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Exposiciones

HEY WE ARE

Geometría, color y tipografía directos. Así podríamos definir a Hey, un estudio creativo con sede en Barcelona, desde 2007, con Verónica Fuerte al frente. Trabaja mayoritariamente en proyectos de diseño gráfico, ilustración y tipografía, teniendo en cuenta todos los procesos del diseño y evolucionando y adaptándose continuamente para hallar nuevas ideas.

HEY WE ARE

Línies vermelles. La censura en la colección de Tatxo Benet

La exposición de una selección de las piezas de la colección Censored, de Tatxo Benet, en el Centre d’Art la Panera pretende no solo incidir en la visualización de las atrocidades que, por motivos distintos, se han ocultado en diferentes puntos del mundo, sino visualizar, a modo de reto, la propia censura en tanto que atrocidad. Más que un fantasma procedente de los antiguos regímenes totalitarios o de la remota Santa Inquisición, la complejidad que presenta la censura en las sociedades contemporáneas hace necesario afinar en la comprensión de su multiplicación de caras.

Abel Azcona / Amina Benbouchta / Jordi Benito / Clemente Bernad / Zoulikha Bouabdellah / David Černý / Fabián Cháirez / Colectivo Mujeres Públicas / Charo Corrales / Zehra Doğan / Ines Doujak / Mounir Fatmi / León Ferrari / Joan Fontcuberta / Daniel García Andújar / Núria Güell / Levi Orta / Jani Leinonen / Natalia LL (Natalia Lach-Lachowicz) / Robert Mapplethorpe / Eugenio Merino / Marta Minujín / Antoni Muntadas / Yoshua Okón / Pablo Picasso / Oliver Ressler / Larissa Sansour / Kim Seo-kyung i Kim Eun-sung / Andrés Serrano / Santiago Sierra / Antoni Tàpies / Ai Weiwei i David Wojnarowicz

Una producción del Centre d'Art la Panera y Censored, con la colaboración del Museu de Lleida.

Línies vermelles. La censura en la colección de Tatxo Benet

Entre las páginas se escurre el tiempo

El tiempo es uno de mis intereses como artista y, al pensar la selección de libros para esta exposición, he querido buscar publicaciones que, para mí, tuvieran una relación con este concepto desde múltiples perspectivas. ¿Cómo envejecen los libros o los proyectos? ¿Cómo atraviesa el tiempo las páginas de los libros o queda detenido, representado, en ellas? ¿Cómo se hace el tiempo en palabras, imágenes, papeles? La selección podría ser muy amplia, ya que todo libro (entre las muchas definiciones de libro) no deja de ser, esencialmente, un contenedor de tiempo. La publicación más antigua del Fondo de ediciones especiales y libros de artista de la Panera (hablo de la fecha de publicación, no de incorporación) es la CAPS.A. (núm. 2), de 1982, con obras de Lola Albarracín, JM Calleja, Jordi Cuyàs y Jaume Simón, y la más reciente, The quick brown fox jumps over the lazy dog, de Ferran elOtro, de 2020. Pero no hablaré de ellos.
 
Me resulta muy interesante lo que pasa cuando tenemos un libro en las manos. Es como sostener un fósil: el tiempo del pasado se actualiza en el presente. El tiempo de una cosa pasada (un proyecto, una imagen, un texto que quedaron encapsulados en una determinada forma) se hace de golpe presente  en tu presente. Un trozo de (otro) tiempo que se mete en tu tiempo  te suspende, crea un espacio en el que puedes sentir que hay otro tiempo que sigue delante de ti, pero tú, en este momento, eliges no seguir su curso; estás en otro tiempo.

Exposición en linea #12

Forever, Dora García

247 mois / 247 jours, On Kawara

White Pages, Ignasi Aballí

Almost There, Aleix Plademunt

Escanografías, June Crespo

Rendición de la hora, Isidoro Valcárcel Medina

Equation of Time, Serafín Álvarez

Pronóstico del tiempo para el 20 de febrero de los próximos 100 años, Daniel Jacoby

Agenda de caducidad de los tiempos drásticos, Javier Peñafiel

En el fondo nada ha cambiado, Martín Vitaliti

Goodbye, Oriol Vilanova

Entre las páginas se escurre el tiempo

Reirse de uno mismo

Desde el Centre de Documentació de la Panera se lleva a cabo un proyecto expositivo que se puede ver exclusivamente a través de la red y que, este año 2020, irá a cargo de Javier Martín-Jiménez, comisario de exposiciones y gestor cultural. Se trata de una iniciativa que permite activar y difundir el fondo de ediciones especiales y publicaciones de artista de que dispone la Panera.


