado, sin un denominador común e influido por el arte sucio y el naif.

Ha realizado varias exposiciones individuales en Igualada, Agramunt y Terrassa, entre otros. Además, ha sido seleccionado finalista de varios premios, donde destaca, por ejemplo, el accésit obtenido a la Bienal de Arte Contemporáneo Gastronómico de Cambrils 2014.

Experimenta desde géneros y formatos cambiantes, con medios simples y producciones austeras. Sus temas y sus estéticas están asociados al misterio (como la ufología y otros fenómenos extraños), el arte dentro del arte o la cultura popular. Artista multidisciplinario y muy prolífico, ha colaborado en varias ocasiones con el Centro de Arte la Panera.

Su trabajo se ha mostrado en instituciones como ADN Platform, CC Can Felipa, Centro de Artes Santa Mònica y la Fundación Felícia Fuster de Barcelona, Can Palacete (Mataró), Torre Muntadas (El Prat de Llobregat) y DAFO (Lleida), entre otros.

Puedes seguir su trabajo aquí: https://marcocontra.com

Su trabajo abraza diferentes proyectos multidisciplinarios que van desde la poesía al dibujo, la moda, la fotografía o la publicidad. Desde el cierre, en 2017, del que fue su marca dentro del sector de la industria de la moda, Costalamel, inicia un retorno a la esencia del viaje y la aproximación a la poesía a través de relatos y narraciones vivenciales, manteniendo una estrecha relación y afinidad con la cultura trash y la contracultura, aunque conservando ciertos clichés —en positivo— que hacen recordar su paso por el mundo de la moda.

Desde 2018 imparte talleres de moda, identidad de marca y diseño en varias universidades de América del Sur. En 2020 realizó el proyecto Acomiadem-nos con el Centro de Arte la Panera, y fundó una nueva marca de moda, PunksPoets.

Puedes seguir su trabajo aquí: http://titilamel.com/

 

Ilustradora y directora creativa. Formada en diseño de moda y artes plásticas entre Barcelona, Londres (Central Saint Martins) y Río de Janeiro (PUEDO). Sus imágenes florales, románticas y salvajes, dibujan un universo surrealista y onírico, de colores mediterráneos y ritmo latinoamericano. En el ámbito de la comunicación social ha impulsado Casa nostra, casa vostra y Creativity for social change, dos plataformas sin ánimo de lucro desde donde promueve proyectos de diseño y comunicación creativa y estratégica para el cambio social.

Miembro de la Asociación de ilustradores de Cataluña (APIC), también imparte clases en varias universidades de diseño de Barcelona (Centro Universitario de diseño BAU, Instituto Europeo del Diseño – IED- y la Escuela de Diseño LCI). Ha estado directora del Posgrado de ilustración de moda de LCI Barcelona.

Puedes seguir su trabajo aquí: http://laracostafreda.com/

Su práctica artística va de la producción visual y el comisariado a la educación, donde aprovecha para acercarse a las estructuras culturales y materiales ligadas a un contexto concreto, atendiendo los objetos que las mantienen y/o las hacen posibles, con la intención de hacer visible ciertas tensiones o asunciones naturalizadas. A la vez se interesa por el hacer de los artistas contemporáneos de su entorno, que invita a intervenir en algunos de sus proyectos autogestionados.

Su trabajo se ha mostrado en instituciones como Casa Tres Patios (Medellín, Colombia), Casa 916 (Concepción, Chile), Casa Aparte (Cuenca, Ecuador), ICPNA (Iquitos, Perú), La Escocesa (Barcelona) y CAC Bòlit (Girona), entre otros. Recientemente ha estado ganador de la Beca Arte y Natura del CAC La Panera y lo CAN de Farrera.

Puedes seguir su trabajo aquí: https://www.instagram.com/domingo.roc/

Su trabajo gira en torno al paisaje y las relaciones que se establecen entre el espacio, el tiempo y la vida. Utiliza siempre sus fotografías como punto de partida, las cuales se acumulan en un extenso archivo y después reconvierte utilizando el espacio como escenario: fotografía por sí misma, retoque digital, video, pintura y serigrafía. Su trabajo es una reflexión de la temporalidad, el cambio y la transformación del entorno. Busca reflejar cierta metamorfosis de la naturaleza mediante la creación de nuevos lugares.

