Exposiciones

A partir de obras de Lara Almárcegui, Basurama y Jordi Bernadó
UdL, Facultad de Ciencias de la Educación

A lo largo del siglo XIX los románticos, primero, y los pintores de la escuela de Barbizon, después, reivindicaron el paisaje en sus obras, como nunca se había hecho a lo largo de la historia del arte. Actualmente, es difícil sostener una mirada tan idealizada sobre el paisaje; los entornos naturales que inspiraron a los artistas del pasado en muchos casos están en peligro de desaparecer. En este sentido, los artistas actuales se enfrentan al paisaje desde posicionamientos críticos que nos alertan de su sobreexplotación y de los malos usos urbanísticos. Así, Lara Almárcegui nos advierte sobre los espacios abandonados de nuestras ciudades y nos invita a ocuparlos y reconvertirlos en huertos o jardines urbanos. Jordi Bernadó fotografía nuevos usos de los espacios urbanos marginales que están a medio camino entre la desaparición del entorno natural y la trama urbana. Finalmente, Basurama denuncia el colapso inmobiliario y medioambiental de las llanuras de Castilla-La Mancha. En todos los casos, el territorio se ha consumido a una velocidad exagerada, y el paisaje, inevitablemente, se ha visto afectado.

Como cada año, es una actividad que tiene como objetivo mostrar las producciones artísticas y los trabajos generados por esos centros y entidades que han seguido durante el curso nuestras propuestas expositivas. Los trabajos que se presenten tienen que estar relacionados con las exposiciones de las que se va a ocupar esta 9ª Jornada de Puertas Abiertas: «Imágenes y Sonidos en Extinción»; «Medianoche en la Ciudad», comisariada por José M. Cortés; «Un(Inverse)», de Txuspo Poyo; «Ejercicios de Memoria», comisariada por Juan Vicente Aliaga; «Fin de Silencio», de Carlos Garaicoa, y «La Cuestión del Paradigma», comisariada por Manuel Segade.

Dentro de la programación expositiva del Centre de Documentació de la Panera, venimos haciendo exposiciones sobre piezas que a menudo responden a formatos más híbridos e incluso contaminados. La selección de estos distintos formatos nos evidencia que estamos viviendo en una situación de renovación, vitalidad, incorporación de las nuevas tecnologías, nuevos canales, etc. Una nueva forma de hacer que el arte llegue a todo el mundo y que rompa con las ediciones limitadas, firmadas, numeradas… Otra forma de conseguir una mayor distribución y consumo artístico.
Este verano, en el Centre de Documentació de la Panera queremos crear un campo magnético. Por eso, durante los meses de julio y agosto se mostrará una amplia selección de imanes de todo tipo, temática, formato, etc., realizados por artistas, ilustradores y diseñadores gráficos que plasman su trabajo en soportes imantados. 
Son baratos, fáciles de hacer; cualquier objeto puede ser válido para pegarlo a un imán; pueden transmitir mucha información… Es una forma de diferenciarse del resto en un mundo donde parece que cada vez cuesta más ser distinto. Aparte de ser un accesorio decorativo, son una manera de mostrar los diseños y las opiniones, una forma de entender la actualidad, un reflejo de nuestros tiempos, etc.

Xoan Anleo / Irene González / Mondotrendy / Javi Royo / Julio Adán / bomo / Izaskun Álvarez Gainza / Cesc Grané / Marta Cerdà / Pablo Pérez Sanmartín / La Más Bella / Judit Reig / Sil Barrios / SOPA / Xavi Palouzié / Jesús Novillo / lalata / Puño / Txelografia / Cactusoup / Maria de Gibert / Escuela de Arte de Albacete / Pilar Sola

