Actividades

11.45h

Punto de encuentro: Av. de Madrid, 34, 25002 Lleida

Fotografia: Hermína Sirvent. Museu de l’Aigua

11h

Punto de encuentro: Dipòsit del Pla de l’Aigua.

10 h

11.30h 

Este taller, dirigido a los niños, explora y promueve la autonomía corporal, el autocuidado y la expresión personal más propia, mediante el juego, la ficción especulativa y la fantasía —o, como le gusta más nombrarla a Personaje Personaje, la ficción radical para futuros posibles.

Cabayo toma como punto de partida la siguiente afirmación: cuando a un niño le devolvemos el cuerpo y le hacemos saber que su cuerpo es suyo, a través de esta noción de autonomía estamos previniendo una serie de violencias estrictamente ligadas entre sí: la violencia intrafamiliar o en el hogar, el abuso sexual infantil y el asedio escolar o bullying.

Este taller es un ritual, un juego y un reclamo para la reapropiación del cuerpo, sus potencialidades y la seva agencia. En él cuestionamos la hegemonía de la mirada y los espejos, para profundizar y recuperar otras formas de percepción de la propia corporalidad y de la relación amb unes altres, así como con nuestro entorno y lo que lo habita. Cabayo es un ejercicio implicado y compartido para recuperar el cuerpo; es una actividad sobre el reclamo tanto del espacio propio-íntimo como del espacio externo-público.

Esta actividad participativa está planteada desde una perspectiva anticolonial y lúdica. Es un territorio fértil para la fantasía y lo sensible en el que se promueve el (auto)cuidado, la recuperación de la autonomía corporal y la relación intimidad-comunidad para la prevención del maltrato infantil y de la violencia sexual, a partir de un espacio basado en lo lúdico y la ficción especulativa como herramientas prácticas.

Aquest taller está concebido para la asistencia exclusiva de niños —sin la  presencia de adultos—, que estarán acompañados por el equipo del Centre d’Art La Panera.

Centre d’Art La Panera – Espai 1

19h 

Como comisario del Xposed Queer Film Festival, he seleccionado 5 cortos que de una forma u otra siento que dialogan con mi propia práctica artística. Todas ellas son películas que manifiestan, a través de historias en primera persona, el deseo y la necesidad de crear lazos estrechos tanto con nuestros antepasados, familiares o amantes, como con nosotres mismes. Es mediante el hallazgo de una serie de objetos -fotografías, películas, dildos o canciones- que se abren portales hacia nuevos imaginarios y futuros por devenir. Objetos o gestos que, al igual que magnetos o talismanes, detonan el impuslo creativo, guiando cada una de estas producciones audiovisuales.

En "Neo Nahda", una joven londinense encuentra fotografías de mujeres árabes travestidas en los años veinte. A medio camino entre sus fantasías y la realidad, emprende un viaje para descubrir historias perdidas y su propia identidad. "Grandmamauntsistercat", construida a partir de material de archivo originalmente utilizado como herramientas didácticas y propagandísticas en la Polonia comunista, nos acerca a Baba Yaga, una figura clásica que encarna a una bruja eslava. En "Will You Look At Me", un joven regresa a su ciudad natal con una cámara Super 8, capturando su entorno más cercano y un acercamiento con su madre. En “Dildotectonics”, Rebeca, intenta crear una colección de dildos de cerámica no fálicos, mientras la historia de Josefa, perseguida durante la Inquisición, se cruza de manera inesperada. "Valery Alexanderplatz" nos lleva en un viaje musical desde la canción de Battiato "Alexanderplatz" hasta "Valery" de Alfredo Cohen, sumergiéndonos en la fascinante vida de la protagonista, quien a través de memorias nos acerca a los tumultuosos años 80 berlineses y a un presente bañado de serenidad espiritual.

Neo Nahda

May Ziadé, UK, 12‘, 2023

Inglés con subtítulos en castellano

Grandmamauntsistercat

Zuza Banasińska, Países Bajos/Polonia, 23’, 2024

Polaco con subtítulos en castellano

Will You Look At Me

Shuli Huang, China, 20', 2022

Mandarín con subtítulos en castellano

Dildotectonics

Tomás Paula Marques, Portugal, 16’, 2023

Portugués con subtítulos en castellano

Valery Alexanderplatz

Silvia Maggi, Alemania/Italia, 28', 2023

Italiano con subtítulos en castellano

11.30h

Taller familiar a cargo de la ilustradora Elisa Munsó, con quien pondremos en práctica su proceso creativo y la práctica del retrato y el autorretrato. Elisa nos acompañará, a través de distintas propuestas y materiales, a representar a nuestra familia. Sus estrategias creativas harán que nos situemos en nuestra sociedad desde el yo como individuo y desde el nosotros como familia.

