Saltar al contingut Saltar a la navegació

Artistas

Realiza piezas, a menudo tridimensionales, a través de una narrativa poética de carácter surrealista, con la que aborda sus sentimientos, anhelos, sueños y pesadillas. Recurre al uso predominante de la figura humana, sobre todo femenina, al mismo tiempo que explora la expresividad de conceptos como la transparencia y el desenfoque, así como el color como elemento conceptual.
Utiliza el arte como catalizador de sus reflexiones, con referencias a la vida en pareja, la familia, la memoria o el paso del tiempo. También trata temas como la feminidad, el feminismo, la justicia social y el medio ambiente. A partir del dibujo crea una visión plástica, lírica y crítica que busca la empatía emocional con el espectador.

Visita su web

Su trabajo analiza aspectos de la memoria, las relaciones del individuo con elementos básicos como la luz y el agua, y tiene un importante componente poético, en que plantea analogías entre realidad y ficción. Isabel Barios Ibars forma parte del colectivo Infarto, con el que organiza exposiciones autogestionadas y efímeras en casas particulares. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas.

Tras consolidarse como pintor a finales de la década de los ochenta, Albert Bayona ha evolucionado en confluencia con las variantes cercanas al mundo digital o de las nuevas tecnologías. En su amplia interdisciplinariedad explora su interés por el paisaje, el territorio y su transformación.
A partir de estos puntos de partida, trata de crear contradicciones y oponer conceptos, en ocasiones con un sentido rompedor, encarado a crear incomodidad con un espectador acostumbrado a la cotidianeidad asumida sin crítica. Su obra está muy vinculada a la música y al cine, y pasa por reflexiones acerca de los mecanismos de engaño y percepción del cine.

Visita su web

Marta Bisbal opta por las artes visuales como herramienta de investigación y reflexión personal cuando empieza a estudiar fotografía artística. Entiende la fotografía como una práctica lenta de contemplación y aproximación al entorno, que le permite tomar conciencia de la realidad y el presente. Al mismo tiempo, con la fotografía puede profundizar en fenómenos que se repiten de forma cíclica. Su lenguaje se basa en la apreciación de las variaciones y movimientos mínimos. En su trabajo explora aquello que podría pasar fácilmente inadvertido, para así reflexionar sobre la percepción y el propio acto de mirar.

Visita su web

La fotografía es el medio o —como él la llama— la «excusa» con la que se expresa. La catalogación conceptual de su obra tiene dos caminos muy marcados: la identidad colectiva y la identidad propia.
En su búsqueda de la identidad colectiva ha trabajado el «fanatismo» hacia ídolos o divinidades. Sin intención de juzgar esas pasiones, sí intenta poner énfasis en darles un sentido crítico. Por otro lado, la búsqueda de la propia identidad es el camino personal de situación social y respeto hacia la colectividad, el cómo y el porqué de una existencia personal, así como la huella en el entorno ecológico y social. En su trabajo predomina la presencia de la palabra en un sentido codificado, que obliga al espectador a hacer un esfuerzo extra en la comprensión de la obra.

Visita su web

María Cemeli se centra en la arquitectura y la poesía como un mundo cerrado tan parcial como el de sus esculturas e instalaciones. El leitmotiv de su trabajo es la dicotomía entre la soledad y el encuentro; el desplazamiento y la deslocalización de un espacio en los que la cruz, la ciudad y el árbol están presentes a lo largo de sus trabajos. Aunque no trata de desarrollar una simbología, es consciente de que el arte llenará de significados los espacios.
Los materiales de los que dispone y la mirada sobre el mundo que la rodea se convierten en una metáfora de la vida en cada una de sus instalaciones. Un gran factor en su obra es su interés por el desarrollo de las ciudades y por analizar la memoria histórica.

Visita su web

El trabajo de Estanis Comella se basa en la organización y composición de elementos en el tiempo y en el espacio, utilizando para estos fines el sonido, el dibujo como un elemento proyectivo y el diseño. Trabaja desde distintos registros: sonido, dibujo, instalación, a pesar de que él se siente muy cómodo cuando habla de escultura. Le interesa la experiencia física como un conjunto de procedimientos a través de los cuales se hace latente la idea del transcurso, de un vaciado que pasa por múltiples procesos. Usa diferentes procedimientos que, relacionados, forman un entramado específico que se desprende de sus categorizaciones, y se articulan en nuevos espacios donde quedan presentes como una unidad.