Su obra se ha expuesto en espacios como la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, al Casal de Sant Pere del Consell Comarcal del Pallars y el Auditorio Barrades del Hospitalet del Llobregat, entre otros.

Puedes seguir su trabajo aquí: https://www.mariadomingo.com/

Utiliza esencialmente la fotografía como medio. Paralelamente, ha desarrollado trabajos participativos con el objetivo de contribuir al empoderamiento y la visibilidad de los colectivos vulnerables a los cuales se dirigen. En su obra combina el interés por como el individuo se relaciona con su entorno inmediato con un nivel más perceptivo de esta misma relación: cuál es la verdadera naturaleza del que vemos y como lo dotamos de significado.

Sus fotografías se han mostrado en instituciones como NKA Foundation (Ghana), Musée Terrus de Elne (Francia), Artes Santa Mónica y Homesession, en Barcelona, entre otros. Recientemente ha estado finalista al Descubrimientos PhotoEspaña 2021.

Puedes seguir su trabajo aquí: https://www.edgardossantos.com/

Ivan Egea parte del registro escultórico y emplea el retrato como manera de expresión. Con un estilo realista no figurativo, en sus obras reflexiona sobre la tiranía de la imagen propiciada desde principios del siglo XX a través del ocio y la era del consumismo. Considera que el placer de mirar y ser mirado condiciona una gran parte de las actuaciones públicas.

Egea explora la figura humana deformando las esculturas hasta conseguir cuerpos imposibles, con grandes curvas que exageran los puntos que encuentra más interesantes. A través de los hombres, representa abuelos para mostrar el paso del tiempo, y en cuanto a las mujeres, trata de reinventar las formas sinuosas de la feminidad por habla de la maternidad y la sensualidad.

Puedes seguir su trabajo aquí: http://www.ivanegea.com/

Judith Farr parte de cinco líneas principales de investigación: el dibujo y la pintura (que considera sinónimos), el trabajo de pasta de polímero, las pinturas de medios mixtos, los pequeños collages y los tapices de pared. Con el color y la línea como elementos principales, usa materiales que van desde la lana, la madera o el Filmo hasta objetos encontrados fortuitamente.

Su manera de organizar elementos inesperadamente y sus temas kitsch se deben a su propio sentido del ridículo y a la experiencia vivencial de la maternidad. Judith Farr trata de expresarse de una manera pictórica a través de articular elementos visuales entre sí, en un proceso similar al collage.

Puedes seguir su trabajo aquí: https://www.judith-farr.com/

Artista multidisciplinaria, combina las artes plásticas, visuales y la música. El 2019 se gradúa en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y el 2021 obtiene el máster en Gestión Cultural por la UOC. Plantea la práctica como un trabajo crítico sobre el entorno que habita, mediante la intervención en la vida cotidiana a través de su experiencia subjetiva, tejiendo redes de afecto y sinergias comunitarias.

Su trayectoria artística se enlaza entre la etapa de formación en Barcelona, varias estancias en el País Vasco vinculadas con el contexto artístico de Bilbao y de la Gipuzkoa rural, y el Alt Urgell donde establece su residencia. Actualmente forma parte del Espacio de creación La Tartera ubicado en la Seu d'Urgell.

Puedes seguir su trabajo aquí: https://carpetas.hotglue.me/

La práctica artística de Jordi Jové se mueve dentro de un espectro basta amplio de intereses, a pesar de que acaba gravitando alrededor de la pintura. Le gusta hablar de cómo los cuadros, dentro de las limitaciones específicas que determina la elección de un repertorio material, son capaces de levantar una complejidad emocional sugerente y agobiante. Cree en una pintura retiniana, en el sentido del goce o el enorme placer que supone reconocer en cualquier cuadro el encuentro entre forma, color y gesto. Reconstruir este camino de tanteos, certezas, errores y enmiendas que el pintor va tejiendo, como si se tratara de un gran palimpsesto.

Finalmente, comprende que cualquier decisión estética comporta un posicionamiento ético y moral que considera fundamental en toda obra artística y en el ejercicio de la libertad individual.