11.30h

En esta ocasión, de la mano de Mertxe París, vamos a disfrutar de una sesión de narración oral para niños y familias, en el contexto de la exposición «¡Oh! Un retrato», de Elisa Munsó. Esta propuesta expositiva acoge 34 ilustraciones de varias personas pioneras en nuestra sociedad que han cambiado y marcado la historia del siglo XX y de la actualidad; personas apasionadas de la vida que, ya sea por sus inventos, descubrimientos o hechos personales, han generado un cambio que actualmente ya se ve en nuestro día a día. Descubriremos nuevas aportaciones a varias ciencias y disciplinas, como la astronomía, la informática, la música, el cine, el deporte, el dibujo, la ilustración, el cómic, la medicina, etc. En el suelo encontramos los nombres de estas personas; leyéndolos, podemos identificar algunos de sus retratos.

Mesa de pensamiento en torno a la noción de cuerpo ausente/cuerpo presente en las artes y presentación del catálogo Abel Azcona. Mis familias. 1988-2024 editado por Estudio Ponce Contreras. 

Con Laia Manonelles, Pol Guasch y Abel Azcona. Moderado por el curador Víctor Ramírez Tur.

La Dra. Laia Manonelles Moner, profesora del Departamento de Historia del arte de la Universidad de Cádiz. Barcelona, centra su investigación en el arte procesual y socialmente comprometido. Ha co-comisariado la exposición Politizaciones del malestar, procesos creativos y experiencias compartidas (2017) y ha co-editado –con Nora Ancarola y Daniel Gasol- la publicación Politizaciones del malestar Derecho a la angustia. El arte y los procesos creativos como instrumento para canalizar el malestar (Rayo verde, 2017), que obtuvo el premio de Crítica de la ACCA en 2017. Al mismo tiempo, ha impulsado el archivo digital online: "Politizaciones del malestar" (http:// polititzacionsdelmalestar.org). También ha comisariado la exposición fotográfica Construyendo China: visiones de una transformación, en el Instituto de Estudios Ilerdenses (2010), y es la autora de los libros Arte experimental en China, Conversaciones con artistas (Ed., Barcelona, 2011) y La construcción de la(s) historia(s) del arte contemporáneo en China, conversaciones con comisarios, historiadores y críticos (Ed. Gimenells, 2017).

Pol Guasch se graduó en Estudios Literarios en la Universidad de Barcelona, es máster en Construcción y Representación de Identidades Culturales y en Teoría, Literatura y Cultura Contemporánea (King's College London). Cursó asimismo el Programa de Estudios Independientes del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. Ha sido profesor asociado de Literatura y Crítica de la Cultura en la Universidad de Barcelona y, actualmente, forma parte de la productora cultural La Sullivan. Es autor de la novela Napalm al cor (premio Libros Anagrama, 2021) y de los libros de poesía Tanta gana (premio Francesc Garriga, 2018) y La part del foc (premio López-Picó, 2020).

17 - 20 h

En el marco de la exposición «Abel Azcona. Mis familias 1988-2024» encontramos un acto íntimo y performativo en seis actos mediante la conversión del espacio museístico en un lugar de resolución de conflictos familiares. La totalidad de las obras de Azcona se activan como procesos performativos en diferentes etapas. De esta manera, el artista, mediante documentos, objetos, palabras, cuerpo y la instalación, marcará su cuerpo de manera permanente con el número otorgado en su proceso de abandono y adopción para borrar su propia identidad; conocerá por vez primera a su hermana abusada y maltratada como él; recibirá y leerá cartas de galeristas, artistas y otros agentes artísticos que han cuidado durante sus veinte años de creación, desde el acto de limpiarle en momentos de inconsciencia hasta acompañarlo en procesos de drogadicción extrema; buscará y llamará a su madre o a la figura imaginada de la misma; abrazará a la madre de tela blanda que encargó como sustitución de la suya propia ante el sentimiento de abandono, o resolverá y activará una nueva etapa ante la aparición de la posible madre biológica.

16-20h

Abel Azcona reconstruirá en el Centro de Documentación de la Panera su línea biográfica partiendo de sus publicaciones y de su recorrido vital, centrándose en los sucesos más violentos y compartiendo algunos episodios de especial intimidad.

