Saltar al contingut Saltar a la navegació

Exposiciones

ADRIÀ JULIÀ. UNA FLOR BLANQUISSIMA

El título del proyecto alude a una descripción aparecida en el Códice florentino de Bernardino Sahagún (1499) —misionero franciscano que narra, en náhuatl, la vida de los habitantes originarios de Nuevo México antes de la colonización española—, que hace referencia a unos ornamentos indígenas hechos con palomitas de maíz.

La pieza Popcorn (2012) se articula a partir de un largometraje realizado con material promocional de la empresa de fotografía óptica Photron. La película de Adrià Julià prolonga hasta noventa minutos el clip originario de doce segundos, en el que un grano de maíz estalla a velocidad ralentizada. Esta coreografía más violenta que poética adopta cierto sentido metafórico, pues resulta difícil no asociarla a todo tipo de destrucciones. Dos pósteres completan la instalación.

America’s Sweethearts (2021) es un trabajo que explora el fenómeno del cierre de salas cinematográficas durante los últimos tiempos. Adrià Julià ha extraído diversas partes de la moqueta que tapaban el suelo de un cine en desuso. Con ellas ha cubierto el pavimento del espacio expositivo. La recuperación de dicho elemento, el nuevo estatuto y el régimen de uso que el artista le otorga suponen, simultáneamente, un ejercicio de arqueología, un gesto restitutivo y, por último, una metonimia de hacia dónde irán los ocios industrializados.

ADRIÀ JULIÀ. UNA FLOR BLANQUISSIMA

LÚA CODERCH. LA TACA. UNA BREU HISTÒRIA DE LA DESORIENTACIÓ.

Existen formas de desorientación que no se relacionan tanto con encontrar o buscar una dirección en el espacio o el tiempo como con la experiencia de una pérdida de sentido más difusa y profunda. Uno de los motivos de esta desorientación deriva del desajuste que se produce al comprobar que los relatos que estructuran nuestras vidas son una suerte de profecías contemporáneas, caducas pero vigentes, que nunca terminan de cumplirse de manera satisfactoria. La noción de «mancha» que utiliza Lúa Coderch se refiere precisamente a esta experiencia de desorientación y de desencaje que se vive como individual, pero que en realidad es compartida, y que nos pertenece más que ninguna otra cosa. Los dos capítulos del vídeo que se presentan en la exposición, incluidos en un proyecto más amplio titulado «Palacio de viento», actualizan y modifican elementos narrativos de la mitología y el teatro griegos. Aquí vemos un viaje nocturno y solitario en el que su protagonista es interceptada por tres personajes, una suerte de sirenas que componen un coro, que le plantearán la urgencia de implicarse en la búsqueda de una forma de orientación. A cambio, ofrecerán respuestas, si bien contradictorias, a preguntas que ella no ha elaborado del todo. La exposición propone una dirección cuyo sentido está por resolverse en el futuro, así como una serie de elementos físicos que expanden el relato a otros soportes materiales dentro del espacio.

Sonia Fernández Pan

LÚA CODERCH. LA TACA. UNA BREU HISTÒRIA DE LA DESORIENTACIÓ.

ITZIAR OKARIZ. RESPIRACIÓ OCEÀNICA

Una producción del Centre d'Art la Panera con la colaboración de Fundación Santander

El espacio miniPanera presenta «Itziar Okariz. Respiración oceánica», una de las producciones del proyecto Encaixa’t 2021, un programa educativo de producción artística y de residencia, en el que formación y artistas se combinan para crear una propuesta dirigida especialmente al primer ciclo de educación infantil (de 0 a 3 años) y para todos los públicos.

Itziar Okariz es una artista multidisciplinar que proviene del mundo de la performance y del sonido. En esta ocasión ha hecho una adaptación de una de sus prácticas performáticas, Ujjayi. Ujjayi es un tipo de respiración que se realiza en las prácticas del yoga, del que Okariz es instructora. El significado de la palabra es ‘yo victorioso’; normalmente se traduce como ‘respiración oceánica’, porque esta es la imagen que genera. En el ámbito sonoro, la pieza acoge el coro de dos respiraciones que, de forma alternada y en un ritmo de menos a más, nos recuerda el murmullo de las olas de los mares y océanos. Okariz nos invita, a través de los sonidos más profundos, a adentrarnos en nuestra imaginación creando escenarios acuáticos que nunca se paran, que están en constante movimiento. La pieza irá acompañada de una serie de ilustraciones que hacen referencia al movimiento corporal realizadas por su hija Izar Ocariz.

Su intención es trasladar, a través de nuestro cuerpo, la escucha del sonido a la dimensión física. Esta vez, en el espacio miniPanera, experimentaremos con nuestro cuerpo, y sobre todo con la respiración. Pondremos especial atención a la representación de esta a partir de diferentes materiales y lenguajes que habrá en el mismo espacio.

El espacio se complementa con una selección de publicaciones infantiles que hacen referencia a la práctica del yoga con niños y al mundo de los océanos. Esta aportación bibliográfica es gracias a la colaboración de la Biblioteca Pública de Lleida.

