Saltar al contingut Saltar a la navegació

Exposiciones

BEQUES ART I NATURA A LA CREACIÓ 2019-2020

Esta exposición colectiva reune los proyectos ganadores de las Beques Art i Natura a la Creació que convoca anualmente el Centre d’Art la Panera y el Centre d’Art i Natura de Farrera.

BEQUES ART I NATURA A LA CREACIÓ 2019-2020

BROTE DE PERAL. ELENA AITZKOA

BROTE DE PERAL reúne dos agrupaciones de esculturas de Elena Aitzkoa: «Terraplén» y «Brote», creadas en verano de 2021 y primavera de 2022, respectivamente.

El periodo de creación coincide con el momento en que la artista deja su estudio compartido, situado en un pabellón industrial en el barrio de Larraskitu, en Bilbao, y comienza a trabajar en un terreno enraizado en el paisaje de Apodaka. Las dos series se han creado en un estrecho diálogo con la experiencia tangible de este lugar y con los elementos que lo conforman. Las condiciones materiales siempre de algún modo condicionan la forma final del trabajo de Elena Aitzkoa, pero en «Terraplén» y «Brote» esto se hace aún más evidente. No es casualidad que estas piezas adopten un tamaño algo mayor que en series previas. Parece que, de alguna manera, las esculturas se hubieran hecho a sí mismas.

Dejar que la escultura atienda y responda a sus cualidades intrínsecas, interviniendo lo necesario para que tome lugar, requiere de un ejercicio somático de escucha y de un manejo en tiempo real con el procedimiento material. Requiere cierta fuerza física y una atención a los ritmos en los que sus elementos se disponen. En las agrupaciones que forman parte de esta exposición, el trabajo no se hace —o no solo— con las manos, sino con todo el cuerpo: con los dedos, las palmas, las muñecas, los brazos, los hombros, las axilas, los omóplatos, la espalda, el pecho, el vientre, la pelvis, las piernas, la cabeza.

Hay, por tanto, una cuestión de ritmo. Pero no un ritmo sino varios, aconteciendo a la vez. A veces se incluyen unos a otros. Actúan protegiéndose, en un proceso vivo que avanza a medida que las esculturas se forman. Por un lado, hay un ritmo que responde a la adecuación entre los cuerpos —el de Elena y el de las formas, su peso, su volumen—, pero también hay un trabajo que se da desde dentro de la materia y que contiene una multiplicidad de pulsos.

BROTE DE PERAL. ELENA AITZKOA

El verbo harmónico

Johanna Billing / Fito Conesa / Jack Davidson / Laia Estruch / Inés García / Dani Montlleó / Jaume Pitarch / Irene Solà / Richard T. Walker

En el verano de 2016, en una crítica musical dedicada a la reedición de un disco de Bob Dylan, un crítico de Rockdelux utilizaba la noción de «verbo harmónico» para referirse a la potencialidad narrativa del cantautor norteamericano. Más allá del artículo, aquel concepto me quedó grabado como una posible forma de crear cierta comunión conceptual entre el formato canción y el ámbito de las artes visuales. Mientras que el verbo sustenta a la palabra, al lenguaje, su concepción harmónica conecta esta narrativa con la carga emocional que se desprende de la música.

El verb harmònic ensaya un planteamiento discursivo en que la canción, y más específicamente la voz musicada, se erige en hilo conductor de una exposición que prioriza la escucha como principal estímulo sensorial, y distribuye los contenidos —los relatos según una secuencia de fragmentos de tiempo breves: las canciones. Canciones que hablan de los lugares y de la gente, del territorio y el paisaje, de fantasías marinas, de la historia de la música e, incluso, del propio contexto del arte contemporáneo.

De este modo, la muestra funciona como un disco en expansión física, con temas de duración corta que van dándose paso y con una aproximación gráfica, plástica, que, como pasa con el diseño de la portada y del material complementario de un álbum, condensa todos aquellos sonidos, todas aquellas historias, bajo un imaginario visual concreto.

El verbo harmónico

Ediciones Originales. 77Magazine: historias verdaderas

77 Magazine es un múltiple de fotografía de Ediciones Originales. La idea de la que nace este proyecto es la del archivo fotográfico, la de la producción «lateral» de imágenes, que casi todos los creadores del campo que sea usan como estudio preliminar de una obra. 77 Magazine pone el acento precisamente en estos preliminares, que son los que alimentan esta colección de fotografías sui generis.

Cada año editamos seis números monográficos, cada uno de ellos dedicado a un autor. Cada número de la revista se compone de cinco imágenes independientes, sin encuadernar, plegadas y presentadas dentro de una carpeta.