Joan Codina proviene del autodidactismo y utiliza diferentes registros artísticos, como la pintura, la escultura y la cerámica. En un entorno de experimentación a través de diferentes lenguajes y materiales, Codina crea proyectos aparentemente absurdos, pero que acaban por relatar situaciones de denuncia e ideas sobre su visión del mundo. Define su estilo como desordenado, sin un denominador común e influenciado por el arte bruto y el naíf.

Experimenta desde géneros y formatos cambiantes, con medios simples y producciones austeras. Sus temas y estéticas están asociados al misterio (como la ufología y otros fenómenos extraños), el arte dentro del arte o la cultura popular. Artista multidisciplinario y muy prolífico, ha colaborado en diversas ocasiones con el Centre d’Art La Panera.

Visita su web

El trabajo de Ernest Costafreda abarca diferentes proyectos multidisciplinares que van desde la poesía al dibujo, la moda, la fotografía o la publicidad. Costafreda utiliza unos procesos de trabajo que se enmarcan a partir de una actitud y una estética a medio camino del punk, lo poético y lo irreverente, donde la huella y el peso de su paso por el mundo de las tendencias y la moda aún quedan muy presentes. Desde el cierre, en el año 2017, de la que fue su marca dentro del sector de la industria de la moda, Costalamel, Costafreda inicia un retorno a la esencia del viaje y la aproximación a la poesía a través de relatos y narraciones vivenciales, manteniendo una estrecha relación y afinidad con la cultura trash, la contracultura, aunque conservando ciertos clichés —en positivo— que recuerdan su paso por el mundo de la moda.

En sus proyectos, Roc Domingo se interesa por realizar enlaces entre información compartida, para analizar su significado, pero también para crear otros nuevos. Busca plantear y construir sus proyectos alrededor de los procesos que cuestionan la autoría de los artistas, los que sortean el producto artístico como fin y los que exploran los límites de las instituciones a la hora de articular procesos de democratización del conocimiento. Recientemente, su foco de interés se vincula a países sudamericanos, donde ha vivido y expuesto su obra.

Su trabajo gira en torno al paisaje y a las relaciones que se establecen entre el espacio, el tiempo y la vida. Utiliza siempre sus fotografías como punto de partida, las cuales acumula en un extenso archivo y después reconvierte utilizando el espacio como escenario: fotografía por sí misma, retoque digital, vídeo, pintura y serigrafía. Su trabajo es una reflexión de la temporalidad, el cambio y la transformación del entorno. Busca reflejar una cierta metamorfosis de la naturaleza mediante la creación de nuevos lugares.

Utiliza esencialmente la fotografía como medio, alternando planteamientos de estilo más documental con la realización de puestas en escena. Paralelamente, ha desarrollado trabajos participativos. Estas acciones eran lúdicas al principio, pero han ido adquiriendo matices de crítica social, con el objetivo de contribuir al empoderamiento y visibilidad de los colectivos vulnerables a los que se dirigen.
En su obra combina el interés por cómo el individuo se relaciona con su entorno inmediato con un nivel más perceptivo de esta misma relación: cuál es la verdadera naturaleza de lo que vemos y cómo lo dotamos de significado.

Visita su web

Ivan Egea parte del registro escultórico y utiliza el retrato como manera de expresión. Con un estilo realista no figurativo, en sus obras reflexiona sobre la tiranía de la imagen propiciada desde principios del siglo XX a través del ocio y la era del consumismo. Considera que el placer de mirar y ser mirado condiciona una gran parte de las actuaciones públicas.
Egea explora la figura humana deformando las esculturas hasta conseguir cuerpos imposibles, con grandes curvas que exageran los puntos que encuentra más interesantes. A través de los varones, representa a ancianos para mostrar el paso del tiempo; y en cuanto a las mujeres, trata de reinventar las formas sinuosas de la feminidad para hablar de la maternidad y la sensualidad.

Visita su web

Judith Farr parte de cinco líneas principales de investigación de trabajo: el dibujo y la pintura (que considera sinónimos), el trabajo de pasta de polímero, las pinturas de medios mixtos, los pequeños collages y los tapices de pared. Con el color y la línea como elementos principales, utiliza materiales que van desde la lana, la madera o el Fimo hasta objetos hallados de manera fortuita.
Su modo de organizar elementos de una manera inesperada y sus temas kitsch se deben a su propio sentido del ridículo y la experiencia vivencial de la maternidad. Estas influencias de la vida real se combinan con una pasión por la pintura y por artistas como Polly Apfelbaum y Jessica Stockholder. Judith Farr trata de expresarse de una manera pictórica a través de articular elementos visuales entre sí, en un proceso similar al collage.