«Reírse de uno mismo» es un breve repaso a las publicaciones de artistas y comisarios que utilizan el lenguaje habitual de trabajo para hacer una crítica, entre otras cosas, a la estructura del mundo del arte, a la función del artista, a la mistificación del arte, al valor de las obras o al poder de las instituciones. En resumen, reírse del mundo del arte del que son partícipes y cómplices.


En 2004, coincidiendo con la 4a Biennal d’Art Leandre Cristòfol, se decidió incluir por primera vez las publicaciones de artistas en la Biennal. A partir de entonces, podemos decir que empezó a reunirse el fondo de las publicaciones. Aunque a menudo se las ha considerado material secundario, en ocasiones han sido el embrión de muchas propuestas creativas.

Muchas veces, estos materiales quedan en un segundo plano, como complemento de otras exposiciones. En la Panera, lo que hemos intentado es que no sean un complemento, sino el plato principal.
Se trazaron unas líneas temporales y geográficas que son las que se mantienen aún hoy, y que han marcado y marcan el futuro de la colección. Se trata de documentación impresa realizada por artistas en el contexto catalán y español, desde comienzos de los años noventa hasta hoy, a parte de una inclinación hacia lo que podríamos llamar repertorios y proyectos, que se pueden agrupar dentro de colecciones o conjuntos. Colecciones de una misma editorial o conjuntos de publicaciones que se agrupan dentro de un mismo formato, como por ejemplo postales, adhesivos, juegos de cartas, etc.

Dada la dimensión que está adquiriendo el fondo de ediciones especiales del Centre, utilizamos este formato expositivo para darlo a conocer. Y, para ello, ofrecemos a distintos comisarios externos la posibilidad de trabajar sobre el fondo de publicaciones, de hacer una selección de este y presentar, mediante sus palabras, el proyecto que han decidido llevar a cabo. Con este programa expositivo, queremos difundir un aspecto de la creación contemporánea que a menudo es visto como algo marginal, a pesar de que hoy demuestra una efervescencia creativa muy significativa.

Exposición en línea #11

Reirse de uno mismo

SERGIO PREGO. OLA

GAMBOA: La brutalidad sirve como fluido que contiene las vidas de billones que se hunden en el fondo como la basura sedimentaria de las economías interdependientes.

Entrevista con Gronk y Gamboa de Asco, Chismearte (otoño 1976)

 

Echando la vista atrás, se puede apreciar, a lo largo de la trayectoria de Sergio Prego (San Sebastián, 1969), una experimentación consistente en torno a la experiencia espacial desde una práctica escultórica, en la que lo arquitectónico y lo performativo ocupan un lugar central. De hecho, la preocupación por la problemática del espacio y un entendimiento de la performatividad como lógica intrínseca a la producción del sentido de la obra son compartidas por la generación y el contexto de los que Sergio Prego parte, formado en torno a los talleres experimentales de Arteleku en la década de los noventa, y son vectores presentes en su trabajo, desde sus primeras obras —en las que incide en el equilibrio espacio-temporal mediante el uso de dispositivos audiovisuales o en las que recorre diferentes estructuras arquitectónicas, por ejemplo— hasta proyectos como este, Ola.

Tras su paso por el estudio de arquitectura de Vito Acconci, Prego empieza a experimentar con arquitecturas neumáticas. Los experimentos con inflables surgen en el clima contracultural de finales de la década de los sesenta, como una reacción desde lo material al consumismo y al crecimiento exponencial de la construcción urbana de aquel momento. Artistas y arquitectos como Ant Farm, Archigram, José Miguel de Prada Poole o Dan Graham, por citar algunos, empiezan a armar arquitecturas ligeras y baratas, fáciles de montar y desmontar, y de formas impredecibles a partir de materiales mínimos, como son el plástico, las barras y los tensores, y el aire propulsado por ventiladores. Prego apunta que lo importante de estos ejercicios no reside en la forma, sino en la experiencia que inauguran: la arquitectura se sintetiza en un juego de tensión depurado, que permite a las personas tumbarse, acostarse o disponerse de múltiples y variadas formas sobre las superficies de plástico infladas. A su vez, los cuerpos atraviesan, literalmente, la estructura y modifican a su paso su forma. Se trata de un ejercicio espacial complejo —que invoca cuestiones táctiles, visuales, respiratorias, entre otras— a la par que simple, que Prego traslada al gesto escultórico en instalaciones como las realizadas en el CA2M-Centro de Arte Dos de Mayo (Highrise, 2017), el Casal Solleric (Cowboys, 2019) o, más recientemente, en la Graham Foundation de Chicago, en diálogo con la arquitectura vertida de Miguel Fisac (Poured Architecture, 2020). Un gesto, en todos los casos, más cercano a la genealogía del uso de los inflables por parte de artistas que por parte de arquitectos, en el que predomina una metodología mínima y espontánea frente a una aplicación sistematizada.