Formada en Historia del Arte por la Universidad de Lleida y Máster en Museología por la Universidad de Granada, su práctica se mueve entre la experimentación autodidacta de la creación artística, la edición de fanzines y el comisariado de exposiciones. Interesada por el azar y el caos, se nutre de la cultura mainstream y el despojo mediante el trash y la recuperación del espíritu dato.

Su trabajo se ha mostrado en espacios expositivos como la Galería MA Arte Contemporáneo de Palma de Mallorca y la Victorios Art Gallery de Fort Lauderdale (Florida, OS), entre otros. Ha comisariado exposiciones de varios artistas locales al espacio Bronca, la Asociación por la autoedición y la autogestión cultural. Actualmente participa activamente de la Asociación Cultural de Artistas Promethea.

Puedes seguir su trabajo aquí: http://laurajustribo.com/

Siendo un artista multidisciplinario con incursiones en múltiples disciplinas, el gran trabajo que ha desarrollado Ferran Lega a lo largo de su vida se encuentra en el ámbito del sonido. Después de licenciarse en Bellas Artes, con el doctorado por la Universidad de Barcelona inicia su trayectoria artística en el ámbito de la creación contemporánea y la exploración de la ciencia acústica. Su práctica artística tendrá el sonido como elemento principal, hecho que lo llevará a participar en festivales de arte sonoro y a seguir desarrollando su obra.

Su trabajo se ha mostrado en instituciones como San Andreu Contemporani (Barcelona), Bilbaoarte (Bilbao), Museo Guinovart (Agramunt) y Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras, entre otros. Fue ganador de la II Bienal LARVA del Instituto de Estudios Ilerdenses 2020.

Puedes seguir su trabajo aquí: https://www.ferranlega.com/

Mediante diferentes registros como el video y la escultura, el trabajo de Martin Llavaneras refleja su interés por actividades dinámicas que permitan re-codificar espacios y definir un uso práctico de la cultura. Sus propuestas se confrontan a nociones preestablecidas como la idea de naturaleza, paisaje, o patrimonio, mientras que apelan a una interpretación más subjetiva del entorno, a la vez susceptible de ser integrada a la construcción colectiva del conocimiento.

Su trabajo se ha mostrado en instituciones como Yaby y CentroCentro (Madrid), POLS y Centro de Carme de Cultura Contemporánea (Valencia), La Capella y Espacio 13 de la Fundación Joan Miró (Barcelona), entre otros.

Puedes seguir su trabajo aquí: http://www.martinllavaneras.com/

En una actitud de observación y alerta con el espacio que lo rodea, Carles Llonch colecciona objetos encontrados por el mundo de manera fortuita, así como experiencias y conocimientos. Algunos de estos objetos son materiales de obra, antigüedades, libros y fotografías. Usa el dibujo, la escultura y especialmente la fotografía, que en sus últimos trabajos está adquiriendo autonomía como medio. En ellos, se centra a estudiar el paisaje y las intervenciones humanas en este, con el fin de materializar las imágenes y jugar a la retórica con ellas.

Sus proyectos se han mostrado en instituciones como el Tashkeel Art Center de Dubái, la Universidad de Valencia, la Universitat Jaume I de Castelló y la Bienal de Arte Contemporáneo Catalán, entre otros.

Puedes seguir su trabajo aquí: https://carlesllonch.net/

El objetivo de su obra es hacer universales las historias cotidianas, convirtiendo los pequeños gestos y las acciones más comunes en protesta y denuncia social. Trabaja a partir de proyectos artísticos multidisciplinarios que se concretan en instalaciones, acciones y publicaciones, con el cuerpo y las biografías como hilos conductores, y emplea a menudo los formatos populares para introducir el arte en otros contextos que no son los tradicionales.

Es artífice del proyecto Perdita METABUK, en el cual reúne las más de cincuenta publicaciones que ha hecho hasta el momento, entre las cuales podemos encontrar libros de artista, fanzines, revistes-objeto y experimentos imprimidos. Licenciada en Bellas Artes y Filosofía y diplomada en magisterio por la Universidad de Barcelona, su trabajo se ha exhibido en museos, principalmente de Europa y los Estados Unidos.

