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Actividades

Presentación del Manifiesto por la Libertad del creador, a cargo de Cristobal Martell, abogado

Presentación del Manifiesto por la Libertad del creador, a cargo de Cristobal Martell, abogado

Aproximación a la muestra desde la censura en la comunicación, a cargo de Mònica Terribas, periodista y profesora de la Universitat Pompeu Fabra

¿Qué es censura? Todo aquello que quien tiene el poder de decidir considera que no podemos disfrutar, que no podemos vivir. Si creemos en la libertad y somos capaces de enfrentarnos a nuestras propias contradicciones, miedos y proyecciones, la censura no debería existir. Pasearemos y comentaremos el universo de obras que por diversas razones el poder no puede tolerar como reflejo de su propia realidad. La experiencia de cada uno frente a una obra responde a la forma de ver la realidad y comentarlo colectivamente será el objetivo de esta actividad con la periodista y profesora de comunicación Mònica Terribas, ella, como una más del grupo que la acompañará visitando la exposición.

Aproximación a la muestra desde la censura en la comunicación, a cargo de Mònica Terribas, periodista y profesora de la Universitat Pompeu Fabra

DEMO_8. Taller con David Bestué

Participantes: Judith Farr, Gerard Calderón, Laura Justribó, Luis Alberto Sancho, Adam del Desert, Aka Modesto, Guada Amongero y Yolanda Maricel

El objetivo del taller es exponer una serie de conceptos que tienen que ver con la manera de afrontar nuestra práctica artística. Me gustaría plantear un conjunto de preguntas relacionadas con la conciencia del material, el uso del lenguaje o las temporalidades de cada obra. Intentaré contextualizar estas cuestiones con ejemplos de distintas disciplinas y con la realización de ejercicios prácticos.

David Bestué (Barcelona, 1980) es un artista visual interesado en las relaciones entre el arte y la arquitectura. Ha llevado a cabo trabajos sobre Enric Miralles y la historia reciente de la arquitectura y la ingeniería en España. Otro de sus focos de interés es la relación entre la escultura y el lenguaje, visible en algunas de sus exposiciones, como «Piedras y poetas», en la galería Estrany de la Mota (Barcelona, 2013); «Realismo», en La Capella (Barcelona, 2014); «La España moderna», en García Galería (Madrid, 2015), y «Rosi Amor», en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, 2017).

 

DEMO_8. Taller con David Bestué

ULTRAVIOLETA

Taller gratuito impartido por Antoni Hervàs, dirigido tanto a pacientes afectados por el cáncer de próstata, como a los familiares y al personal del Hospital. Esta actividad se enmarca dentro de la iniciativa Radiació+++, una propuesta pionera de trabajo conjunto entre el ámbito sanitario y el artístico.

«Ultravioleta» se presenta como un espacio colaborativo desde donde poder aproximarse a los problemas más comunes derivados de la afección. El objetivo es dar a los/las participantes las herramientas necesarias que les permitan transformar relatos personales en objetos plásticos. 

Siendo conscientes de la diversidad y delicadeza de estas narraciones personales, entendemos la práctica artística como un instrumento óptimo para poder hallar nuevas formas para dar visibilidad a la enfermedad y preservar la intimidad de sus protagonistas.

 

Antoni Hervàs (Barcelona, 1981)

Investiga los límites del dibujo, una disciplina sencilla y elástica capaz de absorber otras para expandirse y aumentar potencialmente su capacidad creativa.

Antoni Hervàs estudió bellas artes en la Universidad de Barcelona. Ha realizado varias exposiciones individuales, entre las que destaca «El misterio de Caviria», en la Capella (Barcelona), galardonada con el Premi Ciutat de Barcelona de Artes Visuales 2016 y el Premi ACCA a proyecto artístico, así como ha participado en varias exposiciones grupales, como «Generación 2018», en La Casa Encendida (Madrid, 2018), y la muestra de la Beca de Artes Plásticas Marcelino Botín, en Santander (2020).