 

ITZIAR OKARIZ. RESPIRACIÓ OCEÀNICA

EL ALMUD DE CADA UNO. CANICHE

Siguiendo la línea expositiva del Centre de Documentació de la Panera, presentamos una exposición de la editorial Caniche, creada en 2015 por Carlos Copertone y Patxi Eguiluz. Como indican sus responsables, Caniche nace con el propósito de dar visibilidad a propuestas que, de otro modo, no serían accesibles al público, intervenciones a las que ellos llaman asaltos. Acciones convertidas en libros o libros convertidos en acciones.

Sus ediciones no presentan un diseño común, ni un patrón determinado, ni una temática concreta. Cada edición es un proyecto completamente nuevo, diferente y singular que entrelaza arquitectura, diseño, arte, escritura, fotografía, instalación o performance.

Presentan ediciones de artistas como Mateo Navarro, Paula García-Masedo, Guillermo Mora, Nacho Canut / Alaska, David Bestué, Husos, Martín-Gamero, Cai Tomos + Debajo del Sombrero, Karlos Martínez B. y Javier Arbizu, Andrés Fernández, Yolanda Andrés, Rafa Munárriz, Javier Codesal, Cerralbo Santomá, Carlos Irijalba, Cristina Garrido, Txomin Badiola, Elena del Rivero, Antonio Ballester Moreno y Moises Puente.

Con este tipo de muestras se pretende dar apoyo y difusión a las publicaciones especiales, a los libros de artista y a las editoriales que, como Caniche, los editan, y por eso la Panera les dedica un espacio para su presentación.

Por otro lado, de esta forma también va aumentando el fondo especial de la Panera, iniciado en 2004 y que cuenta ya con más de 1.000 ediciones.

EL ALMUD DE CADA UNO. CANICHE

David Bestué. Pastoral

En «Pastoral», David Bestué adopta técnicas de procesado industrial para cuestionar la capacidad de representación de la escultura. La exposición presenta piezas de reciente y nueva producción que integran en su composición elementos vinculados al territorio, pero también obras de autoría diversa. El conjunto establece un marco temporal amplio que incide en cuestiones como los procesos de conservación y la relación entre tiempo y materia.

David Bestué situa en el centro de su investigación lo que él llama grado cero. El grado cero es el resultado de procedimientos que alteran la composición de un cuerpo sólido y lo reducen a partículas. Con esta operación, Bestué anula las funciones expresivas del objeto y restringe sus cualidades formales a propiedades como el peso o la consistencia.

A la vez, este retroceso formal o «empobrecimiento de la forma» pone en duda la capacidad descriptiva de los materiales que, tras ser procesados, solo pueden manifestarse disgregados o compactados. Su inconsistencia e inestabilidad dificultan su registro visual y reducen su representación a formas de circulación y suspensión, a su concentración y atomización. Bestué emplea moldes para otorgar una nueva estructura a estos materiales en bruto, que de este modo recobran su corporeidad y establecen una nueva relación con el espacio.

La consecuencia principal de este proceso es que se produce una merma significativa entre el objeto y su enunciado. Pero ¿puede la palabra restaurar una presencia? ¿Puede la trazabilidad de un material soportar el peso de una imagen? Además de interferir en su forma, ¿en qué modo el proceso de conservación altera los significados?

«Pastoral» describe dos modelos de presencia que se manifiestan en el plano material: el de un «presente que pasa» y el de un «pasado suspendido en el tiempo». Ambos modelos se sustentan en los principios de orden y organización, criterios que aplicamos para determinar qué debe ser conservado y qué debe ser desechado. Situada en el centro de esta metódica estructura, la materia se revela como un agente colaborador que actúa de forma ambivalente: mientras que con su solidez contribuye a avivar la memoria, con su precariedad deroga el recuerdo.

David Bestué. Pastoral

LLUM ARTIFICIAL

La implementación de un sistema estable de luz eléctrica permitió erosionar la contraposición entre el día y la noche, y también la diferenciación entre las actividades y actitudes asociadas a cada una de estas franjas horarias, en especial las relativas a la actividad y al trabajo frente al tiempo de sueño y reposo.

En la actualidad, la gran penetración social de las tecnologías sin cable y la cultura de la hiperconectividad han exacerbado estas lógicas, y han impuesto un modelo de operatividad y de trabajo constantes.

Pero aun antes de que se implementara la luz eléctrica ya existían numerosas variantes de luz artificial, tanto materiales como simbólicas. El fuego, los sueños, el insomnio, las visiones, las apariencias o incluso las imágenes no dejan de ser formas de luz que participan en el artificio.

Exposición en línea #13

LLUM ARTIFICIAL

David Bestué. Abril que fas florir les roses...