Puedes seguir su trabajo aquí: https://www.sandramarch.com/

Su trabajo describe todo el que pasa en la vida, hasta lo más insignificante toma una dimensión y un impulso inesperado: una gota de agua, la corteza de los árboles, los muros de las casas, los castillos, entre otros. Con esto nos describe con materiales a su alcance, el que él siente y que justifique y exprese el motivo y la causa directa y sincera del por qué se ha actuado.

Ha realizado numerosas exposiciones a toda Europa, en instituciones como 100 KUBIK GALLERY (Köln, Alemania), MUST GALERÍA (Lugano, Suiza) y Costantini Arte Gallery (Milano, Italia), entre otros. Su obra se encuentra en diferentes colecciones repartidas por nuestro continente.

Puedes seguir su trabajo aquí: https://www.joanperemassana.com/

Pol Merchán utiliza la escritura, la imagen fotográfica y el registro cinematográfico para plantear cuestiones relacionadas con las identidades de género y la manipulación de los cuerpos. A través de relatos y narraciones biográficas, su trabajo reflexiona sobre conceptos binarios como privado / público, verdadero / falso, visible / invisible, secreto / revelación o ficción / realidad, y mantiene una estrecha relación y afinidad con las teorías queers, trans y feministas.

Su trabajo se ha mostrado internacionalmente en galerías y museos como Schwules Museum (Berlín), The Contemporary Arte Centro (Vilnius), Galería Àngels y Centro de Cultura Contemporánea (Barcelona), entre otros.

La práctica artística de Xesco Mercé se ha ido desarrollando a medio camino entre la poesía, la ironía, la crítica (y autocrítica) de arte, la experimentación metódica, la esquizofrenia y la agitación social. De este modo, podríamos decir que el reciclaje, la reutilización y la revisión de producciones plásticas (propias o ajenas) son una constante en su trabajo.

Además de una trayectoria artística individual que combina diferentes registros, como la poesía visual, la pintura orgánica o la provocación conceptual, ha formado parte de colectivos artísticos de larga duración, como China A.R.T. o la red europea Kanîbal’hopox. Grupos que alternan un programa expositivo y de intercambios culturales al extranjero con publicaciones (La Conxinxina), festivales (Houdini Performance Festival), entre otras actividades.

Puedes seguir su trabajo aquí: http://www.xescomerce.com/

Su práctica artística acostumbra a tratar aspectos en que la realidad y la ficción se unen. Producciones verosímiles de morfologías geométricas simples y valores metafóricos que emanan a menudo en un escenario efímero. Su obra responde a la necesidad de poner en cuestión la facultad mediadora que tienen los archivos y objetos cotidianos para rememorar las experiencias vividas. Con un proceso vital igual que en la naturaleza —nacer, vivir y morir—, las creaciones de Morreras evidencian implícitamente la precariedad del recuerdo y una memoria hacia el olvido.

Su trabajo se ha mostrado en galerías e instituciones locales como Sala Coma Estadella, el Instituto de Estudios Ilerdenses, la galería Espai Caballers y la sala de exposiciones de la Universidad de Lleida, entre otros.

Puedes seguir su trabajo aquí: https://www.instagram.com/emili_morreres/

Focaliza su interés en la revisión de conceptos relacionados con la práctica pictórica, que formaliza mediante ejercicios referenciales y instalaciones. Desde la pintura figurativa, aborda cuestiones relativas a su propia funcionalidad. Le interesa la idea de una pintura que se cuestione a sí misma, y, con el uso del humor, a menudo se pronuncia de manera irónica y derrotista. Busca generar una pintura que dialogue y cohabite con otras disciplinas, intentando mantener la condición plástica.

Su obra se ha expuesto en galerías e instituciones como Twin Gallery (Madrid), etHall (Barcelona), la Bienal de Valls, Archipielago (Madrid) y el Instituto de Estudios Ilerdenses (Lleida).

Puedes seguir su trabajo aquí: https://www.instagram.com/jan.monclus/

Licenciada en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. Dibuja la cotidianidad, la gente, paisajes urbanos imaginarios y reales. Se dedica principalmente al dibujo y al diseño gráfico en su estudio y también galería, El Diluvio Universal, abierto en el barrio de gracia de Barcelona el 2013, ediciones junto con el diseñador gráfico Xavier Labrador.