En el marco del proyecto Radiació+++, con el Servicio de Oncología Radioterápica del Hospital Arnau de Vilanova.

Con el apoyo de la Fundación Daniel y Nina Carasso

 

17-18.30 h

Formato virtual

1, 8, 15 i 22 diciembre

Plazas limitadas

Inscripción 

 

 

ULTRAVIOLETA

Hibridaciones entre cyborgs y wearables como paradigma de la amplificación sensorial humana

El taller se plantea en dos bloques diferenciados. En el primero, se contextualiza el objeto de la investigación de María Castellanos acerca de las interfaces tecnológicas corporales y la genealogía de estas desde la perspectiva de la práctica artística. En el segundo, la artista hará un recorrido por su obra reciente, en la que aborda la amplificación sensorial humana desde la creación de interfaces tecnológicas corporales que se construyen desde su práctica artística y en las que se difuminan las fronteras entre ponibles (wearables) y cíborgs.

María Castellanos es artista e investigadora, doctora en bellas artes por la Universidad de Vigo y Premio Extraordinario de Doctorado 2016 con la tesis La piel biónica. Membranas tecnológicas como interfaces corporales en la práctica artística.

Su práctica artística se focaliza en las relaciones entre humanos y máquinas, y ha centrado sus investigaciones durante los últimos años en las hibridaciones entre cíborgs y ponibles, así como en la creación de complejos sistemas de comunicación interespecie, que propicien el entendimiento entre humanos y plantas.

Su obra ha obtenido diferentes premios, como el premio Vertigo Starts en 2017, una iniciativa europea de EU-Horizon 2020 —liderada por el Centre Pompidou e IRCAM de París y la Fraunhofer-Gesellschaft de Alemania— que promueve la colaboración entre artistas y proyectos de I+D, e exhibida en diferentes muestras, entre las que destacan «Jardín Cyborg» (Matatero, Madrid, 2019), la exposición individual «Open Environmental Kiten» (MUSAC - Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, 2019) o «Eco-Visionariesen» (Hek, Basel, 2018).

Polaritats es un proyecto de Homesession, el Centre d’Art la Panera y dos facultades de la Universidad de Lleida, la Escuela Politécnica Superior y la Facultad de Educación, Psicología y Trabajo Social.

Con el programa Polaritats (2018-), se ha creado un espacio donde instituciones culturales y universidad programan conferencias y talleres, que permiten la transferencia de saberes (artísticos, tecnológicos y humanísticos) entre los estudiantes de dos de las facultades de la Universidad —futuros ingenieros industriales y futuros maestros— y los artistas.

 

A partir de 2020, este proyecto se ubica en el marco del nuevo Grado en Diseño Digital y Tecnología Creativa, un grado pionero en su tipología en todo el Estado español, fruto de la necesidad de vincular desde el currículum arte y tecnología.

 

 

Hibridaciones entre cyborgs y wearables como paradigma de la amplificación sensorial humana

Aproximación a la muestra desde el punto de vista del artista censurado y perseguido, a cargo de Abel Azcona

Tener la oportunidad de profundizar en piezas históricas en el mundo del arte en cuanto a censura y persecución no pasa todos los días. El artista Abel Azcona, revolucionario y radical, censurado y perseguido por la Iglesia católica, Abogados Cristianos, partidos de ultraderecha, organizaciones extremistas o la Fundación Francisco Franco, nos acompañará en cada una de sus obras, en un caminar que surgirá de la propia vida y existencia del creador, que entiende su habitar como un objeto político hasta cada detención, agresión o proceso judicial detonado de cada uno de sus procesos creativos críticos y políticos.

Aproximación a la muestra desde el punto de vista del artista censurado y perseguido, a cargo de Abel Azcona

Activación de Ideologías oscilatorias de Núria Güell y Levi Orta, en el marco de la inauguración de la exposición

La pieza Ideologías oscilatorias, consistente en un coche decorado con motivos franquistas, hará un itinerario por puntos representativos de la historia de la Guerra Civil y el franquismo en la ciudad de Lleida.