La propuesta pretende colectivizar su dolor, abriéndose y dejándose afectar por las experiencias del público asistente. Del mismo modo, se hará hincapié en la necesidad de pensar modos para responsabilizarnos de las violencias sistémicas.

Con la colaboración del artista Antonio Portillo Carbonell y de las asistentes se desplegará en una de las paredes del Centro de Documentación esta reconstrucción biográfica y colectiva que permanecerá expuesta hasta el final de la exposición.

Antonio Portillo es un artista multidisciplinar residente en Valencia. Portillo estudió Bellas Artes en la facultad de San Carlos en Valencia y completó el Máster en producción artística hace cinco años. Su obra se basa en experiencias vitales . Principalmente centrado en el cuerpo como referencia. El proyecto final del máster muestra el desarrollo de una serie de piezas escultóricas relacionadas con las dependencias y sufrimiento que dificultan la  movilidad del cuerpo debido a agentes externos y al deterioro del propio cuerpo a lo largo del tiempo. Actualmente está trabajando  en varios proyectos relacionados con la ausencia del cuerpo, tras la muerte de un miembro de la familia en el que se experimentan con la idea de vacío y plenitud, mediante el propio cuerpo del artista a través de la acción y de la escultura.

Jueves 14 de diciembre, 15-16 h (Lleida), 8-9h (Bogotá)

Brigitte Baptiste es bióloga de la Pontificia Universidad Javeriana y rectora de la Universidad EAN, de Bogotá. Cursó el máster en Conservación y Desarrollo Tropical de la Universidad de Florida. Además, es doctora en Gestión Ambiental por la Universidad Internacional de La Paz (Unipaz). Durante los últimos diez años ha ejercido como directora general del Instituto de Investigación de Recursos Biológicos Alexander Von Humboldt, y desde hace un año, como miembro del Consejo Superior de la Universidad EAN. el Grupo de Trabajo en Conocimiento Indígena y Local y el Grupo de Trabajo en Herramientas y Metodologías de Política. Es miembro del Comité Asesor de Política Científica (Science Policy Advisory Committee) de la Iniciativa Ambiental Interamericana para el Cambio Global (IAI) y del comité científico del Programa sobre el Canvio de los Ecosistemas y la Sociedad (Programme on Ecosystem Change and Society). A partir del 2018 propuso la visión de la «ecología queer», que desarrolla la idea de la naturaleza como un escenario abierto para la transgresión y el progreso de visiones no convencionales, con la finalidad de que los procesos de la fauna y la flora no pasen desapercibidos bajo una visión homogénea.​

Actividad vinculada a la exposición «Ecologías queer. Aberraciones naturalmente subversivas», a cargo de Christian Alonso. Centre d’Art La Panera, 28 de octubre de 2023 - 28 de enero de 2024. Espai 0.

Dos sesiones: sábado 18 de noviembre (10-14 h) y domingo 19 de noviembre (11-14 h). Gratuito con inscripción previa: infolapanera@paeria.cat.

La Erreria (House of Bent) es un colectivo fundado en el año 2009 por Graham Bell Tornado y Anna Maria Staiano en Játiva. Su práctica ecléctica y experimental incluye procesos colaborativos, videoarte, performances, música, escultura corporal, obra gráfica y literatura. Sus intereses principales son las políticas (trans)género, ecologistas y feministas.

En este taller nos harán una breve introducción a los conceptos de ecología queer y ecotransfeminismo. Después los pondremos en práctica y les daremos forma y visibilidad, por un lado, a modo de pancarta textil a partir de la reutilización de retales de ropa cosidos a mano y, por otro lado, a través del dibujo y la práctica del cadáver exquisito. Crearemos así una serie de figuras híbridas entre lo humano, lo animal y la tecnología. Con ellas viviremos un proceso colaborativo y artístico.

La Erreria (House of Bent) es un colectivo artístico fundado en 2009 por Graham Bell Tornado y Anna Maria Staiano en Játiva. El colectivo ha llevado a cabo proyectos de arte comunitario, performance, vídeo y editoriales, desde una perspectiva (trans)género, ecológica y feminista. Si al principio su actividad se concentraba en la casa museo de Játiva que gestionaban, donde hacían exposiciones, actividades y visitas guiadas, ahora La Erreria es un proyecto encarnado e itinerante. Entre sus proyectos destacan las exposiciones «Eco_Gender / Eco_Género» (2010), «Queering el Archivo Nacional» (2018), «#ecoqueerplanet» (2022), el proyecto participativo de drag queen radical La Coronación y la xarxa de parcs P.I.N.Q. (Post Industrial Natural Queer), que se han establecido en Valencia, Madrid, Bilbao, Barcelona y La Gomera (Canarias). Página web: https://erreriahouseofbent.com/.