La referencia de la instalación específica que Sergio Prego ha construido para el Centre d’Art la Panera viene, sin embargo, de la imagen de la acción Skyscraper Skin, realizada, en 1980, por el colectivo de artistas chicanos Asco, activo en Los Ángeles entre 1972 y 1987. En ella, se ve a dos personas estirando una banda de plástico transparente en medio de un cruce de calles vacío entre rascacielos. La fotografía corresponde a una serie de acciones que el colectivo realizó en torno al cambio de década, tomando el centro de la ciudad vaciada como telón de fondo, sobre el que representar la distopía urbana de gentrificación y arquitectura vertical que se estaba viviendo. El plástico, inflado y curvado por la resistencia del aire al gesto de estirar, pareciera haberse caído del edificio que se eleva detrás, como si de una muda de serpiente se tratara; la piel es tan ligera y transparente que el borde inferior ni siquiera se detecta y se funde con las líneas de tráfico pintadas en el asfalto. Si nos fijamos bien, observaremos que las dos figuras de la foto llevan mascarillas, como si se protegieran de la toxicidad del material que manipulan o del aire que respiran en ese ambiente. Tal vez, esa piel plástica sea más bien un profiláctico frente a la brutalidad de la que hablan los miembros del colectivo, que reduce la vida de ciertas personas a residuos, una materialidad de la que participa el propio plástico usado.

En Ola, el gesto es igualmente liviano y mínimo en apariencia. Como una vela inflada, el aire dibuja una curva vertical de techo a suelo y una curva longitudinal que abraza las columnas de la sala. De manera similar a la imagen de Asco, el artista ha buscado depurar al máximo el dispositivo de la instalación, usando el mínimo material necesario. Debido a la consistencia del plástico, la transparencia de la instalación varía según la perspectiva desde la que la observemos —translúcida cuando se mira de frente, opaca si la miramos en diagonal—, y nos hace conscientes de la posición desde la que miramos, así como de la resistencia del material a nuestra mirada y a nuestra penetración.

SERGIO PREGO. OLA

ALEX REYNOLDS. THE PULSE OF THE HOUSE BEAT SOFTLY

Un día alguien nos descubre una peca en una parte del cuerpo que no veíamos. Desde fuera alcanza a ver algo que había permanecido hasta entonces desconocido, pese a haber estado siempre ahí, formando parte de nuestra piel. De repente, el cuerpo, el nuestro, se nos hace extraño.

Tomando este gesto como punto de partida —señalar desde afuera lo que desde dentro permanece incógnito—, la exposición propone abordar la obra de Alex Reynolds en su capacidad de revelar los puntos ciegos de lo que sentimos como propio y de colocarnos ante una repentina pérdida de familiaridad de lo que llamamos sin dudar «casa», lo que hasta hace un momento nos hacía sentir a salvo. Al movernos el suelo del hogar se genera una ocasión para revisitarlo, como si entrásemos en él por primera vez, y repensar las estructuras que habitamos.

Esto no solo se aplica al cuerpo, sino que puede suceder también respecto a los espacios; puede experimentarse frente a las formas de construir un relato y, mucho más en general, es trasladable a las formas de pensar, de relacionarnos y de vivir. El aparato legal, por ejemplo, una institución que supuestamente nos ampara, es el objeto de su última película, y en ella la ley aparece más intimidatoria que protectora.

El cine, como lenguaje en el que convergen casi todas estas capas —el cuerpo, los afectos, los cánones narrativos, así como las ficciones, los imaginarios y los códigos que rigen nuestras maneras de relacionarnos y de ordenar el mundo—, es la herramienta privilegiada de la que se sirve la artista para inducir esta forma de extrañamiento respecto al hábito.

Aceptar mirarse desde fuera, o salir a negociar las percepciones y construcciones propias con criterios ajenos, es una forma de hacerse poroso que no está exenta de cierta sensación de fragilidad. A veces, como espectadores, perdemos la confortabilidad. Pero pese a su momentánea dureza, el trabajo de la artista es más bien un ejercicio de confianza en la posibilidad de inventar otras maneras de vivir y convivir en otros tipos de casa.

El título es una cita de «A haunted house» (‘Una casa encantada’), un relato breve de Virginia Woolf escrito en 1944. En castellano se traduciría como «“A salvo, a salvo, a salvo”, el pulso de la casa latía suavemente».

 

ALEX REYNOLDS. THE PULSE OF THE HOUSE BEAT SOFTLY

DEMOCRACIA. DAMUNT D'AQUEST CAOS CONSTRUIRÉ LA MEVA CASA

Una producción del Centre d’Art la Panera, con la colaboración de la Fundación Santander.