Originalmente este vehículo tenía que circular por la rambla de Figueres en el festival Ingràvid del año 2015, pero fue censurada. Con esta acción se buscaba provocar la reflexión sobre la vigencia de la ideología franquista y el aumento de las actitudes fascistas tanto en las políticas institucionales como en la sociedad civil.

El itinerario se iniciará en el Centre d’Art la Panera y finalizará en el mismo punto a la hora de la inauguración. Los espacios por los que circulará son:


1. Centre d’Art la Panera
2. Seu Vella
3. Complex militar de Gardeny
4. Antic Liceu Escolar
5. Indíbil i Mandoni
6. Subdelegació del Govern
7. Museu de Lleida
8. Centre d’Art la Panera

Activación de Ideologías oscilatorias de Núria Güell y Levi Orta, en el marco de la inauguración de la exposición

DIS. Marta Bisbal

A diferencia de la inmediatez a la que nos tiene acostumbrada la práctica fotográfica actual, Marta Bisbal entiende el lenguaje fotográfico como un espacio pausado, lento y de mirada contemplativa. Una aproximación al entorno más cercano que, mediante movimientos mínimos de los diferentes elementos con los que trabaja arquitectura, luz, experiencias espaciales, le permite tomar consciencia de la realidad, el presente y los límites que estos espacios suponen. Movimientos y gestos de bajo relieve en algunos casos inadvertidos que ponen en duda al propio medio fotográfico, la percepción humana y al propio acto de mirar. De esta forma, sus proyectos recientes funcionan primordialmente como ensayos conceptuales en torno al registro fotográfico, el estado consciente de los entornos y la exploración de los espacios vitales. Constructos que cohabitan desde el margen de la mirada y desde la invisibilidad como materia prima.

DIS. Marta Bisbal

DIS. Carles Porta

Este año, Animac hablará de la memoria, los recuerdos, el pasado, el tiempo vivido…

Como acostumbro a hacer, empiezo a trabajar con alguna técnica que hace tiempo que no practico. En esta ocasión, tenía ganas de pintar, pintar con pinceles sobre papel, mezclar y preparar colores con acrílico, y también usar acuarela y todo tipo de experimentos plásticos. Era un plan para mantenerme lejos del ordenador.

No suelo mirar atrás, pero ahora no podía huir de este ejercicio. Intenté recordar mi infancia. Me dibujé rodeado de mi familia como si estuviéramos en una película de Woody Allen. Seguí adelante, intentando rascar en mi mente buscando alguna experiencia vivida capaz de elevarse a la categoría de imagen para cartel de animación. Poco a poco abandoné esos momentos vividos para pensar en aquellos objetos aparentemente intrascendentes que nos conectan directamente con algún momento de nuestra vida. Ahora mi trabajo se acercaba a la naturaleza muerta: una postal del monte Fuji, un zapato de mujer, la figurita de plástico de un indio a caballo, un sombrero de hombre…

Todo eso no estaba mal, pero siempre tengo la necesidad de representar algún ser vivo en mis carteles. Es lo que a veces hemos llamado con Carolina López, directora de Animac, «el factor humano».

Así que, de nuevo, cambié de perspectiva y me encontré finalmente con el cartel de este año. Pero esta vez, el ser es una forma azul que tan solo se insinúa. Se podría decir que es una imagen abstracta. El primer cartel no figurativo de Animac.

Mi memoria está hecha de pequeños fragmentos. Supongo que es parecida a todas, pero desgraciadamente con más espacios vacíos que otras. Los fragmentos gravitan sobre el espacio manteniéndose a cierta distancia. Todos estos fragmentos son mi cápsula del tiempo.