Abril que fas florir les roses… es el inicio de uno de los últimos versos del poema Un altre abril (1938), de Màrius Torres. Con estas palabras, la fotografía, Barra y aro (mueble y jarrón) 2015, y el molde Manzana, Ciprés, Barca y Barranco 2021 nos acercamos al proceso escultórico de David Bestué; en el que la poesía ha sido siempre un referente que lo acompaña. Bestué no modela, ni talla la materia para hacer escultura, sino que se centra en el vaciado de los objetos reales que recoge en sus paseos. Sus moldes los rellena con materiales polvorizados que provienen de estos objetos, para crear una nueva forma, que no tiene por qué tener relación directa con el objeto inicial. Este saber hacer suyo lo define como la acción de llevar a cabo un «poema sin palabras», donde pone en juego la manipulación de los materiales creando nuevas formas y nuevos significados, nuevas relaciones a menudo afectivas y emocionales con el territorio. Su intención es llevar el lenguaje a la dimensión física, a través del material y las texturas. Con esta premisa, en el espacio miniPanera reflexionamos a partir de la observación y la experimentación sobre los diferentes materiales, poniendo especial atención en sus texturas y olores, que nos evocarán recuerdos o pensamientos a los que daremos una nueva forma. El espacio se complementa con una selección de publicaciones de poesía infantil. Finalmente, nos podremos llevar una bolsita con arcilla y semillas para hacer florecer nuestra primavera.

El espacio se complementa con una selección de publicaciones de poesía infantil gracias a la colaboración de la Biblioteca Pública de Lleida. Al final, nos podremos llevar una bolsita con tierra y semillas para hacer florecer nuestra primavera.

David Bestué. Abril que fas florir les roses...

LARA ALMARCEGUI. GRAVES

Yuxtaponiendo dos nuevos proyectos, la exposición «Graves» de Lara Almarcegui ofrece una perspectiva geológica de la zona de Lleida y la llanura del río Segre a través de la relación entre el entorno construido y el extenso cinturón montañoso de los Pirineos, formado hace entre 80 y 20 millones de años cuando la península ibérica chocó contra el resto de Europa.

Roques i materials de la serralada dels Pirineus  es una respuesta a la pregunta: ¿qué cantidad de qué rocas y materiales constituyen los Pirineos? Se ha obtenido la respuesta con la colaboración de geólogos a través de una compleja serie de aclaraciones, cálculos y modelado en 3D. ¿Dónde empiezan y terminan los Pirineos? ¿Cuál es el grado de detalle deseable?

Gravera se pregunta: ¿qué posibilidades empiezan a aparecer cuando se detiene la excavación de una cantera? Más concretamente, ¿qué ocurre cuando La Plana del Corb, el complejo industrial de Sorigué cerca de la localidad de Balaguer, deja de funcionar durante un día? La respuesta adopta la forma de un día de puertas abiertas en la cantera el 19 de febrero de 2021 durante el cual los visitantes experimentan este lugar habitualmente bullicioso y ruidoso como un lugar de contemplación, así como un vídeo que presenta documentación de la misma cantera congelada en el tiempo.

Entre estos dos nuevos proyectos de Almarcegui la complicada sima del centro de arte y sus paredes de piedra sugieren un imaginario estratigráfico dominado por la lenta violencia de la transformación morfológica de la Tierra contrapuesta al carácter temporal de la construcción artificial.

– Latitudes

Una producción del Centre d’Art la Panera, con la colaboración de la Fundació Sorigué y el Centro de Arte y Naturaleza de Huesca

LARA ALMARCEGUI. GRAVES

HEY WE ARE

Geometría, color y tipografía directos. Así podríamos definir a Hey, un estudio creativo con sede en Barcelona, desde 2007, con Verónica Fuerte al frente. Trabaja mayoritariamente en proyectos de diseño gráfico, ilustración y tipografía, teniendo en cuenta todos los procesos del diseño y evolucionando y adaptándose continuamente para hallar nuevas ideas.

HEY WE ARE

Línies vermelles. La censura en la colección de Tatxo Benet

La exposición de una selección de las piezas de la colección Censored, de Tatxo Benet, en el Centre d’Art la Panera pretende no solo incidir en la visualización de las atrocidades que, por motivos distintos, se han ocultado en diferentes puntos del mundo, sino visualizar, a modo de reto, la propia censura en tanto que atrocidad. Más que un fantasma procedente de los antiguos regímenes totalitarios o de la remota Santa Inquisición, la complejidad que presenta la censura en las sociedades contemporáneas hace necesario afinar en la comprensión de su multiplicación de caras.

Abel Azcona / Amina Benbouchta / Jordi Benito / Clemente Bernad / Zoulikha Bouabdellah / David Černý / Fabián Cháirez / Colectivo Mujeres Públicas / Charo Corrales / Zehra Doğan / Ines Doujak / Mounir Fatmi / León Ferrari / Joan Fontcuberta / Daniel García Andújar / Núria Güell / Levi Orta / Jani Leinonen / Natalia LL (Natalia Lach-Lachowicz) / Robert Mapplethorpe / Eugenio Merino / Marta Minujín / Antoni Muntadas / Yoshua Okón / Pablo Picasso / Oliver Ressler / Larissa Sansour / Kim Seo-kyung i Kim Eun-sung / Andrés Serrano / Santiago Sierra / Antoni Tàpies / Ai Weiwei i David Wojnarowicz

Una producción del Centre d'Art la Panera y Censored, con la colaboración del Museu de Lleida.