En el Centro de Documentación de la Panera presentamos los números de 77 Magazine publicados en 2021.

«77 Magazine. Historias verdaderas»

En el título de la exposición hacemos referencia al film True stories (Historias verdaderas), de David Byrne, de 1986, una película compuesta de fragmentos enlazados que comparten el estar basados en hechos reales.

Los autores de 77 Magazine (2021) (Manel Armengol, Ahlam Shibli, Francesco Careri, AA Bronson y Matthias Herrmann, Vera Chaves Barcellos, Elo Vega y Rogelio López Cuenca) parten de este poso de realidad en la creación de sus imágenes, y se vinculan con la estricta producción fotográfica desde perspectivas tan diversas como el fotoperiodismo, en el caso de Manel Armengol, o la idea de la estética implícita en relación con el trabajo de Vera Chaves. Ahlam Shibli hace de comisaria al proponer, para 77 Magazine, a Aref Massalha, Mohammed Harb y Monther Jawabreh, tres de los participantes en el proyecto In memory of tomorrow, 2020-2021, de la A. M. Qattan Foundation, en Ramallah, Palestina. 

Las seis imágenes de Francesco Careri forman parte de la documentación de acciones llevadas a cabo en París, Roma y Berlín en los años noventa (junto con mapas, dibujos y escritos del proyecto), y fueron tomadas por el colectivo que, en su performance, se desplazó por algunas áreas de estas ciudades. Careri amplía gestos y registros del campo del arte —como el land art, el minimalismo y el arte relacional— a la reflexión cívica sobre la arquitectura. Rogelio López Cuenca y Elo Vega trabajan en una investigación sobre la especulación en la costa del Sol, en Nerja concretamente, de manera que la fotografía en este caso es un instrumento de estudio. Finalmente, AA Bronson y Matthias Herrmann han seleccionado cinco imágenes del proceso de trabajo para su obra The flasher.

Antonio Zuñiga

Identidad tipogràfica: Sabina Chipara

Diseño expositivo: Jordi Cots

Ediciones Originales. 77Magazine: historias verdaderas

MIREIA SALLARÈS. TENIR UNA HISTÒRIA, TENIR UNA RESPONSABILITAT

Esta exposición hace dialogar a dos proyectos de Mireia Sallarès, a través de la noción de historia potencial y de las formas de responsabilidad que hay implicadas. Tal como propone la investigadora de la fotografía y escritora Ariella Aïsha Azoulay, la historia potencial es un ejercicio para desaprender la Historia como nos ha sido transmitida, borrando aquellas experiencias que se han resistido a ello: aquellas que ocurrieron, pero que ni tan solo hemos podido olvidar porque no nos han dejado saber que existían.

Para ello, no solo hace falta que nos neguemos a aceptar tanto los hechos como los relatos que se han fabricado como irreversibles y hacer entrar lo que ha quedado fuera, sino que nos comprometamos con otro relato y deseemos narrarlo. Es por eso por lo que las personas que se comprometen con la historia potencial a menudo no son especialistas del pasado del que hablan. Son aquellas que quieren implicar su vivencia con lo que narran y con nuestro presente.

Este deseo de otra historia que aún no se nos ha contado y en la que queremos implicar nuestra voz es el que vincula la entrevista filmada que Mireia Sallarès hizo a la cineasta estadounidense Jill Godmilow, en 2013, con la película sobre el psiquiatra catalán exiliado en Francia Francesc Tosquelles, realizada en 2021. En ambos proyectos, Mireia Sallarès se enlaza con problemas iniciados y sostenidos por otros. En el caso de Jill Godmilow, el deseo de implicarse en la distribución de filmes políticos, incluso en los límites de la ilegalidad, cuestionando cualquier práctica artística que no se responsabiliza de las condiciones de circulación del propio trabajo. En el caso de Francesc Tosquelles, Mireia Sallarès se enlaza con la desmemoria colectiva de este psiquiatra que, en Catalunya, hoy nos habla del olvido de un legado mucho mayor: el de las experiencias revolucionarias de la República, que vincularon la política con la psiquiatría, el psicoanálisis y la salud mental; también con las patologías del hombre normal.

MIREIA SALLARÈS.  TENIR UNA HISTÒRIA, TENIR UNA RESPONSABILITAT

JINGLE. UN FIL DE VIDA MUSICAL

Jingle. Un hilo de vida musical es una propuesta educativa y performática de Laia Estruch, basada en la invitación a producir, ensayar y presentar en público una pieza de sonido publicitaria que nos represente y nos dé a conocer a los demás a través de nuestra voz.