Carles Porta

DIS. Carles Porta

DIS. Martín Llavaneras

Mediante distintos registros como el vídeo y la escultura o la instalación, el trabajo de Martin Llavaneras refleja su interés por actividades dinámicas que permitan recodificar espacios y definir un uso práctico de la cultura. Sus propuestas se confrontan a partir de nociones prestablecidas como la idea de naturaleza, paisaje o patrimonio, mientras apelan a una interpretación más subjetiva del entorno, a la vez susceptible de ser integrada en la construcción colectiva del conocimiento. Así, sus proyectos recientes son primordialmente ensayos conceptuales en torno a interacciones entre lo que es humano, las infraestructuras biológicas y los saberes compartidos; constructos culturales y contextos que se constituyen y cohabitan siempre desde los márgenes, al mismo tiempo que son materia prima en sus obras a través de objetos y materiales cotidianos. Un trabajo que se mueve entre la escultura y la instalación que, en algunos casos, es efímera, como puede comprobarse en sus obras, pero siempre desde una óptica conceptual, donde la naturaleza y el ser humano ocupan el espacio principal.

DIS. Martín Llavaneras

DIS. Jordi Jové

Desde muy pequeño, Jordi Jové dibujaba en hormas y paredes de masías con carboncillos que encontraba entre las cenizas de las hogueras que habían servido para quemar los restos de poda del invierno. También, con la ayuda de una pluma de las gallinas del corral, bien afilada con la navaja, y un dedal de tinta china, reseguía los contornos de Montmaneu, las tapias que rodean la casa solariega y la silueta del pueblo de Seròs, dominada por la iglesia barroca de Santa Maria, que observaba desde Roques de Sant Formatge o desde el Castell.

Lleida, Barcelona, el sur de Francia y recientemente China han sido los escenarios que han nutrido sus obras. Sin embargo, Seròs siempre está latente bajo sus dibujos, pinturas, acuarelas y fotografías. Es como Àger para Benet Rossell, Mont-roig del Camp para Miró o Horta de Sant Joan para Picasso. Jordi Jové siempre vuelve a los paisajes de la infancia.

Igualmente, su prolífica trayectoria está marcada por otras idas y venidas de orden estilístico: tránsitos y fluctuaciones entre la abstracción y la figuración. Una polaridad que en el contexto leridano también se dio en Leandre Cristòfol, que tanto podía plantear un ensamblaje poético y surrealista, como Nit de Lluna (1935), como tallar una escultura figurativa, como La pensativa (1936). Igualmente, Jové se entregaba al acto creativo sin complejos, unas veces cargado de referencias y préstamos (literarios, pictóricos, extraartísticos…), otras veces desde el más puro automatismo, desde el salto al vacío. Pinta sin pesares ni complejos, virtuoso en el dibujo y hábil en la aplicación del color; aparentemente hace fácil lo difícil. Aun así, sus obras no están exentas de dificultades. Desde la incertidumbre busca respuestas en el cuadro y en el papel; a veces se aproxima, otras desbarra y se precipita por el abismo de la pintura. En estos puntos críticos, recula, superpone capas, deja descansar la tela, le da una segunda o tercera oportunidad, que en ocasiones llegará y en otras se hará esperar.

DIS. Jordi Jové

MATINS A LA PANERA 2019/2020 SORTIDA A ACVIC, BÒLIT DE GIRONA I M|A|C MATARÓ

MATINS A LA PANERA 2019/2020 SORTIDA A ACVIC, BÒLIT DE GIRONA I M|A|C MATARÓ

DIS. Isabel Barios Ibars

Ha estudiado bellas artes y enfermería. Actualmente, trabaja como enfermera a la vez que realiza proyectos artísticos en los que relaciona ambas prácticas. Los temas centrales de interés de su praxis son: el cuerpo y su representación, la institucionalización terapéutica, las políticas y la ética de los cuidados. Los proyectos que realiza se desarrollan siempre entorno a dos ejes: el teórico, mediante la investigación y el ensayo, y el práctico, a través de la fotografía, el audiovisual y la literatura. Transversalmente, también trabaja en otros ámbitos de interés más íntimos y esporádicos como la performance o la poesía.