Actividad vinculada a la exposición «Ecologías queer. Aberraciones naturalmente subversivas», a cargo de Christian Alonso. Centre d’Art La Panera, 28 de octubre de 2023 - 28 de enero de 2024. Espai 0.

Sábado 20 de enero de 2024, 17.30 h.

Ona Bros no tiene ninguna vinculación genética con el ser que gestó y parió. Tomando como punto de partida esta circunstancia, inició el proyecto de investigación de largo plazo y aún en curso BetaBlastoCuir, donde analiza críticamente los discursos alrededor de la genética en busca de otros referentes, relatos e imaginarios. BetaBlastoCuir es un conjunto de materiales para otra imaginación en diversos formatos, como vídeo, instalación, conferencia performativa, texto, sonorización, talleres, encuentros y prácticas sensibles en el campo de las artes en vivo.

Desde que nació su hija, Ona Bros desarrolla un proceso a caballo de la investigación y la introspección, un ejercicio de escritura sostenido en el tiempo que combina el diario en primera persona y la bitácora de lecturas, notas e intuiciones de exploración. De esta manera hace eclosionar conglomerados poéticos o alegóricos para pensar el lugar, la práctica y la condición materna y los parentescos desde otros lugares, con otras imágenes y usando otras palabras.

Ona Bros (la Fuliola, 1977) es una artista e investigadora que entiende las imágenes como catalizadores de complejidades semiótico-técnico-materiales. Trabaja desde una práctica situada, una manera de habitar queer y una sensibilidad transfeminista. Mediante la fotografía, el vídeo, la escritura y las artes en vivo, el artista relaciona conocimientos distantes e interroga el tabú en busca de narrativas que fracturan el presente. Partiendo de una experiencia gestacional no genéticamente vinculante, investiga los discursos alrededor de la ciencia genética en el context de los biomercados globales de la reproducción asistida. Bros está licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona (UB), graduada en Fotografía por la Universidad Politécnica de Cataluña i máster en Producción e Investigación Artística por la UB. Su trabajo se ha mostrado en Noguereas Blanchard, La Casa Encendida, Sociología Ordinaria (Museo Reina Sofía), el Dutch Art Institute d’Arnhem, el Hemispheric Institute of Performance and Politics de Nueva York, Hangar, Hamaca, La Caldera o el MACBA. Es cofundadora de los proyectos colectivos Institut d’Estudis del Porno (IEP) y FUGA (plataforma cooperativa de investigación alrededor de las imágenes). Página web: http://ona-bros.net/.

Actividad vinculada a la exposición «Ecologías queer. Aberraciones naturalmente subversivas», a cargo de Christian Alonso. Centre d’Art La Panera, 28 de octubre de 2023 - 28 de enero de 2024. Espai 0.

Sábado 27 de enero de 2024 a las 17.30 h.

«Formas de la no_visión» es una performance que forma parte de un proyecto de investigación, producción y experimentación, que indaga maneras de incluir la diversidad en el ámbito cultural y artístico basándose en los parámetros del diseño universal. La artista parte de la pregunta siguiente: «¿de qué manera la danza, siendo una técnica esencialmente visual, puede formularse sin tener en cuenta el sentido de la vista?». La intención es abrir un espacio de debate sobre las posibilidades o imposibilidades que genera el hecho de no ver.

El proyecto se hace eco de los estudios de la discapacidad (disability studies), un campo de estudio transdisciplinar que combina una crítica de los modelos corporales normativos y advoca por nuevas formas de ser, sentir, pensar y actuar. Abandonando el sentido de la vista como el medio privilegiado para percibir el mundo, la artista cuestiona la invulnerabilidad del subjeto transcendental, universal y soberano, y se centra en explorar otras realidades perceptives, relacionales y corporales. Los estudios de la discapacidad se alían con el activismo queer, ya que, en lugar de normalizar las identidades, aspiran a liberar los cuerpos de toda fuerza normativizadora.