La exposición titulada La cuestión del paradigma. Genealogías de la emergencia en el arte contemporáneo en Cataluña, pretende mostrar el presente del arte contemporáneo en el territorio catalán. Para llevarlo a cabo, el comisario de la muestra, Manuel Segade, ha rastreado la escena catalana a través de exposiciones, convocatorias e iniciativas diversas tanto públicas como privadas, para establecer una serie de genealogías que construyen puentes entre artistas de generaciones diferentes y en consecuencia, marcan caminos preestablecidos para los creadores emergentes. Con este objetivo, también se establecen diferentes ámbitos en el espacio expositivo que muestran el desarrollo de la escena catalana actual. Estos ámbitos dependen de múltiples condicionantes que han articulado y siguen articulando el panorama artístico catalán, tanto desde el funcionamiento del propio sistema artístico (exposiciones, convocatorias, jóvenes comisarios, etc.) como desde aquellos aspectos fundamentales que condicionan la creación catalana (sistema de producción, procesos, narraciones, ediciones, nuevas iniciativas, etc.).
Este planteamiento se mostrará a través de obras, publicaciones, material documental, textos explicativos en las diferentes secciones de la exposición y mapas conceptuales, que se alternaran en el espacio expositivo para ayudar a establecer genealogías que vertebren el discurso general del arte contemporáneo emergente en Cataluña.

Ignasi Aballí, Efrén Álvarez, Serafín Álvarez, Martí Ansón, Bestué / Vives, Luis Bezeta, Rafael Bianchi, Luis Bisbe, Sergi Botella, Luz Broto, Mireia C. Saladrigues, Jordi Colomer, Fito Conesa, Carles Congost, Pauline Fondevila, Dora García, Ana Garcia-Pineda, Rubén Grilo, Núria Güell, Daniel Jacoby, Jeleton, Tamara Kuselman, Fran Meana, Jonathan Millán, Jordi Mitjà, Momu & No Es, Mariona Moncunill, Julia Montilla, Joan Morey, Marc Navarro / Pol Esteve, Miguel Noguera, Antonio Ortega, Carlos Pazos, Javier Peñafiel, Gabriel Pericàs, Tere Recarens, Alex Reynolds, Xavier Ristol, Francesc Ruiz, Jorge Satorre, Quim Tarrida, Ignacio Uriarte, Eulàlia Valldosera i Oriol Vilanova.

Pedro Garhel (1952–2005) fue uno de los artistas pioneros en el Estado español en el ámbito del arte multimedia y electrónico, ya a finales de la década de los setenta. Asimismo, sus performances, en las cuales la música tenía un gran protagonismo, fueron una reflexión muy singular sobre el cuerpo humano y su relación/fusión con el entorno.
Esta presentación reúne toda una serie de materiales —fotografías, vídeos y documentación de su intensa trayectoria—, para rendir un homenaje a quien no sólo fue un artista multimedia destacado, sino un gran dinamizador de la escena artística madrileña, al fundar el Espacio P en Madrid (1981–1997).

Los tapices de Carlos Garaicoa representan algunas de las firmas de antiguos comercios de La Habana con nombres evocadores, como La lucha, Pensamiento, Sin rival o Reina. Textos que pueden leerse habitualmente en los suelos de esta ciudad porteña y sobre los que Carlos Garaicoa (La Habana, 1967) interviene alterando su significado original por otros, como La lucha es de todos o Reina destruye o redime.
Esta instalación de tapices está compañada de dos vídeos que muestran las inscripciones originales de los antiguos comercios, ubicados en el suelo de la ciudad, de manera que podemos visualizar los textos tal y como se mostraban en su contexto original.
Fin de Silencio forma parte de una serie de trabajos que Garaicoa comenzó en 2006 con la intervención sobre fotografías de rótulos y suelos habaneros y que ahora culmina con la creación de este lugar alfombrado. Este diálogo con el espacio urbano y la arquitectura es una constante en el trabajo de Carlos Garaicoa, cuya obra crea analogías sobre estas estructuras físicas y ciertos modelos de organización social. A través de la deconstrucción de estos contextos vivenciales en objetos, dibujos, fotografías o vídeos, Garaicoa nos propone nuevas lecturas de la ciudad, de sus modos de gobierno y de un posible cambio social.

Exposición coproducida entre el Centre d’Art la Panera y Matadero Madrid.

Matadero Madrid del 25 de septiembre al 7 de noviembre de 2010.

La exposición «Libros para Experimentar» es una muestra de libros pop-up. Sus diseñadores son auténticos ingenieros del papel que llevan a cabo un trabajo cuidadoso, creativo y original. Los libros pop-up esconden formas y modelos tridimensionales o móviles, que se expanden en cada página y transforman el formato tradicional de libro, aportando nuevos efectos visuales, como solapas que se levantan, imágenes emergentes, túneles y pestañas.
Dirigidos a grandes y pequeños, pueden ser considerados libros de artista, y por su diseño y creatividad se sitúan en un plano intermedio que tiende al objeto artístico como herramienta didáctica. Este es el caso del libro Mira qué artista, cuya autora y gestora es la artista Patricia Geis, que incluye reproducciones, modelos o similitudes de obras artísticas como las de Andy Warhol.