MiniPanera es un espacio expositivo que nace en 2011, con el objetivo de identificar la cultura contemporánea como una experiencia artística y cotidiana para los más pequeños. Este espacio cuenta con una programación expositiva propia que está vinculada a las muestras y a los proyectos educativos de la Panera.

A su vez, miniPanera es un espacio de diálogo, donde se presentan trabajos de artistas multidisciplinares, desde el mundo del diseño, la ilustración, el dibujo, la música, la tipografía o la fotografía. Estas propuestas se acompañan de una selección de publicaciones, que ofrecen herramientas para descifrar propuestas artísticas y crear nuevas conexiones entre arte, cultura y sociedad. Son publicaciones pensadas para el público infantil, que contienen discursos creados con lenguajes y técnicas artísticas muy variados. Son conocidos como libros pop-up (tridimensionales), libros desplegables, libros táctiles, libros mapa, libros juego o libros objeto, todos ellos con infinitas posibilidades.

Las exposiciones son propuestas transformadoras con elementos manipulables, que invitan a participar, sentir, observar, investigar, descubrir, intervenir y experimentar. En definitiva, para un niño o una niña, a jugar. Este juego vinculado con las artes genera múltiples ideas e interpretaciones con significados varios, que permiten descubrir nuevos lenguajes que potencian la imaginación y generan nuevos conocimientos.

En el espacio miniPanera, los más pequeños, con su curiosidad innata, observan, preguntan, crean, tocan, componen, construyen y aprenden. Estas propuestas educativas se enriquecen con un programa de actividades que ofrece visitas dinamizadas al público familiar, talleres de artista donde conocer, aprender y experimentar con nuevas técnicas, o gozar en familia.

Sobre este caos construiré mi casa es un juego de construcción infantil hecho con trozos de madera, que al mismo tiempo son tampones de impresión. Para la creación de los tampones, se ha desarrollado una especie de «alfabeto visual» de pictogramas aludiendo a imágenes de liberación o dominación en la sociedad contemporánea. Símbolos e iconos que, para los niños, siguen siendo formas elementales o abstractas para jugar, aunque, para la mirada adulta, las posibles asociaciones entre estos pictogramas pueden comportar lecturas cargadas de significación política. El resultado final del juego pone en tensión la visión del adulto y el juego libre de los más pequeños.

DEMOCRACIA. DAMUNT D'AQUEST CAOS CONSTRUIRÉ LA MEVA CASA

941444 (BIEL BOOKS)

Biel Books es una plataforma editorial a pequeña escala fundada por el artista Gabriel Pericàs, en 2013. Funciona como extensión de su práctica en el ámbito editorial, la investigación de objetos y narraciones en colaboración con compañeros artistas. Biel Books publica proyectos de arte específicos de libros de artistas españoles e internacionales.

Hasta ahora, tiene siete publicaciones de artistas como Antonio Ortega, David Bestué, Alex Reynolds, Mirari Echavarri, Gabriel Pericàs, Algirdas Seskus y Patricia Esquivias.

Se trata de proyectos que, a menudo, son de colaboración entre creadores, lo que permite establecer redes de intercambio y puntos de encuentro, trazar puentes entre generaciones y generar proyectos singulares.

El Centre de Documentació presenta este tipo de exposiciones con el objetivo de reflexionar acerca de la edición especial y los libros de artista, y por eso les dedica un espacio permanente.

Son muestras que giran en torno a artistas que utilizan el soporte de la publicación para su trabajo o bien a editoriales que publican este tipo de ediciones.

Hablamos de exposiciones de ediciones especiales, libros de artista, editoriales independientes, proyectos de autoedición, ediciones limitadas o ilimitadas, publicaciones artísticas, revistas objeto, etc. Y todas, con unas opciones técnicas que pueden alcanzar desde el objeto único hecho a mano hasta la publicación digital que permite una difusión máxima de este

941444 (BIEL BOOKS)

ITZIAR OKARIZ. RESPIRACIÓN Y OTROS SONIDOS

La expresión más in/significante del signo

La voz de Itziar Okariz y de sus colaboradores invade la planta baja de La Panera. El grano de la voz, tomando prestada la expresión de Roland Barthes, es el encargado de cosificar la invisibilidad de aquellos que habitan la muestra «Respiración y otros sonidos», quien traduce la imagen mental de la palabra a su representación sonora. La artista, que se resiste a la normativización y a las convenciones propias del lenguaje, experimenta con su desarticulación en busca de unidades de significación mínimas: sonidos, palabras, gritos, gestos, están aislados, descentrados, fragmentados, amplificados y repetidos, una vez, y otra, y otra, y otra.