Aina Mestre (Aitona, 2000) es una artista multidisciplinar, licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Su trabajo se centra en las políticas multifacéticas de la mirada a través de una práctica performativa. En particular, se interesa por las transformaciones corporales, sensoriales, semióticas y materiales que suceden cuando la vista pierde el protagonismo y deja de concebirse como la única fuente de disfrute estético. La investigación de otros procesos de creación bajo esta conjetura implica que tanto la artista como el público interactúen con la obra corpóreamente y mediante el uso de otras percepciones o sentidos.

Con la colaboración de ONCE Lleida

Actividad vinculada a la exposición «Ecologías queer. Aberraciones naturalmente subversivas», a cargo de Christian Alonso. Centre d’Art La Panera, 28 de octubre de 2023 - 28 de enero de 2024. Espai 0.

Conversa/taller dirigido a personas involucradas en procesos de crianza y/o con hijxs en cuya fecundación ha intervenido material genético de donantes.

Dos sesiones. Primera sesión: sábado 13 de enero de 2024, 11 h. Segunda sesión: sábado 20 de enero de 2024, 11 h.

Gratuito con inscripción previa: infolapanera@paeria.cat.

Si en la concepción de tu hijx ha intervenido material genético de donantes, ¿cómo has pensado explicarle su historia?, ¿con qué palabras?, ¿en qué momento?, ¿con qué imágenes?, ¿con qué materiales? Y, fuera de vuestro núcleo, en la escuela, por ejemplo, ¿cómo lo explicas? ¿O prefieres que sea una historia discreta entre vosotros? ¿Cómo explicas el rol del vínculo genético? ¿Qué diferentes espectros lingüísticos, relacionales o legales estáis habitando? ¿Y cuáles os gustaría construir?

«Las comunidades de hielo» se plantea como un encuentro/conversación/taller dirigido a personas involucradas en procesos de crianza y/o con hijxs en cuya fecundación ha intervenido material genético de donantes (óvulo, esperma o embrión), ya sea a través de clínicas, ya sea con otros medios autogestionados. El taller propone analizar los cuentos infantiles existentes que tratan estas cuestiones para hacernos preguntas complejas e imaginar, si es preciso, otras historias posibles.

Habrá un espacio para les niñes cuidado por miniPanera.

«Las comunidades de hielo» es un espacio respetuoso con la intimidad de cada persona.

Las comunidades de hielo es un espacio convocado por Ona Bros como parte del proyecto de investigación artística BetaBlastoCuir, iniciado a raíz de su propia experiencia gestacional.

Ona Bros (la Fuliola, 1977) es una artista e investigadora que entiende las imágenes como catalizadores de complejidades semiótico-técnico-materiales. Trabaja desde una práctica situada, una manera de habitar queer y una sensibilidad transfeminista. Mediante la fotografía, el vídeo, la escritura y las artes en vivo, el artista relaciona conocimientos distantes e interroga el tabú en busca de narrativas que fracturan el presente. Partiendo de una experiencia gestacional no genéticamente vinculante, investiga los discursos alrededor de la ciencia genética en el context de los biomercados globales de la reproducción asistida. Bros está licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona (UB), graduada en Fotografía por la Universidad Politécnica de Cataluña i máster en Producción e Investigación Artística por la UB. Su trabajo se ha mostrado en Noguereas Blanchard, La Casa Encendida, Sociología Ordinaria (Museo Reina Sofía), el Dutch Art Institute d’Arnhem, el Hemispheric Institute of Performance and Politics de Nueva York, Hangar, Hamaca, La Caldera o el MACBA. Es cofundadora de los proyectos colectivos Institut d’Estudis del Porno (IEP) y FUGA (plataforma cooperativa de investigación alrededor de las imágenes). Página web: http://ona-bros.net/.

Actividad vinculada a la exposición «Ecologías queer. Aberraciones naturalmente subversivas», a cargo de Christian Alonso. Centre d’Art La Panera, 28 de octubre de 2023 - 28 de enero de 2024. Espai 0.

Proyectos ganadores de la convocatoria «Beques Art i Natura 2023», una colaboración entre el Centre d’Art La Panera y el Centre d’Art i Natura de Farrera.

Miércoles 13 de diciembre, 18 h.

