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Exposiciones

Norte-Sur. Consuelo Bautista + Valeriano López

acultat de ciències de l’educació. UdL

La presente muestra recoge las obras de los artistas Consuelo Bautista y Valeriano López, ambos artistas contemplan las relaciones que se producen entre norte y sur, entre los países que se consideran desarrollados y subdesarrollados. Estas relaciones van totalmente ligadas con el proceso de traslado, es decir los viajes que las personas tienen que afrontar paraconseguir sus deseos de iniciar una nueva vida en otro país y cultura diferente a la suya. Norte-Sur también refleja los restos de estos viajes, unos traslados en condiciones difíciles y peligrosaspero que son la alternativa a nuevos proyectos de vida.

El ciclo Norte-Sur concluirá con una exposición de Rogelio López Cuenca.

Consuelo Bautista (Colómbia)
Los invisibles, 2001-2004
Fotografia b/n sobre papel de periódico
En la serie fotográfica titulada Los invisibles, Consuelo Bautista otorga todo el protagonismo a la ausencia. Las imágenes,presentadas en edición impresa sobre papel de periódico, muestran el rastro de personas, que dejando atrás su tierra, buscan a través del mar un destino mejor. Las instantáneas han sido tomadas desde la costa de Tarifa, y muestran sólo la parte material de un exilio forzoso. Estos restos de objetos evocan la pobreza como principal motivo de las migraciones desde África, al tiempo que sutilmente plantean la invisibilidad de todas las personas que tienen que vivir estas situaciones.

Valeriano López (Huéscar, Granada, 1963)
Estrecho Adventure, 1996
Vídeo 6’22’’
Este trabajo de Valeriano López se centra en una problemática social muy actual: la migración de la gente proveniente de países desfavorecidos económicamente o en conflicto armado. La búsqueda de nuevas oportunidades para la gente de las naciones del norte de África se concibe como hilo argumental de este vídeo, que se presenta como un videojuego de plataformas. A través de los diversos niveles, el protagonista-un joven marroquí-deberá salvar las distancias y los obstáculos que le separan de la, supuestamente, utópica Europa.

Norte-Sur. Consuelo Bautista + Valeriano López

Anuméricos

Los números son realmente más importantes de lo que imaginamos; todo lo que nos rodea tiene alguna relación con ellos. Desde la antigüedad el ser humano ha agudizado el ingenio para contar; hoy es la tecnología quien resuelve todos nuestros problemas matemáticos diarios. ¿Esto nos convierte en seres «anuméricos»? ¿Hemos dejado de contar?
Os invitamos a pensar en ello, para que, todos juntos, intentemos adivinar este jeroglífico que son los números naturales.

Anuméricos

Contextos en desuso. Estrategias para habitar el espacio de otro.

En esta  exposición se presenta la colección completa del Centre d’Art la Panera como parte de un tejido de vínculos, acontecimientos, encuentros, accidentes, casualidades y asociaciones que no tiene o no quiere tener pretensión objetiva. Las obras tendrán una presencia real en la exposición o estarán presentes a través de un complejo entramado documental. Esta relectura de la colección se ha encargado a RMS, La Asociación una agencia de producción cultural que trabaja  en el comisariado, la gestión y producción de proyectos artísticos.

Contextos en desuso. Estrategias para habitar el espacio de otro.

Contextos en desuso. Estrategias para leer el espacio del otro

La exposición Contextos en desuso amplía su ámbito de análisis y relaciones en las publicaciones especiales que a lo largo de estos años ha ido coleccionando el Centro de Documentación de La Panera.

Contextos en desuso. Estrategias para leer el espacio del otro

Ignacio Uriarte. Works

Esta exposición nos permitirá descubrir con profundidad el trabajo de Ignacio Uriarte (Krefeld, Alemania, 1972), que a estas alturas ya presenta una sólida trayectoria. Es un artista deudor del minimalismo y del arte conceptual; ahora bien, su singularidad es fruto de la capacidad para revisar y dilatar el legado de estos movimientos de los años sesenta y setenta. El artista se ha autoimpuesto una serie de materiales limitados —herramientas, objetos de oficina y todo tipo de actividades laborales repetitivas y rutinarias, con referencia a una experiencia vital anterior— y una metodología basada en la acción reiterada y mecánica. La materialización de su trabajo, sin embargo, no cae en la frialdad y el hermetismo, sino que reivindica la manualidad a la vez que incorpora un carácter táctil. Conceptualmente son propuestas cargadas de ingenio y audacia, fruto de una gran pericia y perseverancia. Al mismo tiempo, Uriarte pone en juego múltiples técnicas (dibujo, escultura, instalación, fotografía, vídeo…), que contribuyen a enriquecer un discurso propio y autorreferencial con lo vivido y con el medio artístico.