Artista residente en Experimentem amb l’Art (Barcelona), en los últimos años ha desarrollado los proyectos Traven/Grothendieck, con David Ferragut (Premio de Investigación Sala d’Art Jove 2017), y Maniobres d’evasió, con Míriam C. Cabeza (Beca de Educación Sala d’Art Jove 2015). En cuanto a la obra, recientemente ha realizado la pieza de vídeo Mans invisibles (Premio Festival Embarrat - Museu Trepat 2019), ha obtenido la Beca Arte y Naturaleza a la Creación con el proyecto L’aigua que murmura / encants me conta y ha participado en la 7a edición del Aplec Saó con la intervención sonora Cordill de so. Durante el curso 2019-2020 participa en el programa En Residència - Creadors als instituts de Barcelona, en el Instituto Jaume Balmes. Su último trabajo es L’aigua que murmura / encants me conta, un proyecto a caballo entre la literatura, el vídeo y la performance que ha realizado durante su estage de dos meses en el CAN Farrera (Pallars Sobirà), gracias a la Beca Arte y Naturaleza a la Creación 2019 que da anualmente la Panera de Lleida.

L’aigua que murmura / encants me conta parte de un gesto: murmurar historias a la tierra. A partir de esta acción, explicada a la artista por parte de su abuela cuando era pequeña, se establece una relación entre las historias personales y las del paisaje. El trabajo artístico consiste en recopilar hechos sucedidos alrededor de Farrera (explicados por sus vecinos o vividos durante el estage en el CAN) y confrontarlos, a través del vídeo, con imágenes y sonidos procedentes de la naturaleza. La intención principal del proyecto es centrarse en el proceso relacional que se establece entre el lenguaje de la naturaleza y el del humano, la memoria y el olvido, el habla y la escucha, y facilitar un retorno a aquello que proviene de la tierra y el lugar. Un diálogo que pretende perseguir la relación entre memoria y paisaje, entrelazada por la condición fugaz y efímera de ambas.

Durante su estage en el CAN Farrera, donde desarrollaba su Beca Arte y Naturaleza a la Creación, participa en la 7a edición del Aplec Saó - Festival d’Arts i Natura del Pirineu (www.aplecsao.cat) con la intervención sonora Cordill de so.

Cordill de so consiste en un itinerario por las afueras del pueblo de Farrera a través de los ecos de un sonido que conducen al lugar de su procedencia. Los sonidos toman forma a través de las palabras que intentan interpretar la posibilidad del silencio. Una vez en el lugar de donde surge el sonido, se explica la relación que se establece entre el silencio del paisaje y lo que ello evoca. La obra está enmarcada en el proyecto L’aigua que murmura / encants me conta (Beca Arte y Naturaleza a la Creación 2019). La pieza es una intervención en la naturaleza que toma como punto de partida la escucha de los sonidos que se producen en un lugar aparentemente silencioso. En contraposición con la ciudad, se concibe la naturaleza como un espacio donde impera la quietud y la ausencia de ruidos o, por lo menos, estos tienden a pensarse como suaves y delicados, poco invasivos. Pero si se pone atención a cada mínimo detalle sonoro, fácilmente se llega a la deducción de que la naturaleza se compone de miles de sonidos que rompen su ideal silencioso. Oímos a los árboles y las hojas y los riachuelos cuando estamos cerca de ellos, de lejos podemos oír algún trueno o el inicio de una lluvia; todos ellos, murmullos de la Tierra. Si las personas explicamos historias a través de las palabras, la naturaleza también puede tener esta voluntad a través de su sonoridad. Cordill de so es una acción que pretende reflexionar sobre la representación de la narrativa de los elementos naturales a través de sus sonidos. La última presentación pública de 2019 es la serie fotográfica Enllitada, presentada en el Institut d’Estudis Ilerdencs (IEI) en el contexto del Larva 2019, Bienal de Arte Contemporáneo de Lleida.

Enllitada es un trabajo fotográfico alrededor de la idea de permanecer en la cama a partir de la búsqueda de expresiones populares catalanas. Se han extraído diferentes significados del vocablo llit, tanto en un sentido espacial como material, incapacitante o placentero. El trabajo fotográfico se convierte en un ensayo visual en alusión al concepto hospitalario de «acostado»; sobre la implicación del cuerpo en reposo, la imposibilidad de moverse, la indisposición o la corporeidad de la cama como metáfora de los desemejantes estados que puede implicar.