Diseño e ilustración se unen en este formato de libro para ofrecer un nuevo modo de entender y experimentar los colores, las formas geométricas, las texturas y el contenido del arte contemporáneo. Sus hojas se pliegan y despliegan, convirtiendo el libro en un objeto vivo. Ven a descubrir los misterios que esconde esta pequeña exposición, que nos acerca a la lectura y estimula nuestros sentidos.

Lugar: Ciències de l’Educació, de la UdL

El proyecto «Zona baixa» se orienta prioritariamente a facilitar y potenciar la educación humanística y artística de los alumnos de la Facultat de Ciències de l’Educació de la Universitat de Lleida. La Facultad cede un espacio, llamado «Zona baixa», donde se instala periódicamente una obra de arte vinculada la programación expositiva del Centre d’Art la Panera.
A lo largo de la pasada temporada 2010 se instalaron una pieza del artista Javier Peñafiel y otra de Javier Codesal, y del 9 de marzo al 21 de abril de 2011 se instaló el vídeo Camp de la Bota: Entrevistes  de Francesc Abad.
Para continuar con este proyecto, el espacio «Zona baixa» acogerá a partir del 14 de mayo la fotografía “La Lucha” de Carlos Garaicoa.
La fotografía La lucha está vinculada a los tapices que conforman el proyecto «Fin de Silencio», que se podrá ver en la Panera del 14 de mayo al 28 de agosto de 2011. Aunque ha utilizado un soporte diferente, como es la fotografía, el vínculo está determinado por la apropiación que Carlos Garaicoa ha realizado de los rótulos de algunos comercios de La Habana. El artista, a la hora de concebir esta fotografía y los tapices, ha partido de palabras que evocan toda un carga ideológica, que él ha subrayado, en el caso de esta pieza en concreto, con la inclusión de nuevas imágenes y otros materiales, como la cinta adhesiva.
El proyecto “Zona Baixa” es fruto de la colaboración entre el Centre d’Art la Panera y la Facultad de Ciencias de la Educación de la Universidad de Lleida.

Este libro de artista —de hecho, un libro–objeto— viene a ser un compendio de ideas y sugerencias que forman parte del proceso de trabajo habitual en este artista. El término jardín del título alude al tema de la naturaleza, tan frecuente en su trabajo, pero en concreto a la incidencia que el hombre ejerce sobre ella. Este libro–objeto se relaciona con su serie de performances, «Las estaciones», que recoge diversas acciones realizadas en la naturaleza al ritmo del paso de las cuatro estaciones. Por esta razón, el libro–objeto está dividido en cuatro secciones que evocan tanto el paso del tiempo como las implicaciones simbólicas y emocionales de formas y colores.
El libro ha sido cedido para esta presentación por Artium de Vitoria.

Facultad de Ciencias de la Educación (UdL)
Horario: de lunes a viernes de 09:00 a 21:00h

El proyecto «Zona Baixa», que es fruto de la colaboración entre el Centre d’Art la Panera y la Facultad de Ciencias de la Educación de la Universidad de Lleida, está orientado a facilitar y potenciar la educación humanística y artística de los alumnos de la Facultad de Ciencias de la Educación de la Universidad de Lleida. La Facultad cede un espacio, llamado «Zona Baixa», donde se instala periódicamente una obra de arte vinculada a la programación expositiva del Centre d’Art la Panera.

Para continuar con este proyecto, dado que la pasada temporada 2010 se instaló una pieza del artista Javier Peñafiel y otra de Javier Codesal, a partir del 9 de marzo de 2011 el espacio «Zona Baixa» acogerá la obra Camp de la Bota: entrevistes.

Se trata de un proyecto basado en los sucesos del Camp de la Bota de Barcelona, la playa donde, entre los años 1939 y 1952, el franquismo fusiló al menos a 1.704 personas. Abad ha querido rescatar del olvido estos sucesos a partir de las obras del Foro Universal de las Culturas de 2004.

La primera parte del proyecto, Camp de la Bota: Arxiu, se puede ver en el contexto de la exposición «Ejercicios de Memoria», en la planta 1 del Centre d’Art la Panera.