Exposición coproducida con la Sala Rekalde, Bilbao. Diputación Foral de Bizkaia.

Actividad realizada con la ayuda del Ministerio de Cultura

Ignacio Uriarte. Works

Sonidos gráficos

Tipografías, fotografías, ilustraciones, colores singulares, formatos especiales e ideas sugerentes, son palabras que nos vienen a la cabeza cuando hablamos de sonidos gráficos.

El diseño y la música siempre han ido de la mano. La industria musical y el packaging siempre han permanecido unidos. Un CD, un vinilo, etc., se revaloriza al cabo de los años, pero no sólo por la música que contiene, sino también por su envoltorio.

Es tan importante el diseño de las portadas que incluso muchos artistas, ilustradores y diseñadores se han especializado en este terreno.
El caso es no dejar un disco recién comprado en la estantería, o en una caja; tiene que ser distino del resto, especial, no sólo una caja de plástico que contenga música. Las compañías discográficas han tenido que buscar nuevas vías para incitar a los consumidores a comprar productos musicales, y más hoy en día, con la popularidad de las descargas musicales.

De esta forma, el packaging se ha convertido en un nuevo soporte para el arte. Cada «caja» es como una pequeña obra de arte que podemos tener en nuestra casa y, a la vez, es una manera de diferenciarlos los unos de los otros, una nueva manera de reflejar la actualidad y, sobre todo, la música que contienen y, en definitiva, nuestros tiempos.

En esta pequeña muestra podemos ver como diferentes artistas, fotógrafos, ilustradores, diseñadores… han creado algunas de las portadas de los discos que podemos escuchar actualmente.

Javier Aramburu-Le Mans, La Buena Vida / Albert Aromir - Bedroom / Txarly Brown - Makala / Chris DeLorenzo - The Mighty Fools / ferranElOtro - Tu madre / Folch Studio - Mishima / Inocuo -Sólo Los Solo / Latipa - Cabo San Roque / Gérard Lo Monaco - Mañana Music / Jorge Primo - Dotore, Rutina Idiosincrásica / Rafamateo - Cosmosound2 / Juanjo Sáez - Los Carradine / Setanta - Joe Crepúsculo / Sixis - Chop Suey / SOPA Graphics - Vargas / Àlex Trochut - Rolling Stones / Vasava - Chop Suey, Pau Torres / Xocoa - Gigi el Amoroso / Pau Riba

Naive / Sones / Vanessa Pellissa / g3grecords

Escucha la exposición a LaPaneraSound (Spotify)

Sonidos gráficos

¡Los más pequeños visitan La Panera!

La presente exposición, Los más pequeños visitan la Panera es fruto del trabajo conjunto entre el Centro de arte la Panera y las Escuelas Infantiles Municipales de Lleida. Este es un proyecto que se inició en el año 2004, por la inquietud de algunas escuelas de querer visitar un nuevo recurso comunitario que se había inaugurado en la ciudad. En estos momentos ya llevamos seis ediciones consecutivas, en las que, durante los meses de primavera, una vez pasado el periodo de adaptación a la escuela, los niños y niñas de 1 y 2 años visitan el Centro de Arte. La Panera se presenta como recurso comunitario de la ciudad, el cual se ha convertido en un agente colaborador en el ámbito de la educación y las familias.

¡Los más pequeños visitan La Panera!

¡Los más pequeños visitan la panera!