Línies vermelles. La censura en la colección de Tatxo Benet

Entre las páginas se escurre el tiempo

El tiempo es uno de mis intereses como artista y, al pensar la selección de libros para esta exposición, he querido buscar publicaciones que, para mí, tuvieran una relación con este concepto desde múltiples perspectivas. ¿Cómo envejecen los libros o los proyectos? ¿Cómo atraviesa el tiempo las páginas de los libros o queda detenido, representado, en ellas? ¿Cómo se hace el tiempo en palabras, imágenes, papeles? La selección podría ser muy amplia, ya que todo libro (entre las muchas definiciones de libro) no deja de ser, esencialmente, un contenedor de tiempo. La publicación más antigua del Fondo de ediciones especiales y libros de artista de la Panera (hablo de la fecha de publicación, no de incorporación) es la CAPS.A. (núm. 2), de 1982, con obras de Lola Albarracín, JM Calleja, Jordi Cuyàs y Jaume Simón, y la más reciente, The quick brown fox jumps over the lazy dog, de Ferran elOtro, de 2020. Pero no hablaré de ellos.
 
Me resulta muy interesante lo que pasa cuando tenemos un libro en las manos. Es como sostener un fósil: el tiempo del pasado se actualiza en el presente. El tiempo de una cosa pasada (un proyecto, una imagen, un texto que quedaron encapsulados en una determinada forma) se hace de golpe presente  en tu presente. Un trozo de (otro) tiempo que se mete en tu tiempo  te suspende, crea un espacio en el que puedes sentir que hay otro tiempo que sigue delante de ti, pero tú, en este momento, eliges no seguir su curso; estás en otro tiempo.

Exposición en linea #12

Forever, Dora García

247 mois / 247 jours, On Kawara

White Pages, Ignasi Aballí

Almost There, Aleix Plademunt

Escanografías, June Crespo

Rendición de la hora, Isidoro Valcárcel Medina

Equation of Time, Serafín Álvarez

Pronóstico del tiempo para el 20 de febrero de los próximos 100 años, Daniel Jacoby

Agenda de caducidad de los tiempos drásticos, Javier Peñafiel

En el fondo nada ha cambiado, Martín Vitaliti

Goodbye, Oriol Vilanova

Entre las páginas se escurre el tiempo

Reirse de uno mismo

Desde el Centre de Documentació de la Panera se lleva a cabo un proyecto expositivo que se puede ver exclusivamente a través de la red y que, este año 2020, irá a cargo de Javier Martín-Jiménez, comisario de exposiciones y gestor cultural. Se trata de una iniciativa que permite activar y difundir el fondo de ediciones especiales y publicaciones de artista de que dispone la Panera.


«Reírse de uno mismo» es un breve repaso a las publicaciones de artistas y comisarios que utilizan el lenguaje habitual de trabajo para hacer una crítica, entre otras cosas, a la estructura del mundo del arte, a la función del artista, a la mistificación del arte, al valor de las obras o al poder de las instituciones. En resumen, reírse del mundo del arte del que son partícipes y cómplices.


En 2004, coincidiendo con la 4a Biennal d’Art Leandre Cristòfol, se decidió incluir por primera vez las publicaciones de artistas en la Biennal. A partir de entonces, podemos decir que empezó a reunirse el fondo de las publicaciones. Aunque a menudo se las ha considerado material secundario, en ocasiones han sido el embrión de muchas propuestas creativas.

Muchas veces, estos materiales quedan en un segundo plano, como complemento de otras exposiciones. En la Panera, lo que hemos intentado es que no sean un complemento, sino el plato principal.
Se trazaron unas líneas temporales y geográficas que son las que se mantienen aún hoy, y que han marcado y marcan el futuro de la colección. Se trata de documentación impresa realizada por artistas en el contexto catalán y español, desde comienzos de los años noventa hasta hoy, a parte de una inclinación hacia lo que podríamos llamar repertorios y proyectos, que se pueden agrupar dentro de colecciones o conjuntos. Colecciones de una misma editorial o conjuntos de publicaciones que se agrupan dentro de un mismo formato, como por ejemplo postales, adhesivos, juegos de cartas, etc.

Dada la dimensión que está adquiriendo el fondo de ediciones especiales del Centre, utilizamos este formato expositivo para darlo a conocer. Y, para ello, ofrecemos a distintos comisarios externos la posibilidad de trabajar sobre el fondo de publicaciones, de hacer una selección de este y presentar, mediante sus palabras, el proyecto que han decidido llevar a cabo. Con este programa expositivo, queremos difundir un aspecto de la creación contemporánea que a menudo es visto como algo marginal, a pesar de que hoy demuestra una efervescencia creativa muy significativa.

Exposición en línea #11

Reirse de uno mismo

SERGIO PREGO. OLA

GAMBOA: La brutalidad sirve como fluido que contiene las vidas de billones que se hunden en el fondo como la basura sedimentaria de las economías interdependientes.