El comisario de la exposición «Ejercicios de Memoria», Juan Vicente Aliaga, asistirá al acto de inauguración de «Zona Baixa» y presentará la obra de Francesc Abad.

Una muestra sobre las utopías políticas construida en torno a la imagen del edificio que alberga la sede de las Naciones Unidas en Nueva York. Aunque la pieza central de la exposición y la que da su nombre a la misma es un gran vídeo de animación sobre el mencionado edificio y las múltiples interpretaciones que permite, «U.N(INVERSE)» da idea de la capacidad multidisciplinar de Txuspo Poyo: además de vídeos, el visitante encuentra también dibujos y esculturas, como el péndulo de Foucault, que alude al instalado en el vestíbulo de la Asamblea de las Naciones Unidas. Poyo indaga en los mitos de la libertad, la transparencia política y la participación democrática a través de referencias cruzadas entre el cine, el arte y la arquitectura modernas. La exposición es una producción conjunta de el Centre d’art la Panera y ARTIUM (Vitoria-Gasteiz). 

Txuspo Poyo (Altsasu, 1963) es un artista multidisciplinar de amplia trayectoria que ha realizado su trabajo en los últimos años fundamentalmente en el campo audiovisual. Con un extenso recorrido, que incluye Bilbao, Nueva York, Canadá o Centroamérica, Txuspo Poyo ha ido construyendo una obra que aúna referencias a la historia fragmentada y al imaginario, desde la historia del arte y el mundo del cine. En sus obras aporta una relectura de los tópicos de la representación de la realidad sociocultural en la sociedad occidental.
El elemento central de la exposición, el que le da título y vertebra el conjunto de la muestra, es una pieza de animación en 3D llamada U.N(INVERSE), título que alude tanto a las siglas inglesas de las Naciones Unidas (UN) como al nombre de los estudios cinematográficos UNIVERSAL. En ella, Txuspo Poyo interpreta el valor icónico del edificio de las Naciones Unidas en Nueva York, originalmente ideado por Le Corbusier, como proyecto originado por la utopía política de la unión entre las naciones del mundo, como símbolo de la arquitectura contemporánea, y como icono para la industria audiovisual. «U.N(INVERSE)» lleva a cabo un recorrido virtual por el exterior y el interior de ese edificio, pero el propósito no es documental, sino que se trata de una ficción poética llena de imágenes de gran contenido metafórico sobre la fragilidad del mundo.

Catálogo de la exposición, con textos de George Stolz y Miles Orvell

Exposición coproducida con ARTIUM, Centro Museo Vasco de Arte Contenporáneo. Vitoria-Gasteiz

Este proyecto se inicia con un sinfín de preguntas. ¿Cómo se lleva adelante el trabajo de hacer memoria desde la práctica artística? ¿Cuándo se inició esa tarea dentro del arte? ¿Qué aspectos de la historia, cargada de política, han atraído más a los artistas? ¿Por qué el estudio del pasado histórico ha sido tabú durante mucho tiempo en el Estado español? Por pasado histórico entendemos concretamente el periodo comprendido por la Guerra Civil y sobre todo por las décadas en las que el franquismo ejerció el poder y, con él, la represión de los republicanos, de los demócratas y de otros disidentes de distintos sectores de la izquierda.
En este proyecto se ha buscado recoger algunas de las manifestaciones que implican revisar la historia desde la Guerra Civil y el franquismo, con algunas alusiones a tiempos más recientes, en los que se situaban los creadores artísticos.
Este proyecto no pretende cerrar ningún debate ni busca llegar a consensos ni a uniformidades, sino, más bien al contrario, intenta dar paso a discusiones largamente postergadas.