Pero la repetición nunca sucede del mismo modo. Aunque quizás aparentemente no modifique nada en el objeto que se repite, sí lo hace en quien la contempla, y no solo porque la espera del elemento repetido suponga una anticipación de ese que previamente ya se ha retenido en la memoria, sino sobre todo porque —como dice Gilles Deleuze en su ensayo Diferencia y repetición— «el modo como la sensación, la percepción, pero también la necesidad y la herencia, el aprendizaje y el instinto, la inteligencia y la memoria participan de la repetición se mide en cada caso por la combinación de formas de repetición, por los niveles en los que se elaboran estas combinaciones, por la puesta en relación de estos niveles...». Cada una de las repeticiones ocurre en unas circunstancias y en un tiempo específicos que la hacen necesariamente única (e irrepetible). Cada nueva reproducción cede el espacio a la posibilidad de ser recibida por el visitante de un modo diferenciado, y de ser dotada así de nuevas significaciones. 

La exposición se abre en un estado de latencia en el que aparentemente nada sucede y al mismo tiempo todo está por suceder. Dos altavoces y una imagen congelada acechan silentes sendos momentos de activación. Por un lado, el registro de la performance Contrarywise (2010), donde Itziar Okariz estudia las posibilidades comunicativas que le ofrecen los adverbios de afirmación y de negación, y entra en diálogo con ella misma gracias al efecto espejo que le proporciona un dispositivo electrónico que le devuelve su propia voz con un retraso variable. Los giros imprevisibles que se producen en este desdoblamiento, tanto con respecto a la alternancia ritmada entre los síes y los noes como con respecto a la gradación de entonaciones, hacen evolucionar la conversación de la convicción a la duda, de la conformidad a la discusión. En la misma línea de investigación se sitúa IrrintziRepetición (2007), el documento videográfico de una acción que la artista realizó a puerta cerrada en los espacios del Museo Guggenheim de Bilbao. El irrintzi es una forma de lenguaje primigenia de la tradición vasca mediante la cual los pastores se comunicaban entre los valles gracias a la reverberación que les proporcionaban las montañas, y que con el tiempo se ha convertido en un símbolo identitario de celebración de la cultura vasca, e incluso en una herramienta de reivindicación política. Un grito ancestral que la artista ha puesto a prueba en múltiples ocasiones. En el espacio de La Panera, y con una frecuencia establecida, los irrintzis de Okariz irrumpen sin previo aviso y resuenan por todas partes, hasta el punto de cortocircuitar por unos instantes las demás intervenciones de la exposición. 

La performance ha sido transferida al espacio expositivo mediante una instalación que disocia la imagen del sonido. Este es un recurso en el que la artista está profundizando en sus trabajos más recientes, por ejemplo en Las estatuas (2018), que es una colección abierta de grabaciones de las conversaciones que mantiene con objetos inanimados como La musa de Brancusi, en el Guggenheim de Nueva York, o un atleta griego y un relicario del siglo XVI, en el Metropolitan. En ellas, la acción es grabada por la cámara de un móvil en la que se filtra el sonido ambiental del museo, pero no alcanza a capturar la voz de la artista. En este trabajo la narración se construye a partir de las ausencias que se generan por el desconocimiento de los contenidos de estas «conversaciones» (unilaterales) de las que solo percibimos el rastro. La propuesta pone en cuestión los estándares del acto comunicativo, de la misma manera que las acciones de Mear en espacios públicos y privados o Trepar edificios públicos supusieron un desafío a las normativas de comportamiento establecidas en estos espacios.  

La relación de seducción entre la cámara y la experiencia física de acciones más o menos comunes, como hablar, saltar o bailar, han estado presentes a lo largo de toda su carrera. En Un, dos, tres, pajarito inglés (2018), el acto consciente de respirar unido a la práctica de la congelación del movimiento propia de este juego infantil vertebra la propuesta. Imagen y sonido son de nuevo discriminados. Siete altavoces antropomorfos reproducen de forma casi escultórica el ejercicio de figuración sonora de un tipo de respiración de yoga llamada Ujjayi o respiración oceánica, que, como su nombre apunta, recuerda el rumor de las olas del mar. De acuerdo con las indicaciones de la artista, los intérpretes de este coro de respiraciones detenían su acción cuando la cámara los enfocaba. El tratamiento fragmentado y reiterado de la imagen azarosa registrada por la cámara y su proyección sobre los paneles acústicos que enmarcan la instalación la convierten casi en un patrón de estampación de resonancias orientales. 

Esta experimentación con la fragmentación, con la capacidad de narración de lo ausente (que no se ve o no se oye), la diferencia que habita en la repetición, la latencia y el gesto congelado ritman una muestra protagonizada por la búsqueda del signo mínimo de identidad con el que Itziar Okariz pone en relación las posibilidades de construcción espacial que le ofrece la escultura con la identificación de los límites y la transgresión de las normas que desarrolla a lo largo de su dilatada trayectoria en la práctica de la performance, cuando ya hace cerca de veinticinco años de esos días en los que bailaba ante el objetivo al ritmo de la banda pospunk Siouxsie and the Banshees. 