Visita su web

Centrado en diferentes registros, el trabajo que ha desarrollado Ferran Lega a lo largo de su vida se encuentra en el ámbito del sonido. Tras licenciarse en Bellas Artes, con su doctorado por la Universidad de Barcelona inicia su trayectoria artística en el ámbito de la creación contemporánea y la exploración de la ciencia acústica.
Su práctica artística tendrá el sonido como elemento principal, lo que lo llevará a participar en festivales de arte sonoro y a seguir desarrollando su obra. Ha colaborado en diversas ocasiones con el Centre d’Art La Panera, como en los talleres de visualización del sonido organizados en 2014

Visita su web

Mediante diferentes registros como el vídeo y la escultura, el trabajo de Martin Llavaneres refleja su interés por actividades dinámicas que permitan re-codificar espacios y definir un uso práctico de la cultura. Sus propuestas se confrontan a nociones preestablecidas como la idea de naturaleza, paisaje, o patrimonio, mientras que apelan a una interpretación más subjetiva del entorno, a la vez susceptible de ser integrada a la construcción colectiva del conocimiento.

Visita su web

En una actitud de observación y alerta con el espacio que lo rodea, Carles Llonch colecciona objetos encontrados por el mundo de manera fortuita, así como experiencias y conocimientos. Algunos de esos objetos son materiales de obra, antigüedades, libros y fotografías. Utiliza el dibujo, la escultura y en especial la fotografía, que en sus últimos trabajos está adquiriendo autonomía como medio. En ellos, se centra en estudiar el paisaje y las intervenciones humanas en este, con la finalidad de materializar las imágenes y jugar a la retórica con ellas.

Visita su web

Sus proyectos artísticos giran principalmente en torno a cuatro ámbitos: el concepto de corporeidad; los valores y estereotipos asociados al género; la manera como la cotidianidad o la autobiografía reflejan el imaginario colectivo; y el libro como contenedor o síntesis de sus proyectos.
A nivel procedimental, sus proyectos parten de una investigación filosófica, didáctica y artística, con el objetivo de realizar una revisión crítica, pedagógica e irónica. Mantiene una voluntad de permanente experimentación y utiliza diferentes disciplinas. Es artífice del proyecto Perdita METABUK, donde ha autopublicado más de veinte libros, fanzines y objetos. También ha colaborado en libros, fanzines y revistas-objeto, además de participar en numerosas exposiciones.

Visita su web

Su trabajo describe todo lo que pasa en la vida, hasta el más insignificante toma una dimensión y un impulso inesperado: una gota de agua, la corteza de los árboles, los muros de las casas, los castillos.. Con ello nos describe con materiales a su alcance lo que él siente y que justifique y exprese el motivo y la causa directa y sincera del por qué se ha actuado. Ha realizado numerosas exposiciones en toda Europa con pintura, escultura, instalaciones, dibujos, grabados, vídeo, y su obra se encuentra en diferentes colecciones repartidas por nuestro continente.

Visita su web

Pol Merchán utiliza la escritura, la imagen fotográfica y el registro cinematográfico para plantear cuestiones relacionadas con las identidades de género y la manipulación de los cuerpos. A través de relatos y narraciones biográficas, su trabajo reflexiona sobre conceptos binarios como privado/público, verdadero/falso, visible/invisible, secreto/revelación o ficción/realidad, y mantiene una estrecha relación y afinidad con las teorías queers, trans y feministas.

La práctica artística de Xesco Mercé se ha ido desarrollando a medio camino entre la poesía, la ironía, la crítica (y autocrítica) de arte, la experimentación metódica, la esquizofrenia y la agitación social.

Así, podríamos decir que el reciclaje, la reutilización y la revisión de producciones plásticas (propias o ajenas) son una constante en su trabajo. Pintar sobre cuadros de género, sobre materiales obsoletos (plásticos, radiografías, diapositivas, álbumes de cromos, libros…), es una especie de costumbre o constante. Además de una trayectoria artística individual que combina diferentes registros, como la poesía visual, la pintura orgánica o la provocación conceptual, ha formado parte de colectivos artísticos de largo recorrido, como La Xina A.R.T. (que cumple 23 años) o la red europea Kanîbal’hopox (que cumple 12). Grupos que alternan un programa expositivo y de intercambios culturales en el extranjero con publicaciones (La Conxinxina), festivales (Houdini Performance Festival, Xinacittà, La Xina Sona, Barcelona Emergents, La Xina Xinorri…) y encuentros y residencias artísticos (Symposiums Kanîbal’hopox).

Visita su web

Focaliza su interés en la revisión de conceptos relacionados con la práctica pictórica, que formaliza mediante ejercicios referenciales e instalaciones. Desde la pintura figurativa, aborda cuestiones relativas a la propia funcionalidad de esta. Le interesa la idea de una pintura que se cuestione a sí misma, y, con el uso del humor, a menudo se posiciona de forma irónica y derrotista. Busca generar una pintura que dialogue y cohabite con otras disciplinas, intentando mantener la condición plástica de esta.