Esta propuesta educativa toma como punto de partida su primera obra, Jingle, un proyecto basado en una serie de performances y una publicación en forma de álbum musical, concebido en 2011 para La Capella, en el marco de la convocatoria de BCN Producció 2011. El proyecto se movía en torno al gesto de darse a conocer como artista en la ciudad de Barcelona. En su Jingle, Estruch interpretaba variaciones alrededor de una cancioncilla publicitaria inspirada en este ritual de paso. La artista usaba una melodía como declaración de intenciones, una melodía que llevaba años rondándole por la cabeza, en la que insertaba una letra —que básicamente exponía contenido informativo de un evento— para convocar a la audiencia.

Acostumbrados al hecho de que la comunicación de un proyecto de arte se lleve a cabo a través de elementos como la postal u otros documentos impresos, Jingle. Un hilo de vida musical quiere dar un giro radical a este hecho sustituyendo la «palabra impresa» por la «palabra cantada», para presentarnos y darnos a conocer a los demás, a través de nuestras voces y de la invención de nuevas melodías que nos representen. Quiere convertirnos en cantantes por un día, como Laia Estruch hizo en su Jingle: «Hello everyone. My name is Laia Estruch, and I would like to announce…», por lo que (a modo de marketing viral) «Hello everyone…» acabó transformándose en una declaración de intenciones de su obra.

Jingle (voz inglesa utilizada para definir una pieza musical compuesta especialmente para acompañar los anuncios publicitarios. Se caracteriza por ser de corta duración y fácil de recordar.)

Identidad tipogràfica: Sabina Chipara

 

JINGLE. UN FIL DE VIDA MUSICAL

MÁS ALLÁ DE LA Z Y DE LA A. ANEXIONES DESDE EL CÓMIC-ZINE A UN FONDO DE LIBROS DE ARTISTA

Con Raisa Álava, Cynthia Alfonso, Óscar Raña, Marta Cartú, Laura Endy, Andrea Ganuza, Conxita Herrero, Gabri Molist, Klari Moreno, Nada Bien, José Quintanar, Tot x Res, J. F. Vaquero Mata e Irkus (M) Zeberio.

Esta selección, sin ser exhaustiva, quiere representar una introducción a un conjunto de prácticas que se han desarrollado, recientemente, dentro de la escena nacional del cómic autoeditado. El título, Más allá de la Z y de la A, apunta a los límites de lo archivable, a aquello que se escapa de la visibilidad de un marco de clasificación concreto, en este caso, los fondos y colecciones de libros de artistas, como el de la Panera. A su vez, hace referencia a la «z» de zine y a la «a» de arte, en un intento de expandir ambas categorías, y traspasar las propuestas más experimentales que se dan en los espacios del cómic a los espacios del arte contemporáneo.

El fanzine de cómic se ha constituido como un territorio de invención gráfica radical. Su ecosistema natural abarca la autoedición en solitario, el fanzine colectivo, las pequeñas editoriales, los festivales de autoedición y las librerías como Fatbottom, en Barcelona, que son escaparate y archivo de esa práctica. 

Sin embargo, la renovación de forma y contenido que la narración gráfica autoeditada ha experimentado apunta a la creación de un nuevo paisaje, que se muestra más permeable a otros espacios de difusión y recepción tradicionalmente asociados al libro de artista, donde no discriminan entre categorías y acogen, sin distinción, toda esa interesantísima producción global de cómic experimental. 

La renovación a la que me refiero, en lo estilístico, ha propiciado espacio para la decolonización del dibujo respecto a las academias del cómic, algo que la crítica Kim Jooja denomina deskilled comics, una defensa del no saber dibujar, del error y de la mancha. También ha permitido la recuperación y adaptación bastarda de estilos ajenos o la reivindicación de la abstracción en su variante geométrica o gestual. El dibujo y la escritura automática, el uso de la poesía, la deconstrucción de la gramática de la narración visual, el gusto por la intertextualidad y un deseo por la recuperación de la materialidad y el tacto del objeto impreso también forman parte de esta renovación, así como el rescate de técnicas de reproducción como la risografía, el plóter o la fotocopia, así como la exploración de formatos que escapan de lo convencional. 

En lo que respecta a los contenidos, podemos constatar un gusto por explorar y abrazar el delirio en todas sus formas; también se adivina la concreción de una fenomenología de la intimidad, la presencia de los feminismos y, en algunos casos, un acercamiento a lo político —desde posiciones situadas o desde especulaciones varias—. El placer, el humor y una pizca de irreverencia completarían una posible lista de intereses. El conjunto en su potencialidad parece ofrecer un espacio a partir del cual construir otros mundos e imaginarios desde donde apuntalar nuevas subjetividades.

La siguiente selección la forman trece publicaciones que sirven de presentación a trece creadores y colectivos con diferentes recorridos dentro del cómic autoeditado. Resulta muy difícil resumir la producción de cada uno con una sola publicación; aun así, sirva esto de introducción.