ITZIAR OKARIZ. RESPIRACIÓN Y OTROS SONIDOS

SONIDOS DE AGUA. AQUAFONIA, PAU ELIAS

En esta ocasión Pau Elias colonizará el espacio miniPanera para realizar una instalación sonora con botellas llenas de agua de distintas texturas, colores y sonidos. Esta muestra ofrece una experiencia sensorial, en la que la luz y el sonido crearán una atmósfera idónea para acercarnos al juego sensorial en familia. Pau Elias es un músico especializado en pedagogía del lenguaje y educación musical. Cursó sus estudios en el Musikene de San Sebastián. Desde 2014 lleva a cabo Aquafonia, un proyecto pedagógico musical que experimenta las propiedades musicales del agua. Parte de la percusión corporal para buscar sonidos que nos transporten al medio acuático, de modo que crea breves composiciones con instrumentos «acuafónicos», lo que ofrece una experiencia sonora y visual con el agua como eje vertebrador. 

Con la colaboración de la publicación Partitures de l’art de sant martí de Joan Capafons.

SONIDOS DE AGUA. AQUAFONIA, PAU ELIAS

LOS MÁRGENES. PRODUCCIONES AFECTIVAS, POLÍTICAS Y ESTÉTICAS DESDE DENTRO Y FUERA DE UN TERRITORIO.

Albert Bayona / Martin Llavaneras / Agnès Pe / Antoni Pinent / Bárbara Sánchez Barroso 

Esta exposición colectiva despliega una parte del Arxiu Javelina, una iniciativa del Centre d’Art La Panera que pretende consolidar un escenario específico para las artes visuales en el contexto de las tierras de Lleida, con la voluntad de romper los límites entre los conceptos, a veces excluyentes, de centro y periferia.

La exposición debe permitir descubrir y redescubrir artistas nacidos en Lleida con unos trabajos en plena consonancia con el lenguaje de las artes visuales contemporáneas. El factor territorial solo es el punto de partida, dado que las obras seleccionadas están producidas al margen de condicionantes locales y se enmarcan en discursos de plena vigencia en el arte actual. 

El proyecto expositivo se estructura en torno a una serie de artistas que trabajan distintos lenguajes audiovisuales, lejos de los formatos convencionales y subvirtiendo los marcos conceptuales y formales más convencionales e institucionalizados. «Los márgenes» indaga distintas prácticas audiovisuales, como el cine de exposición, la videoperformance, el found footage o la instalación.

El título «Los márgenes» alude a la naturaleza de los trabajos seleccionados, que queridamente se sitúan en oposición a los sistemas de representación institucionalizados en el ámbito audiovisual. Son artistas que, como Albert Bayona, prefieren rescatar y recontextualizar metrajes y filmaciones ya existentes, o como Antoni Pinent, indagar en la historia del cine experimental y hacer remakes de obras clásicas e incluso actualizarlas y ampliar su eco mediante las nuevas posibilidades que nos ofrece la tecnología. Siguiendo en el ámbito audiovisual, Bárbara Sánchez Barroso apuesta por el cine de exposición, cuidando escrupulosamente su forma y contenido, pero al margen de lo previsible y reconocible. Por otro lado, también encontramos artistas que desbordan el concepto de instalación, como Agnès Pe, y retoman actitudes que amplifican experiencias performativas de los sesenta, como lo demuestra Martin Llavaneras cuando se enfrenta a la naturaleza o al patrimonio cultural. 

LOS MÁRGENES. PRODUCCIONES AFECTIVAS, POLÍTICAS Y ESTÉTICAS DESDE DENTRO Y FUERA DE UN TERRITORIO.

SEQÜÈNCIA EDITORIAL II

Ediciones de la Sala d’Art Jove y La Panera, 2017 y 2018 
Miquel Cañelles / Pablo Lerma / Pol Masip / Guillem S. Arquer

SEQÜÈNCIA EDITORIAL II

16ª JORNADA DE PUERTAS ABIERTAS

El Centro de Arte La Panera presenta la 16ª edición de las Jornadas de Puertas Abiertas. Durante el curso escolar, el Centro de Arte La Panera lleva a cabo programas educativos, algunos de ellos asesorados por artistas, que comprenden desde escuelas infantiles de 0 a 3 años, educación infantil, educación primaria, secundaria y bachillerato, hasta la universidad, así como entidades de educación no formal e informal. La muestra tiene como objetivo hacer visibles los proyectos generados por los centros y las entidades que durante el año han seguido las propuestas pedagógicas de las exposiciones en curso de la Panera. Con esta premisa, las Jornadas nos sirven para valorar y reconocer públicamente la labor educativa de los diferentes centros de enseñanza y de su personal docente, así como de las entidades y profesionales que durante el año crean aprendizaje a partir del arte y la cultura contemporánea. 