Elisa Munsó estudió bellas artes e ilustración en Barcelona, llena libretas a modo de recuerdo, su memoria, para no olvidarse de nada de lo que hace o ve. Lo que le ha dado a dibujar a partir de fotografías familiares olvidadas y otras encontradas, de otras épocas, dotando a los personajes de una nueva vida, otra oportunidad de existir.

Dibuja la cotidianidad, la gente, paisajes urbanos inventados o reales, utilizando el trazo a tinta, el collage y el hilo de coser para componer sus dibujos. Autoedita libritos de viajes e historietas y hace más de un año ha creado El Diluvio Universal ediciones junto con el diseñador gráfico Xavier Labrador.  En septiembre de 2013 han abierto su estudio-galería en el barrio de gracia, Barcelona.

Visita su web

Uno de los aspectos más relevantes en la práctica artística de Olga Olivera-Tabeni es el interés que tiene para trabajar e investigar a partir de la figura femenina, el feminismo, la historia y el territorio. Una investigación que, desde un carácter riguroso explora y pone en escena aspectos sobre el legado de las mujeres, las lecturas sobre los estereotipos femeninos y las jerarquías patriarcales. Para ello, utiliza unas estrategias de trabajo que le permiten aproximarse y apropiarse de escenarios, conceptos e intereses que le sirven, al mismo tiempo, para organizar sus procesos de trabajo: espacios de contradicción, el carácter poético al mismo momento que doméstico, los saltos en el tiempo, la insumisión de los valores simbólicos, los discursos canónicos, o los elementos patrimoniales y naturales.

Visita su web

Joan Pallé utiliza todo tipo de recursos en los que el texto y la imagen siempre están presentes, ya sean vídeos, pinturas, instalaciones, diseños, fotografías o acción. Sus trabajos tienen una gran carga cultural que en ocasiones deriva en una cierta violencia simbólica. Algunos de los temas que trata son la visión posmoderna de la comunicación de masas, el sujeto neoliberal, la sociedad del espectáculo, el análisis sobre la construcción de la imagen y el imaginario de lo inadecuado. Su producción está muy influenciada por estéticas de subjetividad subversiva como son el punk, el grafiti o el movimiento rave. Es el autor de proyectos tan llamativos como Un desgarro lúcido, ejercicio de angustia empática, una gran poesía tatuada por partes en las pieles de todas las personas que se han prestado voluntarias a participar.

Visita su web

Agnès Pe trabaja el sonido más allá de los límites que proporciona cualquier género, siempre bajo una actitud de diversión y arrolladora —todo, o nada—, bajo los parámetros del lo-fi, buscando nuevas formas de relación con los elementos que recompone. Musicóloga e investigadora autodidacta y pluridisciplinar, se interesa por lo no común, sea cual sea su etiqueta. Esta constante investigación musical la ha llevado a celebrar numerosas sesiones de audiciones o pinchadas en ciudades como Valencia, Barcelona, Bilbao, Madrid o México.
Considera una gran influencia su educación en la tradición rural, así como las estéticas que se generan en los márgenes del establishment, y entiende tales sociedades como organizadores de comunidades. Tiene un gran interés por el cine y por la investigación, especialmente en musicología.

Visita su web

Tras formarse en diversos ámbitos del arte plástico, se especializa en el objeto como método de trabajo. Es en Menorca donde surge su gran proyecto «Els ninots d’en Tonet», para el que sigue un proceso que durará más de quince años. Recogiendo materiales encontrados en la playa, desarrolla su técnica de creación de personajes, construyendo las piezas de una manera intuitiva, a modo de collage tridimensional.
Debido a su curiosidad, su trayectoria ha evolucionado de regreso a sus orígenes creativos, siguiendo el método del assemblage y el object trouvé y acercándose al dadaísmo, el surrealismo y el kitsch. Utiliza materiales encontrados que descontextualiza, y modifica el espacio expositivo con instalaciones.

El trabajo pictórico de Oliver Roura toma forma a través de una experimentación técnica constante. Metafóricamente hablando, podríamos decir que desarrolla el ejercicio pictórico dentro de la propia pintura; es en su interior donde las acciones, los gestos y los detalles cobran vida. El artista concibe sus obras mediante la superposición de capas de pintura acrílica sobre una superficie plana, metodología que, además, le permite reflexionar sobre la composición-estructura y superficie-textura, y poner el acento en explorar los límites de la pintura.