«Roseta» es un proyecto de investigación y producción artística liderado por Neus Solà y Marta Garcia Cardellach. El proyecto rastrea, analiza y pone en valor la práctica y la política de las trementinaires, un grupo de mujeres trabajadoras de los siglos xix y xx que recogían plantas y vendían remedios medicinales que ellas mismas elaboraban por todo el Pirineo catalán. El proyecto propone recorrer a pie los itinerarios que estas mujeres trazaban para vender las hierbas medicinales, y recoger, reinterpretar y difundir la memoria del universo trementinaire a través de ejercicios de mediación y fotografía expandida. Prestando atención a testimonios, objetos, leyendas, etc., «Roseta» nos invita a acercarnos al universo de la remediadora ambulante y a revelar unas vidas y unos conocimientos donde se mezclan la historia natural, la agencia femenina y los cuidados.

«Porfídia i Arreglos» es un proyecto de investigación y producción artística de Elsa Casanova Sampé. El proyecto, situado en el Pirineo, analiza y subvierte los imaginarios ético-políticos de la práctica de la caza. La investigación pretende examinar las estrategias de autorrepresentación de los cazadores tanto en el espacio natural como en el doméstico y deconstruir su visualidad, estética, gestualidad y lenguaje performativo. El objetivo es poner de manifiesto la tensiones que se esconden detrás de esta práctica y revisar el marco estructural dualista y jerárquico que favorece que la dominación y la explotación de lo que se considera natural y salvaje estén legitimadas.

Neus Solà (1984) es una fotógrafa documental y gestora cultural de Barcelona. Es licenciada en Humanidades por la Universidad Pompeu Fabra y tiene estudios en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, e hizo un máster en Antropología Visual i un posgrado en Gestión Cultural en la Universidad de Barcelona. Es cofundadora de aladeriva Lab, desde donde ha coordinado las dos últimas ediciones del Festival de Fotografia Transfronterera FotoLimo y ha facilitado proyectos de fotografía participativa. Interesada en explorar la condición humana, su obra incluye proyectos fotográficos que tratan temas de identidad, género y territorio desde un enfoque antropológico y entre los que destaca la serie «Poupées» —sobre la condición femenina gitana de "La Cité" de Perpiñán— y «Nirvan», sobre el imaginario sagrado de la comunidad hijra —identificada como tercer género— de la India. Su obra ha sido expuesta y reconocida en el ámbito nacional e internacional, por ejemplo, con la Beca Nuevos Talentos de Gijón 2017, el Prix HSBC pour la Photographie 2019, el International Woman Photographers Award 2017 o el Premi de Fotografia Menorca Doc Fest 2019.

Marta Garcia Cardellach (1989) es fotógrafa, licenciada en Humanidades por la Universitat Oberta de Catalunya y posgraduada en Fotografía Participativa y Terapéutica en el Instituto 8. Refuerza su formación en el Centro del Patrimonio Fotográfico de Santiago de Chile y en el Centre de l’Art et de la Photographie de Lectoure (Francia). Especializada en fotografía de artes escénicas, ha expuesto en el ámbito nacional e internacional en países como França, Chile y Argentina. Ha trabajado para la fundación Photographic Social Vision, ha creado el colectivo Construïm Mirades con Oriol Segon y Xènia Gasull, y ha hecho talleres de fotografía para personas refugiadas en Suecia y Alemania. Ha sido galardonada con los Premis Lacetània de les Arts i la Cultura, el primer premio en el festival de arte joven Besmina Barcelona y finalista del concurso fotográfico “Mirades amb veu” de Metges del Món Catalunya. Algunos de sus proyectos destacados son «Simulacre d’un llegat» (Nilak Circ Teatre Itinerant) y «Ritus de pas» (TerrassaCrea), y colabora con el proyecto «Moriu-vos» del colectivo Cultura i Conflicte. Reflexiona sobre el papel de la imagen en la construcción de la identidad humana dentro de la cultura visual del siglo xxi y la posibilidad de una mirada sostenible.

Elsa Casanova Sampé (Barcelona, 1994) es una diseñadora e investigadora que utiliza la producción visual, el hackeo de objetos y la performance como principales herramientas de investigación y producción. Su metodología de trabajo se centra en la deconstrucción de códigos, imágenes y gestos que crean ciertos imaginarios y sus respectivas simbologías, y pone un énfasis especial en la apropiación estética y la instrumentalización política de las temáticas que investiga y en como estas legitiman ciertas formas de violencia. Con formación académica en diseño industrial, hizo el máster en Artes y Diseño GEO-Design en la Design Academy Eindhoven (2022) y el posgrado en Ciencias Políticas en la Universidad Autónoma de Barcelona (2019). Recientemente ha sido beneficiaria de las becas Art i Natura (2023) con un proyecto que analiza y subvierte los imaginarios ético-políticos de la práctica de la caza.

