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Exposiciones

El desig de creure

Lúa Coderch / Enric Farrés Duran / Jordi Ferreiro / Christian Jankowski / Julia Montilla / Dani Montlleó / João Onofre

El desig de creure

Martin Llavaneras / Eulalia Valldosera

Martin Llavaneras / Eulalia Valldosera

ArtsComing

Arts Coming edita obras de artistas consolidados a precios accesibles. No especulamos en el mercado del arte de lujo, tampoco creemos en el arte como distinción de estatus social. Queremos que el público se acerque al arte contemporáneo, un arte que habla de nosotros y de los conflictos de nuestro tiempo.

Trabajamos con los artistas para producir obras en pequeño formato para un nuevo coleccionismo de arte contemporáneo al alcance de todos y desde la complicidad. Entendemos el arte como herramienta de pensamiento crítico.   

Las ediciones no son limitadas e implican procesos de producción industrial o artesanal: camisetas, pósteres, pequeñas esculturas, libros, chapas o letreros. Las piezas van acompañadas de un certificado de autenticidad.

Nuestra web ofrece textos, vídeos, entrevistas y otros materiales sobre arte, filosofía, cine y creación actual desde una perspectiva crítica. Trabajamos desde casa, en Mataró (Barcelona).

ArtsComing

Siempre es ahora. Visiones del tiempo en el fondo de publicaciones del Centre d’art la Panera.

Exposición en línia #9

Siempre es ahora. Visiones del tiempo en el fondo de publicaciones del Centre d’art la Panera.

CrossingLines. Less

“La Saleta de la Panera”

CrossingLines. Less

Natural Artificial

Esta exposición se enmarca en una serie de proyectos del Servei Educatiu de la Panera, que desde el año 2011 empezó la producción de distintas exposiciones concebidas para el públic infantil y familiar («R + R + R. A partir de la obra Calaixera de Curro Claret», 2011; «¡Dibuja!», 2013; y «Llueve, Nieva, Pinta», 2015), pero con la intención de llegar a un público lo más amplio posible, por lo que la exigencia conceptual y discursiva de estas exposiciones mantiene el interés para el conjunto de visitantes. 

En esta ocasión se trabaja la dicotomía natural y artificial; en un momento histórico en el que ambos conceptos parecen haberse desdibujado más que nunca, los límites entre uno y otro son imprecisos, de modo que, a menudo, nos vemos entregados a más de una confusión y engaño. En muchas ocasiones nos encontramos con lo natural, adulterado, y lo artificial, revestido de una cierta aura natural; todo dependerá de dónde se ponga el acento. En el mundo actual, basado en las leyes de mercado, las modas de consumo oscilan entre estos dos polos: productos naturales, saludables, orgánicos y ecológicos, que a la vez sean accesibles, fáciles de administrar, asequibles y tecnológicos.  Ante esta situación la exposición indaga cómo distintos artistas han tratado esta dicotomía en una serie de trabajos que abordan temas como los materiales, el paisaje, la comida, los animales y el hábitat.

Un recorrido expositivo que está entrelazado, a modo de bajo continuo, por una serie de intervenciones del diseñador Martín Azúa, que de algún modo ha colonizado el espacio expositivo con un hongo que nos conecta con lo natural. Al mismo tiempo, Martín Azúa, en el espacio final de la exposición, propone una serie de talleres que activan el espacio de acuerdo con los temas tratados en los distintos ámbitos. Estas actividades son fruto del proyecto «Cajas de artista», que ha recibido el apoyo de la Fundación Banco Santander y en el que han participado artistas como Anne-Marie Cornu, Miquel Mont y Guillermo Mora.

Antoni Abad / Martín Azúa / Azúa&Moliné / Basurama / Curro Claret / Eva Fàbregas / Martí Guixé / Kaoru Katayama / Pedro Mora / Ester Partegàs / Concha Prada / Francisco Ruiz Infante / Mauro Vallejo / Adrianna Wallis

Natural Artificial

Seqüència Editorial. Edicions d’Art Jove i la Panera 2015 i 2016

La edición de artista como un rollo de impresiones en plástico, como un flip-book, como un comic-book o como un periódico impreso en rotativa. Las cuatro publicaciones que el Centre d’Art la Panera y la Sala d’Art Jove han coproducido los dos últimos años se basan en una idea de multiplicidad que se despliega en secuencia y que investiga las posibilidades de la edición contemporánea: el deseo por diseminarse, implosionar, por intersecarse con diferentes géneros artísticos y ámbitos del conocimiento, posiblemente justifique que la repetición serial sea una constante en todos estos trabajos.  La colaboración entre ambos centros se explica por una misma voluntad experimental: el soporte editorial ha facilitado que los proyectos que se han coproducido en los últimos cuatro años evolucionen a partir de las derivas que proponen los artistas. La edición de artista pone en juego el campo editorial como los propios procesos y formatos relacionadas con las prácticas artísticas. La secuencia editorial es talmente una forma de código abierto: encuentra en la repetición todo lo que la hace impredecible. 