Entrevista con Gronk y Gamboa de Asco, Chismearte (otoño 1976)

 

Echando la vista atrás, se puede apreciar, a lo largo de la trayectoria de Sergio Prego (San Sebastián, 1969), una experimentación consistente en torno a la experiencia espacial desde una práctica escultórica, en la que lo arquitectónico y lo performativo ocupan un lugar central. De hecho, la preocupación por la problemática del espacio y un entendimiento de la performatividad como lógica intrínseca a la producción del sentido de la obra son compartidas por la generación y el contexto de los que Sergio Prego parte, formado en torno a los talleres experimentales de Arteleku en la década de los noventa, y son vectores presentes en su trabajo, desde sus primeras obras —en las que incide en el equilibrio espacio-temporal mediante el uso de dispositivos audiovisuales o en las que recorre diferentes estructuras arquitectónicas, por ejemplo— hasta proyectos como este, Ola.

Tras su paso por el estudio de arquitectura de Vito Acconci, Prego empieza a experimentar con arquitecturas neumáticas. Los experimentos con inflables surgen en el clima contracultural de finales de la década de los sesenta, como una reacción desde lo material al consumismo y al crecimiento exponencial de la construcción urbana de aquel momento. Artistas y arquitectos como Ant Farm, Archigram, José Miguel de Prada Poole o Dan Graham, por citar algunos, empiezan a armar arquitecturas ligeras y baratas, fáciles de montar y desmontar, y de formas impredecibles a partir de materiales mínimos, como son el plástico, las barras y los tensores, y el aire propulsado por ventiladores. Prego apunta que lo importante de estos ejercicios no reside en la forma, sino en la experiencia que inauguran: la arquitectura se sintetiza en un juego de tensión depurado, que permite a las personas tumbarse, acostarse o disponerse de múltiples y variadas formas sobre las superficies de plástico infladas. A su vez, los cuerpos atraviesan, literalmente, la estructura y modifican a su paso su forma. Se trata de un ejercicio espacial complejo —que invoca cuestiones táctiles, visuales, respiratorias, entre otras— a la par que simple, que Prego traslada al gesto escultórico en instalaciones como las realizadas en el CA2M-Centro de Arte Dos de Mayo (Highrise, 2017), el Casal Solleric (Cowboys, 2019) o, más recientemente, en la Graham Foundation de Chicago, en diálogo con la arquitectura vertida de Miguel Fisac (Poured Architecture, 2020). Un gesto, en todos los casos, más cercano a la genealogía del uso de los inflables por parte de artistas que por parte de arquitectos, en el que predomina una metodología mínima y espontánea frente a una aplicación sistematizada.

La referencia de la instalación específica que Sergio Prego ha construido para el Centre d’Art la Panera viene, sin embargo, de la imagen de la acción Skyscraper Skin, realizada, en 1980, por el colectivo de artistas chicanos Asco, activo en Los Ángeles entre 1972 y 1987. En ella, se ve a dos personas estirando una banda de plástico transparente en medio de un cruce de calles vacío entre rascacielos. La fotografía corresponde a una serie de acciones que el colectivo realizó en torno al cambio de década, tomando el centro de la ciudad vaciada como telón de fondo, sobre el que representar la distopía urbana de gentrificación y arquitectura vertical que se estaba viviendo. El plástico, inflado y curvado por la resistencia del aire al gesto de estirar, pareciera haberse caído del edificio que se eleva detrás, como si de una muda de serpiente se tratara; la piel es tan ligera y transparente que el borde inferior ni siquiera se detecta y se funde con las líneas de tráfico pintadas en el asfalto. Si nos fijamos bien, observaremos que las dos figuras de la foto llevan mascarillas, como si se protegieran de la toxicidad del material que manipulan o del aire que respiran en ese ambiente. Tal vez, esa piel plástica sea más bien un profiláctico frente a la brutalidad de la que hablan los miembros del colectivo, que reduce la vida de ciertas personas a residuos, una materialidad de la que participa el propio plástico usado.

En Ola, el gesto es igualmente liviano y mínimo en apariencia. Como una vela inflada, el aire dibuja una curva vertical de techo a suelo y una curva longitudinal que abraza las columnas de la sala. De manera similar a la imagen de Asco, el artista ha buscado depurar al máximo el dispositivo de la instalación, usando el mínimo material necesario. Debido a la consistencia del plástico, la transparencia de la instalación varía según la perspectiva desde la que la observemos —translúcida cuando se mira de frente, opaca si la miramos en diagonal—, y nos hace conscientes de la posición desde la que miramos, así como de la resistencia del material a nuestra mirada y a nuestra penetración.

SERGIO PREGO. OLA

ALEX REYNOLDS. THE PULSE OF THE HOUSE BEAT SOFTLY

Un día alguien nos descubre una peca en una parte del cuerpo que no veíamos. Desde fuera alcanza a ver algo que había permanecido hasta entonces desconocido, pese a haber estado siempre ahí, formando parte de nuestra piel. De repente, el cuerpo, el nuestro, se nos hace extraño.

Tomando este gesto como punto de partida —señalar desde afuera lo que desde dentro permanece incógnito—, la exposición propone abordar la obra de Alex Reynolds en su capacidad de revelar los puntos ciegos de lo que sentimos como propio y de colocarnos ante una repentina pérdida de familiaridad de lo que llamamos sin dudar «casa», lo que hasta hace un momento nos hacía sentir a salvo. Al movernos el suelo del hogar se genera una ocasión para revisitarlo, como si entrásemos en él por primera vez, y repensar las estructuras que habitamos.