 

MÁS ALLÁ DE LA Z Y DE LA A.  ANEXIONES DESDE EL CÓMIC-ZINE A UN FONDO DE LIBROS DE ARTISTA

12A BIENNAL D'ART LEANDRE CRISTÒFOL

ELENA AITZKOA / MAR ARZA / MADDI BARBER / LUZ BROTO / LUCÍA C. PINO / DO THE PRINT / FERMÍN JIMÉNEZ LANDA / LOLA LASURT / MARIONA MONCUNILL / OLGA OLIVERA-TABENI / MARIO SANTAMARÍA / IRENE SOLÀ / MARC VIVES

La Biennal d’Art Leandre Cristòfol es un evento que incluso precede al propio equipamiento del Centre d’Art la Panera. Se celebra cada dos años en la ciudad de Lleida, desde 1997, y en el marco de la Panera desde su creación, en 2003.

El planteamiento de la Biennal no es temático, sino nominal, en tanto que pone énfasis en unos nombres, en la selección de unos artistas, más que en unas obras determinadas. Hay también, por supuesto, una selección cuidadosa de la obra o de las obras con que cada uno de estos artistas es representado en la Biennal, pero podría decirse que estos trabajos quieren ser, sobre todo, un detonante, una circunstancia que invite a revisar el conjunto de la práctica de estos creadores, y que les señale como agentes relevantes de la escena artística presente y futura. Es interesante, sin embargo, que, aunque no se ha escogido cada trabajo atendiendo al conjunto final resultante, sino a su especificidad y al hecho de que fueran obras recientes y relevantes en la práctica de estos artistas, la selección final evidencia numerosos puntos de conexión, intersección y diálogo entre las piezas. A excepción de algunos trabajos fechados con anterioridad, el conjunto de las obras presentadas ha sido realizado entre 2019 y 2021, un tiempo que coincide en gran parte con el de la crisis pandémica. A pesar de haber sido concluidas en este período, las obras son el resultado de intereses y procesos de investigación y trabajo de largo recorrido, iniciados antes de la pandemia. Los proyectos expuestos no son reactivos, no ofrecen comentarios explícitos a la crisis que se inició poco después de la celebración de la anterior edición de la Biennal —y que posiblemente se prolongará más allá del final de la actual edición—, y, aun así, el conjunto de los trabajos presentados dibuja, sin pretenderlo, ciertas temáticas y líneas discursivas que resultan especialmente significativas para pensar el momento presente y anticipar cuestiones que continuarán siendo relevantes en un futuro próximo.

Este año, y de acuerdo con los cambios que se implementaron hace un par de ediciones, la Biennal ha sido comisariada por un equipo formado por dos comisarias independientes, Alexandra Laudo y Soledad Gutiérrez, junto con Cèlia del Diego, directora del centro. También han participado en la selección los responsables del proyecto Javelina —Jordi Antas, Roc Domingo y Antoni Jové—, encargados de escoger a un artista del territorio entre los que integran el archivo del proyecto, y la responsable del Centro de Documentación —Anna Roigé–, que vela por la presencia de las artes gráficas y la edición en la muestra y selecciona un proyecto editorial, que se incorpora al fondo de ediciones especiales y libros de artista de la Panera.

12A BIENNAL D'ART LEANDRE CRISTÒFOL

ADRIÀ JULIÀ. UNA FLOR BLANQUISSIMA

El título del proyecto alude a una descripción aparecida en el Códice florentino de Bernardino Sahagún (1499) —misionero franciscano que narra, en náhuatl, la vida de los habitantes originarios de Nuevo México antes de la colonización española—, que hace referencia a unos ornamentos indígenas hechos con palomitas de maíz.

La pieza Popcorn (2012) se articula a partir de un largometraje realizado con material promocional de la empresa de fotografía óptica Photron. La película de Adrià Julià prolonga hasta noventa minutos el clip originario de doce segundos, en el que un grano de maíz estalla a velocidad ralentizada. Esta coreografía más violenta que poética adopta cierto sentido metafórico, pues resulta difícil no asociarla a todo tipo de destrucciones. Dos pósteres completan la instalación.

America’s Sweethearts (2021) es un trabajo que explora el fenómeno del cierre de salas cinematográficas durante los últimos tiempos. Adrià Julià ha extraído diversas partes de la moqueta que tapaban el suelo de un cine en desuso. Con ellas ha cubierto el pavimento del espacio expositivo. La recuperación de dicho elemento, el nuevo estatuto y el régimen de uso que el artista le otorga suponen, simultáneamente, un ejercicio de arqueología, un gesto restitutivo y, por último, una metonimia de hacia dónde irán los ocios industrializados.