DIS. Isabel Barios Ibars

DIS. Ernest Costafreda

El trabajo de Ernest Costafreda comprende diferentes proyectos multidisciplinares que van desde la poesía hasta el dibujo, la moda, la fotografía o la publicidad. Costafreda utiliza unos procesos de trabajo que se enmarcan a partir de una actitud y una estética a medio camino entre el punk, lo poético y la irreverencia, donde la huella y el peso de su paso por el mundo de las tendencias y la moda aún permanecen muy presentes. Desde el cierre de la que fue su marca, Costalamel, dentro del sector de la industria de la moda en el año 2017, Costafreda inicia un retorno a la esencia del viaje y la aproximación a la poesía a través de relatos y narraciones vivenciales, manteniendo una estrecha relación y afinidad con la cultura trash, la contracultura, aunque conservando ciertos clichés en positivo que recuerdan su paso por el mundo de la moda.

En este sentido, destacamos dos trabajos: Punks and poets (2018), un proyecto multidisciplinar que abraza diferentes registros de presentación, así como unos referentes claros de la cultura mexicana, como son las conocidas Frida Kahlo y Chavela Vargas, y Poesía de mierda (2019), un libro editado por Stendhal Books que, en palabras del propio autor, «utiliza la poesía para reivindicar el amor frente al miedo». Un trabajo que ha ido llenando de poesía espacios urbanos decadentes de metrópolis, como váteres de Ciudad de México, tanques de obra de Nueva York, cabinas telefónicas de Lima, aparcamientos de Bogotá, camiones de la basura o puertas de casas de La Habana. O, como es el caso de nuestra ciudad, hemos podido ver intervenciones en los lavabos de la Biblioteca Pública de Lleida o en la discoteca Biloba. Un viaje por la memoria del tiempo y un trabajo de largo recorrido que se recoge en 65 poemas ilustrados y diferentes acciones fuera de los circuitos establecidos de las artes visuales y la poesía.

DIS. Ernest Costafreda

DIS. Ferran Lega Lladós

El trabajo de Ferran Lega indaga en los procesos sonoros como forma no musical de expresión artística, desde una revisión crítica de la condición humana inherente en los procesos de audición/sensación. El sonido se trabaja no únicamente como dispositivo de autorreflexión crítica, sino como una herramienta para generar un lenguaje particular a través de la materialización tangible y visual de sus elementos compositivos. Lega genera unos ejercicios que provocan procesos mentales de pensamiento crítico, suscitar la reflexión o crear un proceso íntimo de relación entre el espectador y la obra, que converjan en la finalización del proceso de construcción. El arte, que habitualmente es aceptado en su función contemplativa, se transforma en un proceso interactivo en el que la audición como forma contemplativa deriva en una relación entre el artista, la obra y el espectador, englobando todo el proceso creativo.f

DIS. Ferran Lega Lladós

DIS. Víctor Vilamajó

Como fotógrafo, empiezo mis proyectos partiendo de una intuición interna. Cada proyecto funciona como un medio para intentar esclarecer esta abstracción inicial.

Hallo en la fotografía el medio ideal para dar apoyo a este proceso cognitivo que apunta a traducir lo intangible EN AQUELLO QUE ES tangible.

Las imágenes funcionan como un puzle que juega con las piezas descontextualizadas de la realidad para representar plenamente esta idea de salida. Tanto si el resultado final es una única imagen como si se trata de una serie, nunca escapa totalmente del misterio.

Al final del proceso me quedo solo parcialmente satisfecho, al tratare de un proceso incompleto, el resultado del cual es el mismo número de respuestas que de preguntas. Mi objetivo era capturar en imágenes la esencia urbana para entender completamente por qué la ciudad, en su intento por convertirse en refugio de una naturaleza inhóspita, acabó comportándose como una entidad biológica.