Participantes:
EBM Bordeta, EBM Centro histórico, EBM Cappont, EBM Magraners, EBM Ronda - La Mercè, EBM Secà, EBM Balàfia, EBM Pardinyes, EBM la Mitjana, EBM Magraners, EBM Llívia, EBM Parc de Gardeny, EBM Grimm, EBM Rellotge, Escuela Infantil El Carrilet de Albatàrrec, Escuela Parc de l’Aigua (Lleida), Escuela La Creu (Torrefarrera), Escuela Pràctiques I (Lleida), Escuela Teresa Berguedà (Alguaire), Colegio Claver-Jesuïtes (Lleida), INS Màrius Torres (Lleida), Escuela de Arte Trama (Lleida), The Color Lab (Lleida), Escuela de Arte Municipal Leandre Cristòfol (Lleida), Facultad de Educación, Psicologia y Trabajo Social, Grado de Educación Infantil modalitat Gestiones Creativas de la Universidad de Lleida, Fundación Arrels Sant Ignasi (Lleida), Área de Benestar Social i Gent Gran del Ayuntamiento de Lleida, Red de Servicios de Intervención Socioeducativa y Ciberaulas de Lleida y Hospital Universitari Arnau de Vilanova.

16ª JORNADA DE PUERTAS ABIERTAS

EXPOSICIÓ ITINERANT NATURAL/ARTIFICIAL

Centre d’Art Santa Mònica

EXPOSICIÓ ITINERANT NATURAL/ARTIFICIAL

JOAN MOREY. COS SOCIAL

JOAN MOREY. COS SOCIAL

MARIA MONTES. WHAT A SHITSHOW

Maria Montes es una diseñadora y artista catalana que vive en Australia desde 2006. Su obra incluye trabajos de caligrafía, lettering, ilustración, diseño textil y diseño de tipos. Desde su estudio en Melbourne, Maria imparte clases de iniciación a la caligrafía desde 2014.

«What a Shitshow» es una exposición cuyo hilo conductor es el lenguaje, los dichos populares y la escatología catalana como identidades culturales. En esta muestra, Maria presenta los últimos cinco años de producción artística en relación con elementos que forman parte de un ciclo natural relacionado con la tierra (ecologismo avant la lettre).

«De pe a pa» es una pequeña intervención de la diseñadora en el espacio miniPanera donde podremos encontrar originales de sus creaciones para comprender su proceso de trabajo. En el espacio se muestra un fular, diseñado durante su trayectoria en solitario, en el que parte de un dibujo sencillo para crear un estampado original y cargado de significado.  

MARIA MONTES. WHAT A SHITSHOW

LLIÇÓ DE DIÒGENES

Todavía hoy recordamos el episodio atribuido a Diógenes: un día luminoso, Alejandro Magno, rey de Macedonia, visitó al filósofo cínico, que vivía dentro de una tina en la más extrema pobreza. El rey se presentó, se le puso delante y le dijo: «Pídeme lo que quieras». Diógenes solo respondió: «Apártate, que me tapas el sol».

Siempre provocador, rechazando falsos honores y riquezas, Diógenes de Sinope (412 a. C. – 323 a. C.) preconizaba la desnudez y manifestaba de modo desacomplejado los excesos y vicios de la sociedad. Es justamente lo contrario al miedo y la compulsión posesiva característicos de esa enfermedad social contemporánea que se conoce con el nombre poco adecuado de «síndrome de Diógenes», por la que las personas solas, a pesar de vivir en ciudades populosas, se protegen de la angustia acumulando en casa una cantidad descontrolada de objetos, basuras o lujos; cosas, en definitiva, sin sentido.

El testigo de este filósofo griego de la Antigüedad se vuelve completamente pertinente en un contexto contemporáneo de sobreproducción y de desequilibrios sociales, económicos y ecológicos. Intuimos que hace falta una reflexión crítica profunda sobre el estado de las cosas y nuestras rutinas cotidianas. En este sentido, la filosofía radical de los cínicos, planteada desde la acción y la singularidad, tiene una prolongación en el arte contemporáneo. Con su capacidad para hacernos pensar de nuevo la realidad desde la metáfora y la paradoja, el arte también es un camino para reencontrar unos valores morales y hacer una reflexión desmitificadora y liberadora sobre la condición humana.

Hay una constante transgeneracional en el arte catalán contemporáneo que se basa en una reducción de medios, una simplicidad fundamental y una economía que, paradójicamente, redunda en la intensificación de los valores estéticos, y rechaza la retórica y el exceso. Son artistas que practican, al modo de Diógenes, una fragilidad que se convierte en fuente de fortaleza y de significado.