ADRIÀ JULIÀ. UNA FLOR BLANQUISSIMA

LÚA CODERCH. LA TACA. UNA BREU HISTÒRIA DE LA DESORIENTACIÓ.

Existen formas de desorientación que no se relacionan tanto con encontrar o buscar una dirección en el espacio o el tiempo como con la experiencia de una pérdida de sentido más difusa y profunda. Uno de los motivos de esta desorientación deriva del desajuste que se produce al comprobar que los relatos que estructuran nuestras vidas son una suerte de profecías contemporáneas, caducas pero vigentes, que nunca terminan de cumplirse de manera satisfactoria. La noción de «mancha» que utiliza Lúa Coderch se refiere precisamente a esta experiencia de desorientación y de desencaje que se vive como individual, pero que en realidad es compartida, y que nos pertenece más que ninguna otra cosa. Los dos capítulos del vídeo que se presentan en la exposición, incluidos en un proyecto más amplio titulado «Palacio de viento», actualizan y modifican elementos narrativos de la mitología y el teatro griegos. Aquí vemos un viaje nocturno y solitario en el que su protagonista es interceptada por tres personajes, una suerte de sirenas que componen un coro, que le plantearán la urgencia de implicarse en la búsqueda de una forma de orientación. A cambio, ofrecerán respuestas, si bien contradictorias, a preguntas que ella no ha elaborado del todo. La exposición propone una dirección cuyo sentido está por resolverse en el futuro, así como una serie de elementos físicos que expanden el relato a otros soportes materiales dentro del espacio.

Sonia Fernández Pan

LÚA CODERCH. LA TACA. UNA BREU HISTÒRIA DE LA DESORIENTACIÓ.

ITZIAR OKARIZ. RESPIRACIÓ OCEÀNICA

Una producción del Centre d'Art la Panera con la colaboración de Fundación Santander

El espacio miniPanera presenta «Itziar Okariz. Respiración oceánica», una de las producciones del proyecto Encaixa’t 2021, un programa educativo de producción artística y de residencia, en el que formación y artistas se combinan para crear una propuesta dirigida especialmente al primer ciclo de educación infantil (de 0 a 3 años) y para todos los públicos.

Itziar Okariz es una artista multidisciplinar que proviene del mundo de la performance y del sonido. En esta ocasión ha hecho una adaptación de una de sus prácticas performáticas, Ujjayi. Ujjayi es un tipo de respiración que se realiza en las prácticas del yoga, del que Okariz es instructora. El significado de la palabra es ‘yo victorioso’; normalmente se traduce como ‘respiración oceánica’, porque esta es la imagen que genera. En el ámbito sonoro, la pieza acoge el coro de dos respiraciones que, de forma alternada y en un ritmo de menos a más, nos recuerda el murmullo de las olas de los mares y océanos. Okariz nos invita, a través de los sonidos más profundos, a adentrarnos en nuestra imaginación creando escenarios acuáticos que nunca se paran, que están en constante movimiento. La pieza irá acompañada de una serie de ilustraciones que hacen referencia al movimiento corporal realizadas por su hija Izar Ocariz.

Su intención es trasladar, a través de nuestro cuerpo, la escucha del sonido a la dimensión física. Esta vez, en el espacio miniPanera, experimentaremos con nuestro cuerpo, y sobre todo con la respiración. Pondremos especial atención a la representación de esta a partir de diferentes materiales y lenguajes que habrá en el mismo espacio.

El espacio se complementa con una selección de publicaciones infantiles que hacen referencia a la práctica del yoga con niños y al mundo de los océanos. Esta aportación bibliográfica es gracias a la colaboración de la Biblioteca Pública de Lleida.

 

ITZIAR OKARIZ. RESPIRACIÓ OCEÀNICA

EL ALMUD DE CADA UNO. CANICHE

Siguiendo la línea expositiva del Centre de Documentació de la Panera, presentamos una exposición de la editorial Caniche, creada en 2015 por Carlos Copertone y Patxi Eguiluz. Como indican sus responsables, Caniche nace con el propósito de dar visibilidad a propuestas que, de otro modo, no serían accesibles al público, intervenciones a las que ellos llaman asaltos. Acciones convertidas en libros o libros convertidos en acciones.

Sus ediciones no presentan un diseño común, ni un patrón determinado, ni una temática concreta. Cada edición es un proyecto completamente nuevo, diferente y singular que entrelaza arquitectura, diseño, arte, escritura, fotografía, instalación o performance.