Esto no solo se aplica al cuerpo, sino que puede suceder también respecto a los espacios; puede experimentarse frente a las formas de construir un relato y, mucho más en general, es trasladable a las formas de pensar, de relacionarnos y de vivir. El aparato legal, por ejemplo, una institución que supuestamente nos ampara, es el objeto de su última película, y en ella la ley aparece más intimidatoria que protectora.

El cine, como lenguaje en el que convergen casi todas estas capas —el cuerpo, los afectos, los cánones narrativos, así como las ficciones, los imaginarios y los códigos que rigen nuestras maneras de relacionarnos y de ordenar el mundo—, es la herramienta privilegiada de la que se sirve la artista para inducir esta forma de extrañamiento respecto al hábito.

Aceptar mirarse desde fuera, o salir a negociar las percepciones y construcciones propias con criterios ajenos, es una forma de hacerse poroso que no está exenta de cierta sensación de fragilidad. A veces, como espectadores, perdemos la confortabilidad. Pero pese a su momentánea dureza, el trabajo de la artista es más bien un ejercicio de confianza en la posibilidad de inventar otras maneras de vivir y convivir en otros tipos de casa.

El título es una cita de «A haunted house» (‘Una casa encantada’), un relato breve de Virginia Woolf escrito en 1944. En castellano se traduciría como «“A salvo, a salvo, a salvo”, el pulso de la casa latía suavemente».

 

ALEX REYNOLDS. THE PULSE OF THE HOUSE BEAT SOFTLY

DEMOCRACIA. DAMUNT D'AQUEST CAOS CONSTRUIRÉ LA MEVA CASA

Una producción del Centre d’Art la Panera, con la colaboración de la Fundación Santander.

MiniPanera es un espacio expositivo que nace en 2011, con el objetivo de identificar la cultura contemporánea como una experiencia artística y cotidiana para los más pequeños. Este espacio cuenta con una programación expositiva propia que está vinculada a las muestras y a los proyectos educativos de la Panera.

A su vez, miniPanera es un espacio de diálogo, donde se presentan trabajos de artistas multidisciplinares, desde el mundo del diseño, la ilustración, el dibujo, la música, la tipografía o la fotografía. Estas propuestas se acompañan de una selección de publicaciones, que ofrecen herramientas para descifrar propuestas artísticas y crear nuevas conexiones entre arte, cultura y sociedad. Son publicaciones pensadas para el público infantil, que contienen discursos creados con lenguajes y técnicas artísticas muy variados. Son conocidos como libros pop-up (tridimensionales), libros desplegables, libros táctiles, libros mapa, libros juego o libros objeto, todos ellos con infinitas posibilidades.

Las exposiciones son propuestas transformadoras con elementos manipulables, que invitan a participar, sentir, observar, investigar, descubrir, intervenir y experimentar. En definitiva, para un niño o una niña, a jugar. Este juego vinculado con las artes genera múltiples ideas e interpretaciones con significados varios, que permiten descubrir nuevos lenguajes que potencian la imaginación y generan nuevos conocimientos.

En el espacio miniPanera, los más pequeños, con su curiosidad innata, observan, preguntan, crean, tocan, componen, construyen y aprenden. Estas propuestas educativas se enriquecen con un programa de actividades que ofrece visitas dinamizadas al público familiar, talleres de artista donde conocer, aprender y experimentar con nuevas técnicas, o gozar en familia.

Sobre este caos construiré mi casa es un juego de construcción infantil hecho con trozos de madera, que al mismo tiempo son tampones de impresión. Para la creación de los tampones, se ha desarrollado una especie de «alfabeto visual» de pictogramas aludiendo a imágenes de liberación o dominación en la sociedad contemporánea. Símbolos e iconos que, para los niños, siguen siendo formas elementales o abstractas para jugar, aunque, para la mirada adulta, las posibles asociaciones entre estos pictogramas pueden comportar lecturas cargadas de significación política. El resultado final del juego pone en tensión la visión del adulto y el juego libre de los más pequeños.

DEMOCRACIA. DAMUNT D'AQUEST CAOS CONSTRUIRÉ LA MEVA CASA

941444 (BIEL BOOKS)

Biel Books es una plataforma editorial a pequeña escala fundada por el artista Gabriel Pericàs, en 2013. Funciona como extensión de su práctica en el ámbito editorial, la investigación de objetos y narraciones en colaboración con compañeros artistas. Biel Books publica proyectos de arte específicos de libros de artistas españoles e internacionales.

Hasta ahora, tiene siete publicaciones de artistas como Antonio Ortega, David Bestué, Alex Reynolds, Mirari Echavarri, Gabriel Pericàs, Algirdas Seskus y Patricia Esquivias.

Se trata de proyectos que, a menudo, son de colaboración entre creadores, lo que permite establecer redes de intercambio y puntos de encuentro, trazar puentes entre generaciones y generar proyectos singulares.

El Centre de Documentació presenta este tipo de exposiciones con el objetivo de reflexionar acerca de la edición especial y los libros de artista, y por eso les dedica un espacio permanente.