Museu de la Paeria

La presente exposición, Los más pequeños visitan la Panera es fruto del trabajo conjunto entre el Centro de arte la Panera y las Escuelas Infantiles Municipales de Lleida. Este es un proyecto que se inició en el año 2004, por la inquietud de algunas escuelas de querer visitar un nuevo recurso comunitario que se había inaugurado en la ciudad. En estos momentos ya llevamos seis ediciones consecutivas, en las que, durante los meses de primavera, una vez pasado el periodo de adaptación a la escuela, los niños y niñas de 1 y 2 años visitan el Centro de Arte. La Panera se presenta como recurso comunitario de la ciudad, el cual se ha convertido en un agente colaborador en el ámbito de la educación y las familias.

¡Los más pequeños visitan la panera!

Relatos encadenados

Nueva presentación de una selección de obras que provienen de las adquisiciones efectuadas gracias a las siete ediciones de la Bienal de arte Leandre Cristòfol, que desde 1997 se ha organizado en Lleida ininterrumpidamente. Una tarea continua que ha permitido reunir una importante colección de aquellos artistas significativos que tanto en Cataluña como en el resto del Estado español han contribuido a definir la situación artística durante las dos últimas décadas. La selección de obras para esta ocasión sitúa en igualdad de condiciones piezas importantes y significativas con publicaciones y ediciones provenientes del fondo del Centro de Documentación de La Panera, con la voluntad de poner de manifiesto la relevancia que tiene este fondo documental dentro del programa artístico de nuestro centro de arte.

Las obras seleccionadas pertenecen a los siguientes artistas:
Antoni Abad, Ignasi Aballí, Consuelo Bautista, Raimond Chaves, Jordi Colomer, Cabello / Carceller, Ricardo Cotanda, Patricia Dauder, Patricia Esquivias, Daniel García Andujar, Daniel Jacoby, La Ribot, Valeriano López, José Maldonado, Mabel Palacín, Javier Peñafiel, Josu Rekalde, MP & MP Rosado, Francisco Ruiz de Infante y Eulàlia Valldosera.

Relatos encadenados

Gustavo Marrone. No apagar la luz

No apagar la luz es parte de un archivo que voy construyendo desde hace años; los «documentos» de este archivo son de mi autoría. Lo entiendo como una acción privada que se va formando en el tiempo, sin un plan determinado. Son dibujos inmediatos, ideas, apuntes, gestos y reacciones. El texto numerado y extendido a lo largo de esta presentación–publicación es el de una performance que escribí en Barcelona a dos voces y que realicé en Buenos Aires en el 2007. El conjunto me documenta y representa. El material presente fue realizado sobre hojas de libretas, cuadernos viejos, hojas encontradas, de tamaños pequeños, y, en general, están arrancadas de sus soportes originales.

Gustavo Marrone. No apagar la luz

Gustavo Marrone. No apagar la luz

No apagar la luz es parte de un archivo que voy construyendo desde hace años; los «documentos» de este archivo son de mi autoría. Lo entiendo como una acción privada que se va formando en el tiempo, sin un plan determinado. Son dibujos inmediatos, ideas, apuntes, gestos y reacciones. El texto numerado y extendido a lo largo de esta presentación–publicación es el de una performance que escribí en Barcelona a dos voces y que realicé en Buenos Aires en el 2007. El conjunto me documenta y representa. El material presente fue realizado sobre hojas de libretas, cuadernos viejos, hojas encontradas, de tamaños pequeños, y, en general, están arrancadas de sus soportes originales.
Gustavo Marrone

Gustavo Marrone. No apagar la luz

R+R+R

Los Servicios Educativos de la Panera plantean una exposición a partir de una única obra de la colección, Calaixera de Curro Claret. Los dossier educativos que hemos planteado hasta ahora, en esta ocasión expanden en el espacio expositivo, la metodología y los múltiples referentes que se pueden generar en torno a una obra. De entrada, la pieza de Curro Claret nos obliga a reflexionar sobre las relaciones entre los diseño industrial y las artes visuales, y preguntarnos si todavía quedan fronteras entre ambas disciplinas, desde el momento que un diseñador se plantea cuestiones que van más allá de la eficiencia industrial y la rentabilidad económica y por el contrario propone en sus obras cambios de conciencia y de actitud vital. Curro Claret con su pieza nos invita a pensar en las tres R de (Reciclar, Reutilizar y Reducir) y en un momento de crisis como el actual, estos conceptos aún tienen más vigencia. Después de años de despilfarro es necesario que valoremos en qué medida podemos reutilizar todo aquello que nos rodea y poseemos, y hasta qué punto podemos reducir nuestros niveles de consumo y de producción, que en última instancia generan los excesos que colapsan nuestro mundo a nivel económico y medioambiental. En este sentido hemos querido contextualizar la pieza de Curro Claret con otros artistas visuales, diseñadores, arquitectos, ilustradores, ...que nos sugieren de forma directa o indirecta un replanteamiento de nuestra cotidianidad, y en algunos casos, de nuestra vida.