Fotografía de «Roseta»: Dolors Parramòn i Mercè Pla. Arxiu Museu de les Trementinaires. Década de los años veinte del siglo xx.

Imagen de «Porfídia i Arreglos»: Elsa Casanova Sampé.

Actividad vinculada a la exposición «Ecologías queer. Aberraciones naturalmente subversivas», a cargo de Christian Alonso. Centre d’Art La Panera, 28 de octubre de 2023 - 28 de enero de 2024. Espai 0.

12h

Conversación con Joan Sureda, catedrático emérito de historia del arte de la Universidad de Barcelona. Sábado 9 de septiembre, 12:00h. Centre de Documentació, Centre d’Art La Panera. Modera: Christian Alonso, comisario de la exposición «Marc Herrero. La terribilidad de la carne».

El Juicio final es una pintura al fresco llevada a cabo por Miguel Ángel en la Capilla Sixtina (1536-1541). Representa el final de los tiempos según la doctrina cristiana, cuando las personas son convocadas a rendir cuentas de sus acciones ante Jesucristo, que las aprueba o las penaliza. La composición se organiza en tres franjas: la central incluye a Cristo juez, la Virgen María, los apóstoles, santos y mártires; la superior, los ángeles con los símbolos de la pasión; la inferior, la lucha de los salvados y condenados.

Aparte del uso de los colores ácidos, lo que resulta inquietante del fresco son las gestualidades, las posturas, las proporciones y la musculatura de los cuerpos. El desnudo simboliza la rendición del cuerpo el día del juicio, y responde al deseo de recuperar la cultura clásica en la Italia del siglo xvi. Las volumetrías, las torsiones y las estilizaciones obedecen al nuevo canon manierista, que rechaza la rigidez renacentista y apuesta por un arte sensual y expresivo, basado en una nueva categoría estética: la gracia. La tensión, la angustia y la furia de sus corporalidades expresan el susto del juicio e ilustran el temperamento de Miguel Ángel, lo que los historiadores han definido como la «terribilidad».

Con «La terribilidad de la carne», el artista Marc Herrero traslada la iconografía del Juicio final de Miguel Ángel a nuestro mundo contemporáneo, y la reinterpreta en relación con la situación actual de colapso ecológico. En su investigación visual, basada en el dibujo con grafito y rotuladores, la doctrina bíblica apocalíptica queda sustituida por una cosmología biocentrada. Agrupadas en ámbitos temáticos, las imágenes de Herrero reformulan la filosofía religiosa animal, las prácticas de taxidermia, las dinámicas de productividad, los fenómenos de las mutaciones y el deseo humano de dominar el mundo.

Joan Sureda hablará de la continuidad de los modelos estéticos del artista renacentista Miguel Ángel en la cultura visual contemporánea.

Joan Sureda es catedrático de historia del arte de la Universidad de Barcelona (1990-2019), y catedrático emérito desde 2019. Con anterioridad, fue catedrático de la Universidad del País Vasco (1975-1978), de la Universidad Hispalense de Sevilla (1978-1982) y de la Universidad Complutense de Madrid (1982-1990). Ha sido director del Museu Nacional d’Art de Catalunya de Barcelona (1986-1991) e investigador principal (IP) de los proyectos de investigación e innovación ACAF/ART (2006-20018). Es académico de la Academia Europaea, Section Musicology & History of Art & Architecture, desde 2013.

Actividad vinculada a la exposición «La terribilidad de la carne», del artista Marc Herrero, comisariada por Christian Alonso (17 de junio – 1 de octubre de 2023).

12 h

Mesa redonda con Marta Piñol (historiadora del arte), Paco Chanivet y Marc Herrero (artista). Sábado 30 de septiembre, 12 h. Centre de Documentació, Centre d’Art La Panera. Modera: Christian Alonso, comisario de la exposición «Marc Herrero. La terribilidad de la carne».

Los humanos viven hoy atravesados por la condición poshumana. Los desarrollos científicos y tecnológicos han transformado profundamente los seres vivos, humanos y no humanos, hasta el punto de que desdibujan los dualismos tradicionalmente antagónicos entre naturaleza y cultura. El capitalismo global y sus tecnologías biogenéticas atrapan a todas las especies, se las apropian, se les extrae el valor y se comercializan. Los animales se han convertido en objetos de control, experimentación y recombinación.