Víctor Vilamajó

DIS. Víctor Vilamajó

VICENS VACCA FLY. SENTENCIAS ACÚSTICAS / DRAMA. UN CLIMA ACÚSTICO

VICENS VACCA FLY. SENTENCIAS ACÚSTICAS / DRAMA. UN CLIMA ACÚSTICO

CONVERSACIONES ALREDEDOR DE UN ELEFANTE

CONVERSACIONES ALREDEDOR DE UN ELEFANTE

DIS. Yannick Sánchez

La práctica artística de Yannick Sánchez es el resultado de una actitud ante la vida en la que el objetivo principal es la reivindicación del ocio, el tiempo libre más auténtico.

De esta forma, lo que se propone son alternativas a una vida que estigmatiza al perezoso, ja sea porque lo entiende como la única vía hacia el éxito personal, porque la ociosidad produce felicidad o sencillamente porque es la mejor herramienta contra un sistema que oprime. A partir de estas premisas, Sánchez traza parábolas entre diferentes lenguajes mediante lo absurdo, lo kitsch, la broma fácil, la ocurrencia, de la misma forma que trabaja desde diferentes registros y géneros como el literario, el audiovisual o el objetual.

Cosas que hacer antes de morir, o para vivir tranquilo, o para morir tranquilo, o para… hacer cosas, simplemente es un proyecto artístico que se presenta a modo de bucket list, que viene a ser algo parecido a una lista de cosas pendientes, o incluso, en un terreno más vital, una lista de cosas que hacer antes de morir.

Esta lista la componen 25 objetivos que son, supuestamente, algo interesante, y concebidos para desarrollarse durante lo que en nuestra cultura occidental se conoce como tiempo de ocio, o lo que realizamos en nuestro tiempo libre. Siempre desde el juego, la ironía, la parodia mordaz, se parecen salvando las distancias al azar, los juegos, el humor y el tono burlón que desprendía el gran Joan Brossa.

DIS. Yannick Sánchez

DIS. Paula Artés

Paula Artés utiliza la fotografía como excusa para plantear cuestiones sobre los límites de las instituciones, los sistemas de control que condicionan la vida diaria de la población y las relaciones de poder. Actos que ejerce de forma muy conmensurada a medio camino del fotodocumental y la investigación, que tiene el objetivo de estudiar y establecer los límites de estos mismos elementos, a partir de diferentes estrategias como la invisibilidad de los espacios y dispositivos de control, los sistemas de seguridad, ya sean públicos o privados, y reflexionar y visibilizar lo que no solemos ver, aquello a lo que pocas personas tienen acceso. Para ello, y a través del terreno social, político y económico, Artés analiza la invisibilidad como estrategia para explorar las paradojas de los espacios de control ocultos y cómo subvertir, desarmar y cuestionar su veracidad.

En este sentido, Forces i cossos (2018) es el último trabajo de investigación, que trata la invisibilidad de la Guardia Civil en Catalunya, en el que la artista muestra desde dónde nos controlan y dónde no tenemos acceso. La Guardia Civil es un cuerpo policial que en Catalunya sabemos que existe, pero no vemos nunca; no se sabe que sigue operando en Catalunya. Tampoco sabemos cuál es su función. Por eso, Artés habla de la invisibilidad como control: cuando estos cuerpos de seguridad son invisibles es cuando son operativos; son invisibles para tener el control. Un trabajo de largo recorrido que la ha llevado a visitar todos estos lugares inaccesibles para el resto de población, accediendo a ellos y cuestionándolos, para, posteriormente, objetar de forma colectiva.

Con este proyecto ha sido seleccionada en Descobriments PhotoEspaña, Encontro Artistes Novos, SCAN Photobooks, Photogenic Festival, Unseen Dummy Award de Ámsterdam y FIFTijuana de México, y, con otros proyectos, en la Sala d’Art Jove y Viphoto. Estas últimas semanas la artista ha lanzado un micromecenazgo en Verkami para llevar a cabo la edición del libro.

DIS. Paula Artés