Realiza encargos personales y para todo tipo de marcas, trabaja para agencias de publicidad y editoriales, con libros infantiles, literatura y libros de texto. Su trabajo se ha mostrado en instituciones y espacios como FAD. Fomento de las Artes y el Diseño, y la galería Escalera de Incendios, de Barcelona, entre otros.

Puedes seguir su trabajo aquí: http://www.elisamunso.com/

Se interesa para trabajar e investigar a partir de la figura femenina, el feminismo, la historia y el territorio. Una investigación rigurosa que pone en escena aspectos sobre el legado de las mujeres, las lecturas sobre los estereotipos femeninos y las jerarquías patriarcales. Utiliza estrategias de trabajo que le permiten aproximarse y apropiarse de escenarios, conceptos e intereses que le sirven, al mismo tiempo, para organizar sus procesos de trabajo: espacios de contradicción, la insumisión de los valores simbólicos, los discursos canónicos, o los elementos patrimoniales y naturales.

Su trabajo se ha mostrado en instituciones como Zona Cero del Centro de documentación del Museo Textil (Terrassa), al Festival Embarrat-Museo Trepat (Tárraga) y el Instituto de Estudios Ilerdenses (Lleida), entre otros.

Puedes seguir su trabajo aquí: https://www.olgaoliveratabeni.net/

Sus trabajos tienen una gran carga cultural que en ocasiones deriva hacia cierta violencia simbólica. Algunos de los temas de qué trata son la visión posmoderna de la comunicación de masas, el sujeto neoliberal, la sociedad del espectáculo, el análisis sobre la construcción de la imagen y el imaginario del que es inadecuado. Su producción está muy influida por estéticas de subjetividad subversiva como por ejemplo el punk, el grafiti o el movimiento rave.

Su trabajo se ha mostrado en galerías e instituciones como ADN Galería, Sala Arte Joven (Barcelona), Fundación Arranz Bravo (Hospitalet), Galería Lucía Mendoza (Madrid) y Arte 3 (Valence, Francia), entre otros. Ha estado ganador de la Bienal Larva del Instituto de Estudios Ilerdenses 2017.

Puedes seguir su trabajo aquí: http://joanpalle.com/

Agnès Pe trabaja el sonido más allá de los límites que proporciona cualquier género, siempre con una actitud de diversión y devastadora —todo, o nada—, bajo los parámetros del lo-fi, buscando nuevas formas de relación con los elementos que recompone. Musicóloga e investigadora autodidacta y pluridisciplinar, se interesa por aquello no común, sea cual sea su etiqueta. Esta investigación musical constante la ha llevado a celebrar numerosas sesiones de audiciones o pinchadas en ciudades como Valencia, Barcelona, Bilbao, Madrid o Cuidad de México.

Considera que su educación en la tradición rural es una gran influencia, así como las estéticas que se generan a los márgenes del establishment, y entiende tales sociedades como organizadoras de comunidades. Tiene un gran interés por el cine y por la investigación, especialmente en musicología.

Puedes seguir su trabajo aquí: https://www.agnespe.com/

Su trabajo se centra en la ilustración, el diseño y la realización audiovisual. Galardonado con varios premios, ha explorado las facetas que pueden ofrecer la animación y el diseño en los medios y disciplinas de que dispone. Así pues, ha ejercido un trabajo importante como cartelista, como cineasta y también como difusor del cine de animación de autor, gracias al proyecto «PUCK CINE CARAVANA», coproducido con Toni Tomàs y en activo desde 2009.

Desde un tratamiento gráfico y centrado en el dibujo, Puerta establece una atmósfera que perfila conceptos diversificados: la imagen de la acción, la práctica coreográfica, y un interés central por la producción cinematográfica. Atmósferas que en buena medida traspasan las fronteras del dibujo y el cine mediante geografías sorprendentes, paisajes fantásticos, y personajes enigmáticos.

Puedes seguir su trabajo aquí: https://www.carlesporta.com/

Fotógrafo profesional reconocido nacionalmente e internacionalmente, y la obra del cual forma parte de colecciones privadas y públicas. La mayoría de sus proyectos han evolucionado hacia dos pulsos de trabajo: por un lado, la voluntad de buscar imágenes en la proximidad estrecha de los espacios íntimos y conocidos, y de la otra, la intención de cuestionar los usos de la fotografía misma. En su trabajo reflexiona sobre como la fotografía, uno de los medios más universales, es también uno de los más desconocidos. Es por eso que intenta difundir un pensamiento crítico, para invitar a la reflexión a través de su trabajo.