Francesc Abad, Joan Brossa, Marcelo Expósito, Rogelio López Cuenca, Ana Navarrete, Pedro G. Romero, María Ruido, Ana Teresa Ortega, Fernando Sánchez Castillo, Montserrat Soto y Francesc Torres

Fernando Renes llega a la animación de una manera natural, de acuerdo con su proceso de trabajo y su manera de entender el dibujo. A menudo, sus dibujos ya contienen una animación en potencia, y a su vez las animaciones dejan entrever el proceso de trabajo.
La exposición que propone para el Centre de Documentació de la Panera está dedicada exclusivamente a una pieza, El Portátil, que consta de un ordenador portátil con una animación dónde pone Anxiety (Ansiedad). La pieza es presentada como animación y como un dibujo expandido (182 dibujos) que revela los leves y sutiles cambios que convierten en dinámicas unas imágenes estáticas.
El neón con la palabra Anxiety reverbera sobre un fondo oscuro y se proyecta hacia nosotros desde la pantalla de un ordenador portátil, aparato electrónico que en una analogía que plantea el artista ha sustituido a las chimeneas que antiguamente ocupaban nuestros hogares. La palabra se enciende y se apaga siguiendo una cadencia infinita ordenada por una mano que aparece y desaparece, como una especie de Sísifo que una y otra vez sube la montaña con la gran roca a cuestas. Múltiples analogías que atañen a nuestra existencia contemporánea, en que la información nos llega a raudales a través de estas pantallas informáticas, de manera que estamos «expuestos a una nueva obesidad, la obesidad de la información», según especifica el mismo artista.

Fernando Renes (Covarrubias, Burgos, 1970) vive y trabaja en Nueva York.

Actividad programada en el marco de la Mosta Internacional de cinema d’animació de Catalunya, ANIMAC 11.1.

«Recuerdos Compartidos» va ser produïda per Artium com una exposició dedicada al públic infantil. Aquest projecte tracta de compartir memòria individual i també col·lectiva, de fer-la conviure i enriquir-la amb l’art, d’aprendre a ser sensibles i escoltar les vivències humanes —passades o presents— i, sobretot, de fomentar el respecte pels nostres ancians, destí ineludible al qual algun dia tots arribarem.

Jugando al Truquemé és el títol d’un document videogràfic d’interès social, històric i sobretot humà. És un projecte proper, que atrapa per les històries dels seus protagonistes. En ell, s’hi entrevisten dotze persones elegides a l’atzar; l’únic que es va tenir en compte va ser l’edat —82 anys el més jove, 101 el més gran. Es va considerar que fossin tant d’entorns rurals com urbans, i d’orígens socioculturals diversos. A cada participant se li va demanar que busqués en la seva memòria infantil i juvenil, i que abordés temes tan diversos com la vida durant la Guerra Civil, el menjar, els jocs, el ball o la religió.

En el mundo del trabajo artístico, quizás hay que reencontrar todavía su espacio: un trabajar con el tiempo, con su práctica, escuchar la durèe del tiempo, como dispositivo final, no de la exhibición, sino de su reflexión, quizás del acercamiento del texto literario a la textualidad, pero con un sentido de responsabilidad (personal i colectiva), una resistencia de la imagen–texto–sonido, si puede ser repensado de nuevo a partir de su precariedad como objeto de consumo.

Después de una primera edición de este ciclo a principios de este año, nos proponemos llevar a cabo una nueva programación que continúe con el diálogo entre la arquitectura y la historia de un espacio de época medieval y el arte actual. Al mismo tiempo, nos proponemos acercar el arte contemporáneo a nuevos públicos y enriquecer la percepción del patrimonio histórico en relación con creaciones del presente.
Este ciclo permite disfrutar del trabajo de dos artistas, Conce Codina y Hannah Collins, que desde planteamientos diferentes nos acercan a cuestiones que afectan a los sujetos contemporáneos. La primera, desde una mirada abierta y respetuosa, nos acerca a la experiencia religiosa, y la segunda evoca y recupera la memoria de los lugares y las personas. Se trata de dos videoinstalaciones que afrontan aspectos íntimos en un espacio arquitectónico que potencia el recogimiento y la reflexión.

EXPOSICIÓN 1
Del 06/10/2010 al 14/11/2010
CONCE CODINA
PRIÈRES

Conce Codina (Barcelona, 1969) ha convertido los pequeños actos cotidianos en el objeto de su trabajo. Su punto de partida es una interacción con gente que no conoce, a la que hace una pregunta, le propone un juego o le pide que reaccione ante situaciones aparentemente banales. Los resultados componen una metáfora de las muchas diferencias entre las personas, más allá de las categorías usuales de identidad. En Prières la autora se centra en la dimensión de la intimidad, concretamente en el acto de rezar, como una relación directa y personal entre el sujeto y la deidad. Los rostros son filmados con un suave desenfoque y tan próximos que los contornos de las caras no aparecen en la imagen. Cada voz y cada cara se transmutan en la siguiente. En su variedad (cristianos, musulmanes, judíos, budistas...) plantean las múltiples creencias existentes, pero su fusión a través de la concatenación de oraciones y rostros nos remite a una concepción universal de lo sagrado.