Los cerdos, del mismo modo que las vacas, las cabras, las ovejas o las gallinas, son «producidos» industrialmente en granjas de ganadería intensiva, y generan enfermedades como el síndrome de inflamación y necrosis porcina. Los cerdos son modificados genéticamente para producir órganos trasplantables a los humanos; la carne está siendo cultivada en laboratorios a partir de células animales.

Al no distinguir entre especies, familias y géneros, las biotecnologías generan una forma de posantropocentrismo. Humanos y no humanos (animales, plantas, máquinas) se acercan, y están igual de expuestos a la explotación y acumulación capitalistas. La oveja Dolly es el primer mamífero que ha sido clonado desde una célula adulta somática. El oncorratón es el primer ratón patentado y modificado genéticamente para contraer cáncer, y se utiliza para la investigación oncológica. Son criaturas híbridas e inmanentes; mezclas heterogéneas de naturaleza y cultura que transforman nuestros hábitos de pensamiento.

Son criaturas xenomórficas (del griego xeno, ‘ajeno o extraño’, y morpho, ‘forma’). En esta mesa redonda se hablará sobre cómo el cine, la escultura y el dibujo ha alimentado la imaginación xenomórfica.

Marta Piñol es profesora en la Universidad de Barcelona. También ha impartido clases en la UOC, en la UIC y en ESCAC, de Historia del Cine, Historia y Teoría de la Fotografía, Cine Documental o Dirección Artística. Cursó la licenciatura de Historia del Arte, el máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte y el doctorado en la UB, y obtuvo en los tres casos premio extraordinario. Su tesis ganó el Premi Claustre de Doctors de la UB. Es autora de los libros Miradas ascéticas. Poéticas del distanciamiento en el cine moderno y contemporáneo (Shangrila, 2022), Europa como refugio. Reflejos fílmicos de los diversos exilios españoles (1939-2016) (Edicions UB, 2020) y Con las maletas en otra parte. La emigración española hacia Europa en el cine (Sans Soleil Ediciones, 2020), y ha editado y traducido múltiples obras.

Paco Chanivet es licenciado en Bellas Artes, con estudios en antropología social y cultural, así como en dirección y guion cinematográfico. Vive y trabaja en Barcelona. Algunas de sus aportaciones en el ámbito artístico nacional han sido para «Ne travaillez jamais» (ADN Platform, ADN Galería), «Siga los rastros como si fuera miope» (Arts Santa Mònica), «Alegorías de lo cotidiano» (C. C. Las Cigarreras), «No es lo que aparece» (Premi Miquel Casablancas, Fabra i Coats), «SSSSSSSilex» (La Capella – BCN Producció), «Ante el tiempo» (Iniciarte, Sala Santa Inés), «Produir, Produir, Produï(t)» (LOOP Festival), «La Plaza Synthetika» (Matadero Madrid), Festival D’A (CCCB), «Interregno» (Espai 13 de la Fundació Miró), «La gran conspiración» (Real Academia de España en Roma), así como para el C3A y la Biennal d’Art Ciutat d’Amposta.

Actividad vinculada a la exposición «La terribilidad de la carne», del artista Marc Herrero, comisariada por Christian Alonso (17 de junio – 1 de octubre de 2023).

11h

Taller de dibujo experimental sobre creación de nuevas especies
A cargo de Marc Herrero.

Centre de Documentació, La Panera.
Coordinat per Helena Ayuso.
Activitat familiar.

El artista Marc Herrero propondrá a los participantes del taller la creación de un imaginario ecológico multiespecies a través del dibujo y el collage. Partiendo de la ficción de una situación apocalíptica, se propone crear un compendio de animales fabulados, monstruos imaginarios y bestias fantásticas.

Actividad vinculada a la exposición individual de Marc Herrero «La terribilidad de la carne», donde el artista traslada la iconografía del Juicio final de Miguel Ángel a nuestro mundo contemporáneo, y la reinterpreta en relación con la situación actual de colapso ecológico. En su investigación visual, basada en el dibujo con grafito y rotuladores, la doctrina bíblica apocalíptica queda sustituida por una cosmología biocentrada. Agrupadas en ámbitos temáticos, las imágenes de Herrero reformulan la filosofía religiosa animal, las prácticas de taxidermia, las dinámicas de productividad, los fenómenos de las mutaciones y el deseo humano de dominar el mundo.

«La terribilidad de la carne» es una exposición del artista Marc Herrero comisariada por Christian Alonso (17 de junio – 1 de octubre de 2023).

17.45h