Su obra ha sido expuesta, entre otros, en el Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona, el Círculo de Bellas Artes a Madrid, el Museo de Arte Jaume Morera, el Centro de Arte la Panera, la Giorgi Gallery de Berkeley o la OpenHouse Gallery de Nueva York.

Después de formarse en varios ámbitos del arte plástico, se especializa en el objeto como método de trabajo. Es en Menorca donde surge su gran proyecto «Los muñecos de en Tonet», para el cual sigue un proceso que durará más de quince años. Recogiendo materiales encontrados en la playa, desarrolla su técnica de creación de personajes, construyendo las piezas de una manera intuitiva, haciendo un collage tridimensional.

A causa de su curiosidad, su trayectoria ha evolucionado de vuelta a sus orígenes creativos, siguiendo el método del ensamblaje y el object trouvé y acercándose al dadaísmo, el surrealismo y el kitsch. Usa materiales encontrados que descontextualiza, y modifica el espacio expositivo con instalaciones.

Dibuja desde muy pequeña y siempre le ha interesado la ilustración, el cómic y la animación. Es técnica superior en Diseño y Ilustración por la EAM Leandre Cristóbal de Lleida y graduada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Ejercitando un imaginario de tendencias oníricas, crea escenas a medio camino de aquello familiar y del subconsciente, en una combinación de referentes tan domésticos y personales en entornos salvajes y de arquitecturas míticas, donde el artista explora la noción del cambio y la transición.

Su trabajo se ha mostrado al Ó! Galería de Oporto, en Portugal, y The Barrio Tattoo y El Beat Bar de Lleida, entre otros. También ha participado en el N. º 1 de la revista de cómic Forn de Calç de Extinció Ediciones. Actualmente trabaja como ilustradora freelance y en su obra personal.

Puedes seguir su trabajo aquí: https://www.behance.net/lorenarivega

La obra gráfica de Oriol Rosell gira en torno a dos maneras de mirar y entender el que lo rodea. Una es de carácter realista, muestra el que ve; la otra, comprende y experimenta con la visión y se adentra en los fenómenos asociados a las ilusiones ópticas. Por un lado el acercamiento a las diferentes visiones que ofrece el paisaje circundante, la investigación del área más próxima, sobre todo en la ciudad y sus periferias como ámbito de influencia. De la otra, el interés para estudiar metodologías generadoras de ilusiones y ponen en evidencia como la percepción cambia en función del estímulo percibido y como a menudo no se corresponde con el estímulo del sujeto real.

Su trabajo se ha mostrado en instituciones como la Universidad de Lleida y el Instituto de Estudios Ilerdenses, entre otros.

El trabajo pictórico de Oliver Roura toma forma a través de una experimentación técnica constante. Metafóricamente hablando, podríamos decir que desarrolla el ejercicio pictórico dentro de la pintura misma; es en el interior de esta donde las acciones, los gestos y los detalles cobran vida. El artista concibe sus obras mediante la superposición de capas de pintura acrílica sobre una superficie plana, metodología que, además, le permite reflexionar sobre la composición-estructura y superficie-textura, y hacer hincapié a explorar los límites de la pintura.

Su obra se ha expuesto con galerías como Anquin's Gallery, Galerie Isa y Modus operandi Gallery, entre otros. Ha participado en ferias de arte como JUSTMAD (Madrid), India Arte Fair y Arte Fair Cologne, entre otros.

Puedes seguir su trabajo aquí: https://oliverroura.com/

Su trabajo artístico planta relaciones con las influencias de la poesía y usa la pintura y el grabado —una de las especialidades de su formación— para expresar sus ideas. Busca representar el proceso de aprendizaje de los seres humanos a través de sus experiencias y del cambio que suponen en la filosofía de cada cual. Para lo cual, emplea elementos y símbolos como los árboles, las raíces, las constelaciones, el círculo o la luna; este último, con el sentido de poder femenino. Sabaté parte de una obra muy introspectiva y profundamente vinculada con la naturaleza y la espiritualidad.