En el transcurso de la noche, la ciudad se transforma, se convierte en otras, en múltiples y diferentes ciudades que, a menudo, pasan desapercibidas. Así, el espacio, el movimiento, las relaciones, los lugares.... se perciben de modo diferente al habitual. Ocurre como si los territorios de la noche fueran otro estado de la ciudad, de la vida, de las relaciones y de los encuentros posibles.

Quizás serían muchas las representaciones que podríamos ofrecer sobre esta temática, pero el proyecto expositivo «Medianoche en la Ciudad» trata de encontrar, de adivinar, de qué modo la noche es generadora de un nuevo imaginario urbano con sus códigos, sus experiencias y sus fronteras más o menos específicas.

En la exposición “Medianoche en la Ciudad” las obras de artistas como Ignasi Aballí, Juan Pablo Ballester, Jean Marc Bustamante, Ergin Çavusoglu, Carles Congost, Gregory Crewdson, Alicia Framis, Carlos Garaicoa, Carmela García, Nan Goldin, Carlos Pazos, Felix González Torres, Azucena Vieites, Massimo Vitali o Begoña Zubero se relacionan con fotogramas de muy diversas películas y fragmentos de diferentes novelas para dar una visión lo más amplia posible de lo que puede ser la Medianoche en la Ciudad.

Tertulia Medianoche en la ciudad
Programa Cabaret Elèctric. ICAT FM
Viernes, 1 de octubre, a las 22 h.

A lo largo de la historia de la fotografía ha habido varias tendencias que buscaban la inmediatez de resultados, reducir las preocupaciones técnicas a apunta y dispara para centrarse en el momento y en el objeto fotografiado. Movimientos como el generado por las Polaroid o la Lomografía han marcado épocas en las que colectivos artísticos varios se han acercado a la inmediatez de la fotografía. Actualmente el iPhone de Apple ha recogido el testigo de estos movimientos. La cámara que incorpora es limitada en calidad y opciones técnicas, y deja al fotógrafo la única opción de escoger cuándo y a qué hace la fotografía, recuperando así el espíritu de Polaroid y Lomo. Pero su éxito va mucho más allá: el hecho de disponer, en el mismo aparato, de varias apps para postproducir estas imágenes y después distribuirlas inmediatamente, ya sea en redes sociales o fotoblogs, ha hecho que un amplio colectivo (fotógrafos, cineastas, diseñadores, periodistas…) lo hayan convertido en una herramienta diaria de creación. La iPhoneografía és un movimiento a nivel global que crece diariamente, alimentado por la producción constante de sus miembros, que no dejan de sorprender, y que ya han abierto la puerta de revistas y galerías de arte.

El tiempo que dure la exposición, en el Centre de Documentació de La Panera se podrán ver proyectadas las fotografías que los 6 fotógrafos seleccionados enviaran diariamente, para mostrar la estrecha relación entre la iphonografía, internet y las nuevas tecnologías.

Valerie Ardini / Sion Fullana / Dominique Jost / Alexander Kess / Koichi Mitsui / Jordi V. Pou

Axel Hütte + Orquesta del Caos (Josep Manuel Berenguer / Carlos Gómez)

Este proyecto expositivo plantea conexiones entre dos disciplinas aparentemente muy distintas. Por un lado, tenemos el trabajo fotográfico de Axel Hütte, concretamente las series que ha realizado en distintos países de Latinoamérica (Belice, Chile y Venezuela). Por otro lado, está el trabajo de la Orquesta del Caos (José Manuel Berenguer y Carlos Gómez), que el año 2009 inició el proyecto «Sonidos en causa», que consiste en el registro del patrimonio sonoro de una serie de contextos culturales latinoamericanos en cuyo entorno medioambiental son previsibles cambios irreversibles a corto y medio plazo debidos al crecimiento económico.

Con este proyecto queremos poner en juego ambos trabajos en un mismo espacio expositivo, respetando las necesidades de presentación de cada disciplina, pero planteando un diálogo que puede enriquecer tanto a la fotografía como al arte sonoro.