Presentan ediciones de artistas como Mateo Navarro, Paula García-Masedo, Guillermo Mora, Nacho Canut / Alaska, David Bestué, Husos, Martín-Gamero, Cai Tomos + Debajo del Sombrero, Karlos Martínez B. y Javier Arbizu, Andrés Fernández, Yolanda Andrés, Rafa Munárriz, Javier Codesal, Cerralbo Santomá, Carlos Irijalba, Cristina Garrido, Txomin Badiola, Elena del Rivero, Antonio Ballester Moreno y Moises Puente.

Con este tipo de muestras se pretende dar apoyo y difusión a las publicaciones especiales, a los libros de artista y a las editoriales que, como Caniche, los editan, y por eso la Panera les dedica un espacio para su presentación.

Por otro lado, de esta forma también va aumentando el fondo especial de la Panera, iniciado en 2004 y que cuenta ya con más de 1.000 ediciones.

EL ALMUD DE CADA UNO. CANICHE

David Bestué. Pastoral

En «Pastoral», David Bestué adopta técnicas de procesado industrial para cuestionar la capacidad de representación de la escultura. La exposición presenta piezas de reciente y nueva producción que integran en su composición elementos vinculados al territorio, pero también obras de autoría diversa. El conjunto establece un marco temporal amplio que incide en cuestiones como los procesos de conservación y la relación entre tiempo y materia.

David Bestué situa en el centro de su investigación lo que él llama grado cero. El grado cero es el resultado de procedimientos que alteran la composición de un cuerpo sólido y lo reducen a partículas. Con esta operación, Bestué anula las funciones expresivas del objeto y restringe sus cualidades formales a propiedades como el peso o la consistencia.

A la vez, este retroceso formal o «empobrecimiento de la forma» pone en duda la capacidad descriptiva de los materiales que, tras ser procesados, solo pueden manifestarse disgregados o compactados. Su inconsistencia e inestabilidad dificultan su registro visual y reducen su representación a formas de circulación y suspensión, a su concentración y atomización. Bestué emplea moldes para otorgar una nueva estructura a estos materiales en bruto, que de este modo recobran su corporeidad y establecen una nueva relación con el espacio.

La consecuencia principal de este proceso es que se produce una merma significativa entre el objeto y su enunciado. Pero ¿puede la palabra restaurar una presencia? ¿Puede la trazabilidad de un material soportar el peso de una imagen? Además de interferir en su forma, ¿en qué modo el proceso de conservación altera los significados?

«Pastoral» describe dos modelos de presencia que se manifiestan en el plano material: el de un «presente que pasa» y el de un «pasado suspendido en el tiempo». Ambos modelos se sustentan en los principios de orden y organización, criterios que aplicamos para determinar qué debe ser conservado y qué debe ser desechado. Situada en el centro de esta metódica estructura, la materia se revela como un agente colaborador que actúa de forma ambivalente: mientras que con su solidez contribuye a avivar la memoria, con su precariedad deroga el recuerdo.

David Bestué. Pastoral

LLUM ARTIFICIAL

La implementación de un sistema estable de luz eléctrica permitió erosionar la contraposición entre el día y la noche, y también la diferenciación entre las actividades y actitudes asociadas a cada una de estas franjas horarias, en especial las relativas a la actividad y al trabajo frente al tiempo de sueño y reposo.

En la actualidad, la gran penetración social de las tecnologías sin cable y la cultura de la hiperconectividad han exacerbado estas lógicas, y han impuesto un modelo de operatividad y de trabajo constantes.

Pero aun antes de que se implementara la luz eléctrica ya existían numerosas variantes de luz artificial, tanto materiales como simbólicas. El fuego, los sueños, el insomnio, las visiones, las apariencias o incluso las imágenes no dejan de ser formas de luz que participan en el artificio.

Exposición en línea #13

LLUM ARTIFICIAL

David Bestué. Abril que fas florir les roses...

Abril que fas florir les roses… es el inicio de uno de los últimos versos del poema Un altre abril (1938), de Màrius Torres. Con estas palabras, la fotografía, Barra y aro (mueble y jarrón) 2015, y el molde Manzana, Ciprés, Barca y Barranco 2021 nos acercamos al proceso escultórico de David Bestué; en el que la poesía ha sido siempre un referente que lo acompaña. Bestué no modela, ni talla la materia para hacer escultura, sino que se centra en el vaciado de los objetos reales que recoge en sus paseos. Sus moldes los rellena con materiales polvorizados que provienen de estos objetos, para crear una nueva forma, que no tiene por qué tener relación directa con el objeto inicial. Este saber hacer suyo lo define como la acción de llevar a cabo un «poema sin palabras», donde pone en juego la manipulación de los materiales creando nuevas formas y nuevos significados, nuevas relaciones a menudo afectivas y emocionales con el territorio. Su intención es llevar el lenguaje a la dimensión física, a través del material y las texturas. Con esta premisa, en el espacio miniPanera reflexionamos a partir de la observación y la experimentación sobre los diferentes materiales, poniendo especial atención en sus texturas y olores, que nos evocarán recuerdos o pensamientos a los que daremos una nueva forma. El espacio se complementa con una selección de publicaciones de poesía infantil. Finalmente, nos podremos llevar una bolsita con arcilla y semillas para hacer florecer nuestra primavera.