R+R+R

Relatos encadenados

Nueva presentación de una selección de obras que provienen de las adquisiciones efectuadas gracias a las siete ediciones de la Bienal de arte Leandre Cristòfol, que desde 1997 se ha organizado en Lleida ininterrumpidamente. Una tarea continua que ha permitido reunir una importante colección de aquellos artistas significativos que tanto en Cataluña como en el resto del Estado español han contribuido a definir la situación artística durante las dos últimas décadas.
La selección de obras para esta ocasión sitúa en igualdad de condiciones piezas importantes y significativas con publicaciones y ediciones provenientes del fondo del Centro de Documentación de La Panera, con la voluntad de poner de manifiesto la relevancia que tiene este fondo documental dentro del programa artístico de nuestro centro de arte.

Las obras seleccionadas pertenecen a los siguientes artistas:
Antoni Abad, Ignasi Aballí, Consuelo Bautista, Raimond Chaves, Jordi Colomer, Cabello / Carceller, Ricardo Cotanda, Patricia Dauder, Patricia Esquivias, Daniel García Andujar, Daniel Jacoby, La Ribot, Valeriano López, José Maldonado, Mabel Palacín, Javier Peñafiel, Josu Rekalde, MP & MP Rosado, Francisco Ruiz de Infante y Eulàlia Valldosera.

Relatos encadenados

La Panera en Red: Zona Baja. «Paisajes Segregados»

A partir de obras de Lara Almárcegui, Basurama y Jordi Bernadó
UdL, Facultad de Ciencias de la Educación

A lo largo del siglo XIX los románticos, primero, y los pintores de la escuela de Barbizon, después, reivindicaron el paisaje en sus obras, como nunca se había hecho a lo largo de la historia del arte. Actualmente, es difícil sostener una mirada tan idealizada sobre el paisaje; los entornos naturales que inspiraron a los artistas del pasado en muchos casos están en peligro de desaparecer. En este sentido, los artistas actuales se enfrentan al paisaje desde posicionamientos críticos que nos alertan de su sobreexplotación y de los malos usos urbanísticos. Así, Lara Almárcegui nos advierte sobre los espacios abandonados de nuestras ciudades y nos invita a ocuparlos y reconvertirlos en huertos o jardines urbanos. Jordi Bernadó fotografía nuevos usos de los espacios urbanos marginales que están a medio camino entre la desaparición del entorno natural y la trama urbana. Finalmente, Basurama denuncia el colapso inmobiliario y medioambiental de las llanuras de Castilla-La Mancha. En todos los casos, el territorio se ha consumido a una velocidad exagerada, y el paisaje, inevitablemente, se ha visto afectado.

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La Panera en Red: Zona Baja. «Paisajes Segregados»

9ª Jornadas de Puertas Abiertas

Como cada año, es una actividad que tiene como objetivo mostrar las producciones artísticas y los trabajos generados por esos centros y entidades que han seguido durante el curso nuestras propuestas expositivas. Los trabajos que se presenten tienen que estar relacionados con las exposiciones de las que se va a ocupar esta 9ª Jornada de Puertas Abiertas: «Imágenes y Sonidos en Extinción»; «Medianoche en la Ciudad», comisariada por José M. Cortés; «Un(Inverse)», de Txuspo Poyo; «Ejercicios de Memoria», comisariada por Juan Vicente Aliaga; «Fin de Silencio», de Carlos Garaicoa, y «La Cuestión del Paradigma», comisariada por Manuel Segade.