Sonidos en causa es un projecto realizado con la ayuda de AECID, Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo.

La exposición ha sido realizada con la ayuda del Ministerio de Cultura.

Este año la 8ª Jornadas de Puertas Abiertas, se realizará desde el 7 al 19 de septiembre de 2010. Es una actividad que tiene como objetivo mostrar las producciones artísticas y los trabajos generados por aquellos centros y entidades que han seguido durante el curso nuestras propuestas expositivas y didácticas. Los trabajos presentados estarán relacionados con las exposiciones realizadas durante el curso 2009-10: Life de Martí Guixé; 25 obras, 17 artistas y 4 relatos; Territorio Lleida, Voz entre líneas y 7ª Biennal d’Art Leandre Cristòfol.
En esta edición, además, se expondrán los carteles ganadores del 4º Concurso de Cartelles organizado por la Asociación de Salut Mental de Ponent y el Club Social La Bruixola, con motivo del Día Mundial de la Salut Mental.
Al mismo tiempo se mostrarán los resultados de los Talleres organizados por el Centre d’Art la Panera a lo largo del año 2010, como es el caso del Taller de Derivas Urbanas a cargo de Francesc Ruiz, o los talleres de verano Clickart y Engánchate.
LLAR D’INFANTS EL CARRILET (Albatàrrec), LLAR D’INFANTS JOSEP BORRÀS (Lleida), ESCOLES BRESSOL MUNICIPALS DE LLEIDA (El Rellotge, Balàfia, Secà, Magraners, Raïmat, Cappont, Llívia, Bordeta, Suchs), CEIP SANT JORDI (Lleida),  CEIP TERRES DE PONENT (Lleida), CEIP PRÀCTIQUES II (Lleida), CEIP PARC DE L’AIGUA (Lleida), CEIP ENRIC FARRENY (Lleida), CEIP JOC DE LA BOLA (Lleida), CEIP LA GINESTA (Lleida), CEIP LA MITJANA (Lleida), CEIP ARRELS (Alamús), CEIP SOL IXENT (Corbins), CEIP PRACTIQUES I (Lleida), CEIP PRÏNCEP DE VIANA (Lleida), CEIP MAGRANERS (Lleida), CENTRE D’EDUCACIÓ ESPECIAL PLANÇO (Lleida), EASD Ondara (Tàrrega), COL•LEGI CLAVER (Lleida), IES MÀRIUS TORRES (Lleida), COL•LEGI EPISCOPAL (Lleida), IES JOAN ORÓ (Lleida), UDL, ICE (Lleida), ESCOLA D’ART TRAMA (Lleida), CENTRE CÍVIC BALAFIA (Lleida), AULA HOSPITALARIA DR. ANTONI CAMBRODI DE L’HOSPITAL UNIVERSITARI ARNAU DE VILANOVA (Lleida), UNITAT EDUCATIVA HOSPITALARIA DE L’HOSPITAL SANTA MARIA (Lleida), ASSOCIACIÓ SALUT MENTAL PONENT. CLUB SOCIAL “LA BRUIXOLA” (Lleida), UNITAT D’HOSPITALITZACIÓ DE REFERENCIA EN PSIQUIATRIA INFANTIL DE L’HOSPITAL SANTA MARIA (Lleida), CENTRE ASISTENCIAL SANT JOAN DE DÉU (Almacelles), FUNDACIÓ ASPROS (Lleida), CIJCA. CENTRE OBERT EL TRAMPOLÍ (Lleida), ALABERG MUNICIPAL. CENTRE D’ACOLLIDA LA PANERA (Lleida), CIBERAULA. ESPAI GAIROLES (Lleida)
PROGRAMA
Martes, 7 de septiembre
19 h. Presentación del curso 2010-2011 para los centros de enseñanza
20 h. Inauguración de las Jornadas y Entrega de los Premios Libros de artista, concurso de cuentos y Trabajos de Investigación de Bachillerato, convocados por el Centre d’Art la Panera.
Martes, 14 de septiembre
18:30h. Como trabajar el arte contemporáneo desde la escuela? Presentación de ejemplos prácticos por parte de los docentes que participan en las Jornadas de Puertas Abiertas.
Sábado, 18 de septiembre
19 h. Entrega de los Premios del Concurso de Carteles del Día Mundial de la Salud Mental.