El espacio se complementa con una selección de publicaciones de poesía infantil gracias a la colaboración de la Biblioteca Pública de Lleida. Al final, nos podremos llevar una bolsita con tierra y semillas para hacer florecer nuestra primavera.

David Bestué. Abril que fas florir les roses...

LARA ALMARCEGUI. GRAVES

Yuxtaponiendo dos nuevos proyectos, la exposición «Graves» de Lara Almarcegui ofrece una perspectiva geológica de la zona de Lleida y la llanura del río Segre a través de la relación entre el entorno construido y el extenso cinturón montañoso de los Pirineos, formado hace entre 80 y 20 millones de años cuando la península ibérica chocó contra el resto de Europa.

Roques i materials de la serralada dels Pirineus  es una respuesta a la pregunta: ¿qué cantidad de qué rocas y materiales constituyen los Pirineos? Se ha obtenido la respuesta con la colaboración de geólogos a través de una compleja serie de aclaraciones, cálculos y modelado en 3D. ¿Dónde empiezan y terminan los Pirineos? ¿Cuál es el grado de detalle deseable?

Gravera se pregunta: ¿qué posibilidades empiezan a aparecer cuando se detiene la excavación de una cantera? Más concretamente, ¿qué ocurre cuando La Plana del Corb, el complejo industrial de Sorigué cerca de la localidad de Balaguer, deja de funcionar durante un día? La respuesta adopta la forma de un día de puertas abiertas en la cantera el 19 de febrero de 2021 durante el cual los visitantes experimentan este lugar habitualmente bullicioso y ruidoso como un lugar de contemplación, así como un vídeo que presenta documentación de la misma cantera congelada en el tiempo.

Entre estos dos nuevos proyectos de Almarcegui la complicada sima del centro de arte y sus paredes de piedra sugieren un imaginario estratigráfico dominado por la lenta violencia de la transformación morfológica de la Tierra contrapuesta al carácter temporal de la construcción artificial.

– Latitudes

Una producción del Centre d’Art la Panera, con la colaboración de la Fundació Sorigué y el Centro de Arte y Naturaleza de Huesca

LARA ALMARCEGUI. GRAVES

HEY WE ARE

Geometría, color y tipografía directos. Así podríamos definir a Hey, un estudio creativo con sede en Barcelona, desde 2007, con Verónica Fuerte al frente. Trabaja mayoritariamente en proyectos de diseño gráfico, ilustración y tipografía, teniendo en cuenta todos los procesos del diseño y evolucionando y adaptándose continuamente para hallar nuevas ideas.

HEY WE ARE

Línies vermelles. La censura en la colección de Tatxo Benet

La exposición de una selección de las piezas de la colección Censored, de Tatxo Benet, en el Centre d’Art la Panera pretende no solo incidir en la visualización de las atrocidades que, por motivos distintos, se han ocultado en diferentes puntos del mundo, sino visualizar, a modo de reto, la propia censura en tanto que atrocidad. Más que un fantasma procedente de los antiguos regímenes totalitarios o de la remota Santa Inquisición, la complejidad que presenta la censura en las sociedades contemporáneas hace necesario afinar en la comprensión de su multiplicación de caras.

Abel Azcona / Amina Benbouchta / Jordi Benito / Clemente Bernad / Zoulikha Bouabdellah / David Černý / Fabián Cháirez / Colectivo Mujeres Públicas / Charo Corrales / Zehra Doğan / Ines Doujak / Mounir Fatmi / León Ferrari / Joan Fontcuberta / Daniel García Andújar / Núria Güell / Levi Orta / Jani Leinonen / Natalia LL (Natalia Lach-Lachowicz) / Robert Mapplethorpe / Eugenio Merino / Marta Minujín / Antoni Muntadas / Yoshua Okón / Pablo Picasso / Oliver Ressler / Larissa Sansour / Kim Seo-kyung i Kim Eun-sung / Andrés Serrano / Santiago Sierra / Antoni Tàpies / Ai Weiwei i David Wojnarowicz

Una producción del Centre d'Art la Panera y Censored, con la colaboración del Museu de Lleida.