9ª Jornadas de Puertas Abiertas

Campo magnético

Dentro de la programación expositiva del Centre de Documentació de la Panera, venimos haciendo exposiciones sobre piezas que a menudo responden a formatos más híbridos e incluso contaminados. La selección de estos distintos formatos nos evidencia que estamos viviendo en una situación de renovación, vitalidad, incorporación de las nuevas tecnologías, nuevos canales, etc. Una nueva forma de hacer que el arte llegue a todo el mundo y que rompa con las ediciones limitadas, firmadas, numeradas… Otra forma de conseguir una mayor distribución y consumo artístico.
Este verano, en el Centre de Documentació de la Panera queremos crear un campo magnético. Por eso, durante los meses de julio y agosto se mostrará una amplia selección de imanes de todo tipo, temática, formato, etc., realizados por artistas, ilustradores y diseñadores gráficos que plasman su trabajo en soportes imantados. 
Son baratos, fáciles de hacer; cualquier objeto puede ser válido para pegarlo a un imán; pueden transmitir mucha información… Es una forma de diferenciarse del resto en un mundo donde parece que cada vez cuesta más ser distinto. Aparte de ser un accesorio decorativo, son una manera de mostrar los diseños y las opiniones, una forma de entender la actualidad, un reflejo de nuestros tiempos, etc.

Xoan Anleo / Irene González / Mondotrendy / Javi Royo Julio Adán / bomo Izaskun Álvarez Gainza / Cesc Grané / Marta Cerdà / Pablo Pérez Sanmartín La Más Bella / Judit Reig / Sil Barrios SOPA Xavi Palouzié Jesús Novillo / lalata Puño Txelografia / Cactusoup / Maria de Gibert / Escuela de Arte de Albacete / Pilar Sola

Campo magnético

LA PANERA EN RED: ZONA BAIXA. Carlos Garaicoa. La Lucha, 2010

Lugar: Ciències de l’Educació, de la UdL

El proyecto «Zona baixa» se orienta prioritariamente a facilitar y potenciar la educación humanística y artística de los alumnos de la Facultat de Ciències de l’Educació de la Universitat de Lleida. La Facultad cede un espacio, llamado «Zona baixa», donde se instala periódicamente una obra de arte vinculada la programación expositiva del Centre d’Art la Panera.
A lo largo de la pasada temporada 2010 se instalaron una pieza del artista Javier Peñafiel y otra de Javier Codesal, y del 9 de marzo al 21 de abril de 2011 se instaló el vídeo Camp de la Bota: Entrevistes  de Francesc Abad.
Para continuar con este proyecto, el espacio «Zona baixa» acogerá a partir del 14 de mayo la fotografía “La Lucha” de Carlos Garaicoa.
La fotografía La lucha está vinculada a los tapices que conforman el proyecto «Fin de Silencio», que se podrá ver en la Panera del 14 de mayo al 28 de agosto de 2011. Aunque ha utilizado un soporte diferente, como es la fotografía, el vínculo está determinado por la apropiación que Carlos Garaicoa ha realizado de los rótulos de algunos comercios de La Habana. El artista, a la hora de concebir esta fotografía y los tapices, ha partido de palabras que evocan toda un carga ideológica, que él ha subrayado, en el caso de esta pieza en concreto, con la inclusión de nuevas imágenes y otros materiales, como la cinta adhesiva.
El proyecto “Zona Baixa” es fruto de la colaboración entre el Centre d’Art la Panera y la Facultad de Ciencias de la Educación de la Universidad de Lleida.

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LA PANERA EN RED: ZONA BAIXA. Carlos Garaicoa. La Lucha, 2010

La Cuestión del Paradigma. Genealogías de la emergencia en el arte contemporáneo en Cataluña