Son muestras que giran en torno a artistas que utilizan el soporte de la publicación para su trabajo o bien a editoriales que publican este tipo de ediciones.

Hablamos de exposiciones de ediciones especiales, libros de artista, editoriales independientes, proyectos de autoedición, ediciones limitadas o ilimitadas, publicaciones artísticas, revistas objeto, etc. Y todas, con unas opciones técnicas que pueden alcanzar desde el objeto único hecho a mano hasta la publicación digital que permite una difusión máxima de este

941444 (BIEL BOOKS)

ITZIAR OKARIZ. RESPIRACIÓN Y OTROS SONIDOS

La expresión más in/significante del signo

La voz de Itziar Okariz y de sus colaboradores invade la planta baja de La Panera. El grano de la voz, tomando prestada la expresión de Roland Barthes, es el encargado de cosificar la invisibilidad de aquellos que habitan la muestra «Respiración y otros sonidos», quien traduce la imagen mental de la palabra a su representación sonora. La artista, que se resiste a la normativización y a las convenciones propias del lenguaje, experimenta con su desarticulación en busca de unidades de significación mínimas: sonidos, palabras, gritos, gestos, están aislados, descentrados, fragmentados, amplificados y repetidos, una vez, y otra, y otra, y otra.

Pero la repetición nunca sucede del mismo modo. Aunque quizás aparentemente no modifique nada en el objeto que se repite, sí lo hace en quien la contempla, y no solo porque la espera del elemento repetido suponga una anticipación de ese que previamente ya se ha retenido en la memoria, sino sobre todo porque —como dice Gilles Deleuze en su ensayo Diferencia y repetición— «el modo como la sensación, la percepción, pero también la necesidad y la herencia, el aprendizaje y el instinto, la inteligencia y la memoria participan de la repetición se mide en cada caso por la combinación de formas de repetición, por los niveles en los que se elaboran estas combinaciones, por la puesta en relación de estos niveles...». Cada una de las repeticiones ocurre en unas circunstancias y en un tiempo específicos que la hacen necesariamente única (e irrepetible). Cada nueva reproducción cede el espacio a la posibilidad de ser recibida por el visitante de un modo diferenciado, y de ser dotada así de nuevas significaciones. 

La exposición se abre en un estado de latencia en el que aparentemente nada sucede y al mismo tiempo todo está por suceder. Dos altavoces y una imagen congelada acechan silentes sendos momentos de activación. Por un lado, el registro de la performance Contrarywise (2010), donde Itziar Okariz estudia las posibilidades comunicativas que le ofrecen los adverbios de afirmación y de negación, y entra en diálogo con ella misma gracias al efecto espejo que le proporciona un dispositivo electrónico que le devuelve su propia voz con un retraso variable. Los giros imprevisibles que se producen en este desdoblamiento, tanto con respecto a la alternancia ritmada entre los síes y los noes como con respecto a la gradación de entonaciones, hacen evolucionar la conversación de la convicción a la duda, de la conformidad a la discusión. En la misma línea de investigación se sitúa IrrintziRepetición (2007), el documento videográfico de una acción que la artista realizó a puerta cerrada en los espacios del Museo Guggenheim de Bilbao. El irrintzi es una forma de lenguaje primigenia de la tradición vasca mediante la cual los pastores se comunicaban entre los valles gracias a la reverberación que les proporcionaban las montañas, y que con el tiempo se ha convertido en un símbolo identitario de celebración de la cultura vasca, e incluso en una herramienta de reivindicación política. Un grito ancestral que la artista ha puesto a prueba en múltiples ocasiones. En el espacio de La Panera, y con una frecuencia establecida, los irrintzis de Okariz irrumpen sin previo aviso y resuenan por todas partes, hasta el punto de cortocircuitar por unos instantes las demás intervenciones de la exposición. 

La performance ha sido transferida al espacio expositivo mediante una instalación que disocia la imagen del sonido. Este es un recurso en el que la artista está profundizando en sus trabajos más recientes, por ejemplo en Las estatuas (2018), que es una colección abierta de grabaciones de las conversaciones que mantiene con objetos inanimados como La musa de Brancusi, en el Guggenheim de Nueva York, o un atleta griego y un relicario del siglo XVI, en el Metropolitan. En ellas, la acción es grabada por la cámara de un móvil en la que se filtra el sonido ambiental del museo, pero no alcanza a capturar la voz de la artista. En este trabajo la narración se construye a partir de las ausencias que se generan por el desconocimiento de los contenidos de estas «conversaciones» (unilaterales) de las que solo percibimos el rastro. La propuesta pone en cuestión los estándares del acto comunicativo, de la misma manera que las acciones de Mear en espacios públicos y privados o Trepar edificios públicos supusieron un desafío a las normativas de comportamiento establecidas en estos espacios.  