En sus pinturas destaca la ausencia de la figura humana y la contundencia de los colores sobre blanco, en representación de las relaciones entre seres humanos y entorno.

Puedes seguir su trabajo aquí: http://aixart.cat/

La práctica artística de Yannick Sánches es el resultado de una actitud ante la vida el objetivo principal de la cual es la reivindicación del ocio, el ocio más auténtico. De este modo, el que se propone es alternativas a una vida que estigmatiza el perezoso, ya sea porque lo entiende como la única vía hacia el éxito personal, porque la ociosidad produce felicidad, o sencillamente porque es la mejor herramienta contra un sistema que oprime.

Su trabajo se ha mostrado en instituciones como Galería Rua do Sol (Oporto), Galería èngels Barcelona y la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, entre otros. Sánchez es colaborador habitual de la Galería Chiquita Room.



Su trabajo artístico toma un enfoque interdisciplinario, utilizando el texto, el video y la instalación. A través de ellos aborda temas como los feminismos, las relaciones personales y todo aquello susceptible de permanecer en la periferia. Interesada por la dimensión política del aspecto personal, el aspecto vulnerable y el poder de la narrativa, en cualquier que sea su forma; es por eso que no entiende la práctica del arte sin escritura, cine y poesía. Forma parte del colectivo Nenazas con el que publica fanzines y presento actuaciones.

Ha ganado el segundo premio de la Muestra del Museo Gas Natural de la Coruña (2018) y la beca de la Fundación Han Nefkens. (2018-2019). Su trabajo ha sido expuesto individualmente y en grupo en la Fundación Joan Miró, La Capella (Barcelona), MoCA Taipeh, Museo de Arte Contemporanea di Lissone, MHKA de Amberes, entre otros.

Puedes seguir su trabajo aquí: https://barbarawong.info/

Artista multidisciplinar y diseñador, formado en artes gráficas. En su práctica prima la idea sobre la forma, trabajando para encontrar los formatos más adecuados por la comunicación de cada concepto. Experimenta con el lenguaje de las artes visuales, elaborando mensajes directos acompañados de muchas capas y matices que configuran una obra sintética a la vez que compleja. Foxy utiliza sus obras por la reivindicación social, y el estudio de esta.

Gran parte de su trabajo se encuentra a la vía pública para conseguir una interlocución directa del público, pero también ha participado en exposiciones y publicaciones colectivas, como la muestra "Gentrificable. 3. ª destrucción" (2019) y " Murs i a la Gàbia " (2021) a la galería Espaci Caballers de Lleida.

Puedes seguir su trabajo aquí: https://www.instagram.com/foxy__street/

Liberada del sujeto entendido como representación —liberada, pues, de la supeditación a una realidad externa—, y a partir del formato pictórico como espacio de trabajo, la pintura de Teresa Vall Palou es, antes de que nada, una realidad autónoma que se manifiesta a través de los elementos que la configuran: el signo, el gesto, la materia, el apoyo. La gestualidad del trazo y la experimentación constante con las potencialidades expresivas de la materia son la base de esta obra.

Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en Cataluña, España, Francia y Alemania. En julio de 2008 constituyó la Fundación Vall Palou, una organización sin ánimo de lucro presidida y sostenida por la pintora.

Puedes seguir su trabajo aquí: https://www.fundaciovallpalou.org/index.html

En sus proyectos fotográficos parte de una idea indefinida que aspira a ser especificada. Mediante este proceso deductivo, su trabajo es una cuestión inicial que acaba planteando más preguntas. Intenta reflejar la dimensión lúdica de la fotografía para crear un reto que interpele directamente el observador y le cause cierta confusión, que también siente él mismo.

Empezó a dar a conocer sus trabajos a partir de 2010 y ha sido seleccionado en varios premios de fotografía como el SCAN Int'l Photography Festival (Tarragona) o lo 21st PhotoFestival Encontros da Imagem (Braga, Portugal). Su trabajo se ha mostrado en instituciones como el Centro de Artes Santa Mónica (Barcelona), la Fundación Viladot (Agramunt) y la Fundación Vila Casa (Torroella de Montgrí), entre otros.

Puedes seguir su trabajo aquí: http://www.victorvilamajo.com/