La exposición titulada La cuestión del paradigma. Genealogías de la emergencia en el arte contemporáneo en Cataluña, pretende mostrar el presente del arte contemporáneo en el territorio catalán. Para llevarlo a cabo, el comisario de la muestra, Manuel Segade, ha rastreado la escena catalana a través de exposiciones, convocatorias e iniciativas diversas tanto públicas como privadas, para establecer una serie de genealogías que construyen puentes entre artistas de generaciones diferentes y en consecuencia, marcan caminos preestablecidos para los creadores emergentes. Con este objetivo, también se establecen diferentes ámbitos en el espacio expositivo que muestran el desarrollo de la escena catalana actual. Estos ámbitos dependen de múltiples condicionantes que han articulado y siguen articulando el panorama artístico catalán, tanto desde el funcionamiento del propio sistema artístico (exposiciones, convocatorias, jóvenes comisarios, etc.) como desde aquellos aspectos fundamentales que condicionan la creación catalana (sistema de producción, procesos, narraciones, ediciones, nuevas iniciativas, etc.).
Este planteamiento se mostrará a través de obras, publicaciones, material documental, textos explicativos en las diferentes secciones de la exposición y mapas conceptuales, que se alternaran en el espacio expositivo para ayudar a establecer genealogías que vertebren el discurso general del arte contemporáneo emergente en Cataluña.

Ignasi Aballí, Efrén Álvarez, Serafín Álvarez, Martí Ansón, Bestué / Vives, Luis Bezeta, Rafael Bianchi, Luis Bisbe, Sergi Botella, Luz Broto, Mireia C. Saladrigues, Jordi Colomer, Fito Conesa, Carles Congost, Pauline Fondevila, Dora García, Ana Garcia-Pineda, Rubén Grilo, Núria Güell, Daniel Jacoby, Jeleton, Tamara Kuselman, Fran Meana, Jonathan Millán, Jordi Mitjà, Momu & No Es, Mariona Moncunill, Julia Montilla, Joan Morey, Marc Navarro / Pol Esteve, Miguel Noguera, Antonio Ortega, Carlos Pazos, Javier Peñafiel, Gabriel Pericàs, Tere Recarens, Alex Reynolds, Xavier Ristol, Francesc Ruiz, Jorge Satorre, Quim Tarrida, Ignacio Uriarte, Eulàlia Valldosera i Oriol Vilanova.

La Cuestión del Paradigma. Genealogías de la emergencia en el arte contemporáneo en Cataluña

Pedro Garhel

Pedro Garhel (1952–2005) fue uno de los artistas pioneros en el Estado español en el ámbito del arte multimedia y electrónico, ya a finales de la década de los setenta. Asimismo, sus performances, en las cuales la música tenía un gran protagonismo, fueron una reflexión muy singular sobre el cuerpo humano y su relación/fusión con el entorno.
Esta presentación reúne toda una serie de materiales —fotografías, vídeos y documentación de su intensa trayectoria—, para rendir un homenaje a quien no sólo fue un artista multimedia destacado, sino un gran dinamizador de la escena artística madrileña, al fundar el Espacio P en Madrid (1981–1997).

Pedro Garhel

Carlos Garaicoa. Fin de silencio

Los tapices de Carlos Garaicoa representan algunas de las firmas de antiguos comercios de La Habana con nombres evocadores, como La lucha, Pensamiento, Sin rival o Reina. Textos que pueden leerse habitualmente en los suelos de esta ciudad porteña y sobre los que Carlos Garaicoa (La Habana, 1967) interviene alterando su significado original por otros, como La lucha es de todos o Reina destruye o redime.
Esta instalación de tapices está compañada de dos vídeos que muestran las inscripciones originales de los antiguos comercios, ubicados en el suelo de la ciudad, de manera que podemos visualizar los textos tal y como se mostraban en su contexto original.
Fin de Silencio forma parte de una serie de trabajos que Garaicoa comenzó en 2006 con la intervención sobre fotografías de rótulos y suelos habaneros y que ahora culmina con la creación de este lugar alfombrado. Este diálogo con el espacio urbano y la arquitectura es una constante en el trabajo de Carlos Garaicoa, cuya obra crea analogías sobre estas estructuras físicas y ciertos modelos de organización social. A través de la deconstrucción de estos contextos vivenciales en objetos, dibujos, fotografías o vídeos, Garaicoa nos propone nuevas lecturas de la ciudad, de sus modos de gobierno y de un posible cambio social.

Exposición coproducida entre el Centre d’Art la Panera y Matadero Madrid.

Matadero Madrid del 25 de septiembre al 7 de noviembre de 2010.

Carlos Garaicoa. Fin de silencio