La relación de seducción entre la cámara y la experiencia física de acciones más o menos comunes, como hablar, saltar o bailar, han estado presentes a lo largo de toda su carrera. En Un, dos, tres, pajarito inglés (2018), el acto consciente de respirar unido a la práctica de la congelación del movimiento propia de este juego infantil vertebra la propuesta. Imagen y sonido son de nuevo discriminados. Siete altavoces antropomorfos reproducen de forma casi escultórica el ejercicio de figuración sonora de un tipo de respiración de yoga llamada Ujjayi o respiración oceánica, que, como su nombre apunta, recuerda el rumor de las olas del mar. De acuerdo con las indicaciones de la artista, los intérpretes de este coro de respiraciones detenían su acción cuando la cámara los enfocaba. El tratamiento fragmentado y reiterado de la imagen azarosa registrada por la cámara y su proyección sobre los paneles acústicos que enmarcan la instalación la convierten casi en un patrón de estampación de resonancias orientales. 

Esta experimentación con la fragmentación, con la capacidad de narración de lo ausente (que no se ve o no se oye), la diferencia que habita en la repetición, la latencia y el gesto congelado ritman una muestra protagonizada por la búsqueda del signo mínimo de identidad con el que Itziar Okariz pone en relación las posibilidades de construcción espacial que le ofrece la escultura con la identificación de los límites y la transgresión de las normas que desarrolla a lo largo de su dilatada trayectoria en la práctica de la performance, cuando ya hace cerca de veinticinco años de esos días en los que bailaba ante el objetivo al ritmo de la banda pospunk Siouxsie and the Banshees. 

ITZIAR OKARIZ. RESPIRACIÓN Y OTROS SONIDOS

SONIDOS DE AGUA. AQUAFONIA, PAU ELIAS

En esta ocasión Pau Elias colonizará el espacio miniPanera para realizar una instalación sonora con botellas llenas de agua de distintas texturas, colores y sonidos. Esta muestra ofrece una experiencia sensorial, en la que la luz y el sonido crearán una atmósfera idónea para acercarnos al juego sensorial en familia. Pau Elias es un músico especializado en pedagogía del lenguaje y educación musical. Cursó sus estudios en el Musikene de San Sebastián. Desde 2014 lleva a cabo Aquafonia, un proyecto pedagógico musical que experimenta las propiedades musicales del agua. Parte de la percusión corporal para buscar sonidos que nos transporten al medio acuático, de modo que crea breves composiciones con instrumentos «acuafónicos», lo que ofrece una experiencia sonora y visual con el agua como eje vertebrador. 

Con la colaboración de la publicación Partitures de l’art de sant martí de Joan Capafons.

SONIDOS DE AGUA. AQUAFONIA, PAU ELIAS

LOS MÁRGENES. PRODUCCIONES AFECTIVAS, POLÍTICAS Y ESTÉTICAS DESDE DENTRO Y FUERA DE UN TERRITORIO.

Albert Bayona / Martin Llavaneras / Agnès Pe / Antoni Pinent / Bárbara Sánchez Barroso 

Esta exposición colectiva despliega una parte del Arxiu Javelina, una iniciativa del Centre d’Art La Panera que pretende consolidar un escenario específico para las artes visuales en el contexto de las tierras de Lleida, con la voluntad de romper los límites entre los conceptos, a veces excluyentes, de centro y periferia.

La exposición debe permitir descubrir y redescubrir artistas nacidos en Lleida con unos trabajos en plena consonancia con el lenguaje de las artes visuales contemporáneas. El factor territorial solo es el punto de partida, dado que las obras seleccionadas están producidas al margen de condicionantes locales y se enmarcan en discursos de plena vigencia en el arte actual. 

El proyecto expositivo se estructura en torno a una serie de artistas que trabajan distintos lenguajes audiovisuales, lejos de los formatos convencionales y subvirtiendo los marcos conceptuales y formales más convencionales e institucionalizados. «Los márgenes» indaga distintas prácticas audiovisuales, como el cine de exposición, la videoperformance, el found footage o la instalación.

El título «Los márgenes» alude a la naturaleza de los trabajos seleccionados, que queridamente se sitúan en oposición a los sistemas de representación institucionalizados en el ámbito audiovisual. Son artistas que, como Albert Bayona, prefieren rescatar y recontextualizar metrajes y filmaciones ya existentes, o como Antoni Pinent, indagar en la historia del cine experimental y hacer remakes de obras clásicas e incluso actualizarlas y ampliar su eco mediante las nuevas posibilidades que nos ofrece la tecnología. Siguiendo en el ámbito audiovisual, Bárbara Sánchez Barroso apuesta por el cine de exposición, cuidando escrupulosamente su forma y contenido, pero al margen de lo previsible y reconocible. Por otro lado, también encontramos artistas que desbordan el concepto de instalación, como Agnès Pe, y retoman actitudes que amplifican experiencias performativas de los sesenta, como lo demuestra Martin Llavaneras cuando se enfrenta a la naturaleza o al patrimonio cultural. 

LOS MÁRGENES. PRODUCCIONES AFECTIVAS, POLÍTICAS Y ESTÉTICAS DESDE DENTRO Y FUERA DE UN TERRITORIO.

SEQÜÈNCIA EDITORIAL II

Ediciones de la Sala d’Art Jove y La Panera, 2017 y 2018 
Miquel Cañelles / Pablo Lerma / Pol Masip / Guillem S. Arquer

SEQÜÈNCIA EDITORIAL II