Línies vermelles. La censura en la colección de Tatxo Benet

Entre las páginas se escurre el tiempo

El tiempo es uno de mis intereses como artista y, al pensar la selección de libros para esta exposición, he querido buscar publicaciones que, para mí, tuvieran una relación con este concepto desde múltiples perspectivas. ¿Cómo envejecen los libros o los proyectos? ¿Cómo atraviesa el tiempo las páginas de los libros o queda detenido, representado, en ellas? ¿Cómo se hace el tiempo en palabras, imágenes, papeles? La selección podría ser muy amplia, ya que todo libro (entre las muchas definiciones de libro) no deja de ser, esencialmente, un contenedor de tiempo. La publicación más antigua del Fondo de ediciones especiales y libros de artista de la Panera (hablo de la fecha de publicación, no de incorporación) es la CAPS.A. (núm. 2), de 1982, con obras de Lola Albarracín, JM Calleja, Jordi Cuyàs y Jaume Simón, y la más reciente, The quick brown fox jumps over the lazy dog, de Ferran elOtro, de 2020. Pero no hablaré de ellos.
 
Me resulta muy interesante lo que pasa cuando tenemos un libro en las manos. Es como sostener un fósil: el tiempo del pasado se actualiza en el presente. El tiempo de una cosa pasada (un proyecto, una imagen, un texto que quedaron encapsulados en una determinada forma) se hace de golpe presente  en tu presente. Un trozo de (otro) tiempo que se mete en tu tiempo  te suspende, crea un espacio en el que puedes sentir que hay otro tiempo que sigue delante de ti, pero tú, en este momento, eliges no seguir su curso; estás en otro tiempo.

Exposición en linea #12

Forever, Dora García

247 mois / 247 jours, On Kawara

White Pages, Ignasi Aballí

Almost There, Aleix Plademunt

Escanografías, June Crespo

Rendición de la hora, Isidoro Valcárcel Medina

Equation of Time, Serafín Álvarez

Pronóstico del tiempo para el 20 de febrero de los próximos 100 años, Daniel Jacoby

Agenda de caducidad de los tiempos drásticos, Javier Peñafiel

En el fondo nada ha cambiado, Martín Vitaliti

Goodbye, Oriol Vilanova

Entre las páginas se escurre el tiempo

Reirse de uno mismo

Desde el Centre de Documentació de la Panera se lleva a cabo un proyecto expositivo que se puede ver exclusivamente a través de la red y que, este año 2020, irá a cargo de Javier Martín-Jiménez, comisario de exposiciones y gestor cultural. Se trata de una iniciativa que permite activar y difundir el fondo de ediciones especiales y publicaciones de artista de que dispone la Panera.


«Reírse de uno mismo» es un breve repaso a las publicaciones de artistas y comisarios que utilizan el lenguaje habitual de trabajo para hacer una crítica, entre otras cosas, a la estructura del mundo del arte, a la función del artista, a la mistificación del arte, al valor de las obras o al poder de las instituciones. En resumen, reírse del mundo del arte del que son partícipes y cómplices.


En 2004, coincidiendo con la 4a Biennal d’Art Leandre Cristòfol, se decidió incluir por primera vez las publicaciones de artistas en la Biennal. A partir de entonces, podemos decir que empezó a reunirse el fondo de las publicaciones. Aunque a menudo se las ha considerado material secundario, en ocasiones han sido el embrión de muchas propuestas creativas.

Muchas veces, estos materiales quedan en un segundo plano, como complemento de otras exposiciones. En la Panera, lo que hemos intentado es que no sean un complemento, sino el plato principal.
Se trazaron unas líneas temporales y geográficas que son las que se mantienen aún hoy, y que han marcado y marcan el futuro de la colección. Se trata de documentación impresa realizada por artistas en el contexto catalán y español, desde comienzos de los años noventa hasta hoy, a parte de una inclinación hacia lo que podríamos llamar repertorios y proyectos, que se pueden agrupar dentro de colecciones o conjuntos. Colecciones de una misma editorial o conjuntos de publicaciones que se agrupan dentro de un mismo formato, como por ejemplo postales, adhesivos, juegos de cartas, etc.

Dada la dimensión que está adquiriendo el fondo de ediciones especiales del Centre, utilizamos este formato expositivo para darlo a conocer. Y, para ello, ofrecemos a distintos comisarios externos la posibilidad de trabajar sobre el fondo de publicaciones, de hacer una selección de este y presentar, mediante sus palabras, el proyecto que han decidido llevar a cabo. Con este programa expositivo, queremos difundir un aspecto de la creación contemporánea que a menudo es visto como algo marginal, a pesar de que hoy demuestra una efervescencia creativa muy significativa.

Exposición en línea #11

Reirse de uno mismo