Visita su web

Liberada del sujeto entendido como representación —liberada, pues, de la supeditación a una realidad externa—, y a partir del formato pictórico como espacio de trabajo, la pintura de Teresa Vall Palou es, ante todo, una realidad autónoma que se manifiesta a través de los elementos que la conforman: el signo, el gesto, la materia, el soporte.
La gestualidad del trazo y la experimentación constante con las potencialidades expresivas de la materia son la base de esta obra.

Visita su web

Su trabajo se centra en la ilustración, el diseño y la realización audiovisual. Galardonado con diversos premios, ha explorado las facetas que pueden ofrecer la animación y el diseño en los medios y disciplinas de los que dispone. Ha desempeñado un importante trabajo como cartelista, como cineasta y también como difusor del cine de animación de autor, gracias al proyecto «PUCK CINEMA CARAVANA».

Des de un tratamiento gráfico y centrado en el dibujo, Porta establece una atmosfera que perfila conceptos diversificados: la imagen de la acción, la prática coreográfica, y un interés central por la producción cinematográfica. Atmósferas que en buena medida traspasan las fronteras del dibujo y el cine mediante geografías sorprendentes, paisajes fantásticos, y personajes enigmáticos.

Visita su web

Fotógrafo profesional reconocido nacional e internacionalmente, y cuya obra forma parte de colecciones privadas y públicas. La mayoría de sus proyectos han evolucionado hacia dos polos de trabajo: por un lado, la voluntad de buscar imágenes en la estrecha proximidad de los espacios íntimos y conocidos, y por otro, la intención de cuestionar los usos de la fotografía misma. En su trabajo reflexiona sobre cómo la fotografía, uno de los medios más universales, es también uno de los más desconocidos. Es por eso que intenta difundir un pensamiento crítico, para invitar a la reflexión a través de su trabajo.

Visita su web

En sus proyectos fotorgráficos parte de una idea indefinida que aspira a ser especificada. Mediante este proceso deductivo, su trabajo es una qüestión inicial que acaba planteando más preguntas. Intenta reflejar la dimensión lúdica de la fotografía para crear un reto que interpele directamente al observador y le cause una cierta confusión que también siente el mismo.

Visita su web

La obra gráfica de Oriol Rosell gira en torno a dos maneras de mirar y entender lo que le rodea. Una es de carácter realista, muestra lo que ve; la otra, comprende y experimenta con la visión y se adentra en los fenómenos asociados a las ilusiones ópticas. De un lado el acercamiento a las diferentes visiones que ofrece el paisaje circundante, la búsqueda del área más cercana, sobre todo en la ciudad y sus periferias como ámbito de influencia. En esta sensibilización por el paisaje reflexiona la relación existente entre espacio y individuo, entre privado y público, entre territorio y arquitectura. Por oltro lado el interés por estudiar metodologías generadoras de ilusiones y ponen en evidencia como la percepción cambia en función del estímulo percibido y como a menudo no se corresponde con el estímulo del sujeto real.

Su trabajo artístico planta relaciones con las influencias de la poesía y utiliza la pintura y el grabado —una de las especialidades de su formación— para expresar sus ideas. Busca representar el proceso de aprendizaje de los seres humanos a través de sus experiencias y el cambio que suponen en la filosofía de cada uno. Para ello, utiliza elementos y símbolos como los árboles, las raíces, las constelaciones, el círculo o la luna; este último, con el sentido de poder femenino. Sabaté parte de una obra muy introspectiva y profundamente vinculada con la naturaleza y la espiritualidad.
Destaca en sus pinturas la ausencia de la figura humana y la contundencia de los colores sobre blanco, en representación de las relaciones entre seres humanos y entorno.

Visita su web

Mi trabajo artístico toma un enfoque interdisciplinario, utilizando el texto, el vídeo y la instalación. A través de ellos cubro temas como feminismos, relaciones personales y todo lo susceptible de permanecer en la periferia. Me interesa la dimensión política de lo personal, lo vulnerable y el poder de la narrativa, cualquiera que sea su forma; es por eso que no entiendo la práctica del arte sin escritura, cine y poesía. Formo parte del colectivo Nenazas con el que publico fanzines y presento actuaciones.

Visita su web

La práctica artística de Yannick Sanches es el resultado de una actitud frente a la vida cuyo objetivo principal es la reivindicación del ocio, el ocio más auténtico. De este modo, lo que se propone son alternativas a una vida que estigmatiza al perezoso, ya sea porque lo entiende como la única vía hacia el éxito personal, porque la ociosidad produce felicidad, o sencillamente porque es la mejor herramienta contra un sistema que oprime.