Una producción de Centre d’Art Tecla Sala.

LLIÇÓ DE DIÒGENES

LA VIDA ACTIVA. MUESTRA DE LIBROS DE ARTISTA

Esta exposición muestra el resultado de un taller del artista Jordi Mitjà para La Saleta de La Panera, en el que participaron diecinueve personas, entre alumnos del ciclo de fotografía de la Escola d’Art Municipal Leandre Cristòfol y usuarios de La Saleta de La Panera, el comedor social  de la Regidoria de les Polítiques per als Drets de les Persones. En el taller se trabajaron libros de artista, desde la posibilidad de generar ideas, debates y producciones artísticas, partiendo de objetos y materiales de bajo coste, concretamente con libros de viejo, que incluso se pueden conseguir gratuitamente a partir de las limpiezas periódicas de las bibliotecas (liberación de duplicados que regularmente las bibliotecas retiran). El potencial de este proyecto no solo radica en el coste de los materiales que utiliza, sino también en cómo cambiamos el uso del objeto del que partimos, descontextualizándolo a modo de un ready made y visibilizando sus distintas capas de interacción que se han acumulado a raíz de sus diferentes usos, con el objetivo de activar un debate sobre la vida activa de los objetos y de cómo estos cambian a medida que son depositarios de la interacción que llevan a cabo con ellos las distintas personas que los tienen.  Un modo de aproximarnos a los libros de artista, un formato híbrido entre literatura y artes visuales, a través de una metodología totalmente inclusiva. 

Inauguración: miércoles 11 de abril, a las 12 h 

Lugar: 
Biblioteca Pública de Lleida 

Organiza: Regidoria de les Polítiques per als Drets de les Persones, Escola Municipal d’Art Leandre Cristòfol, Centre d’Art La Panera y Biblioteca Pública de Lleida 

Colabora: 
Obra Social «la Caixa» y Serveis Territorials a Lleida del Departament de Cultura 

 

LA VIDA ACTIVA. MUESTRA DE LIBROS DE ARTISTA

JUAN PÉREZ AGIRREGOIKOA. 38 DE JULIO - 37 DE OCTUBRE

Juan Pérez Agirregoikoa (San Sebastián, 1963) viene realizando una obra que tiene en la ideología, la religión, el capitalismo, la educación y la cultura sus dianas más mordaces. El título de la exposición hace alusión a un tiempo del calendario imaginario, fuera de la realidad y que hace de las efemérides políticas y revolucionarias un ritual un tanto absurdo. En sus dibujos, aparecen temas como la re-educación, el rechazo a la familia, la autoridad, la cultura como forma de adiestramiento, el amor al amo y con ello la consiguiente cesión a su deseo.

Esta exposición pone especial énfasis en el uso más reciente del medio audiovisual. Es el caso de Dead Letter, realizado con motivo de la Bienal de Sao Paulo en 2014. Aquí, Pérez Agirregoikoa realiza un filme en las afueras de la ciudad basada en El Evangelio según San Mateo de Pier Paolo Pasolini. Partiendo de algunos de los elementos formales y estéticos del original, el guión ha sido reescrito para cambiar el enfoque hacia unos versos bíblicos que el director italiano había pasado por alto. 

Una nueva producción realizada ex profeso, titulada Radio(a)phonie, continúa con esta estela, ahora centrándose en las relaciones entre la política y la educación. El hilo conductor es la educación (y la ausencia de ésta) desde una lectura de La República de Platón. El vídeo presta especial atención al libro VII y el mito de la caverna con sus juegos de sombras y reflexión sobre la naturaleza de la representación, de cómo vemos las cosas y cómo son en realidad. 

JUAN PÉREZ AGIRREGOIKOA. 38 DE JULIO - 37 DE OCTUBRE

JUAN PÉREZ AGIRREGOIKOA. IT’S NOT YOU. IT’S ME

Con el título It’s not you. It’s me se presenta una selección de publicaciones y ediciones realizadas por Juan Pérez Agirregoikoa en las últimas dos décadas. Estas publicaciones se caracterizan por la diversidad de estrategias editoriales y por un acercamiento al papel como lugar de distribución de dibujos e ideas. La forma que estas ediciones adoptan es la del libro pop up, libro de artista, el múltiple o la recopilación de dibujos bajo una misma serie temática o conceptual. Algunas de estas ediciones contienen series de trabajos emblemáticos del artista, como El síndrome Muntadas, Citacions pour le président Sarkozy, o los Ex-votos. 


Tipografo en residencia 2018: La Coma Studio

JUAN PÉREZ AGIRREGOIKOA. IT’S NOT YOU. IT’S ME