Frames Rocío, 2015
Federico García Trujillo
Flip-book realizado a partir de la recuperación de los dos minutos de metraje eliminados por sentencia judicial en la película documental Rocío (1978). La película, centrada en las raíces antropológicas de la Feria y que profundizaba sobre una serie de crímenes ocurridos durante la Guerra Civil, fue la primera secuestrada judicialmente en España después de la aprobación de la Constitución de 1978. El trabajo se centra en el debate sobre la prolongación de las estructuras franquistas dentro del debate en torno a la recuperación de la memoria histórica.

Vallcartografia, 2015
Emma Casadevall
A través de Vallcartografia se exploran distintas posibilidades cartográficas en torno al barrio de Vallcarca de Barcelona desde una actitud crítica ante el ejercicio de poder implícito en estas prácticas y vinculándolas a un proceso de especulación urbanística. Partiendo del concepto de heterotopía, también se intenta cartografiar algunas de las resistencias que aparecen, aplicando una narrativa macro en un contexto micro, de lo local a lo global, situando la cartografía como fuerza productora de subjetividades. 

Throat and Column, 2016

Clàudia Pagès
Throat and Column es una publicación y una audioperformance en que la escritura y lo oral son intercambiados en una narrativa que recorre varios espacios de individualización: los sistemas médicos, las arquitecturas y las comunidades. Hablar y tragar. Hablar y el placer. La voz solista y el coro están separados en una audioperformance y en una publicación imprimida en plástico. 

Un bosque cuyo incendio se ha extinguido, 2016
Aldo Urbano
Comic-book de dibujo aparentemente ligero, en el que se narra el viaje de un artista a través de distintos estadios, en una espiral interna de deterioro irreversible. En las páginas de esta publicación, cargada de cinismo y psicodelia, se suceden las transformaciones del protagonista en su metamorfosis como estafador, espía, perfecto empleado o visionario alucinado, todo ello con el entramado artístico de trasfondo.

Seqüència Editorial. Edicions d’Art Jove i la Panera 2015 i 2016

14ª Jornada de Puertas Abiertas

El Centro de Arte La Panera presenta la 14ª edición de las Jornadas de Puertas Abiertas. Durante el curso escolar, el Centro de Arte La Panera lleva a cabo programas educativos, que comprenden desde escuelas infantiles de 0 a 3 años, educación infantil, educación primaria y secundaria y bachillerato, hasta la universidad y la educación no formal. La muestra tiene como objetivo hacer visibles los proyectos generados por los centros y las entidades que durante el año han seguido las propuestas pedagógicas de las exposiciones en curso de la Panera y otros proyectos radiales al Centro. Con esta premisa, las Jornadas nos sirven para valorar y reconocer públicamente la labor educativa de los diferentes centros de enseñanza y de su personal docente, así como de las entidades y profesionales que durante el año crean aprendizaje partir del arte y la cultura contemporánea.

14ª Jornada de Puertas Abiertas

Mons (im)possibles

Este proyecto expositivo reúne obras de la Colección DKV y de la colección del Museu d’Art Jaume Morera, a partir del fondo generado en las nueve ediciones de la Biennal d’Art Leandre Cristòfol, organizadas por el Centre d’Art la Panera. Con esta exposición queremos mostrar cómo, desde las artes visuales contemporáneas, se han analizado cuestiones medioambientales, económicas, sociales, políticas y científicas que afectan directamente a la configuración de nuestras vidas y del mundo en el que vivimos. Desde el fin del siglo XX hemos experimentado la aceleración de la historia, que se ejemplifica en el incremento de la circulación de personas, de conflictos bélicos, de catástrofes ecológicas, y en un flujo constante de ideas y de imágenes que, en conjunto, configuran la impresión de que el mundo cada vez es más inestable y pequeño.  La dificultad de dilucidar serenamente cuál es el futuro que nos espera hace que nos movamos entre mundos posibles e imposibles, habitables y hostiles, tangibles y soñados, reales y ficticios. Ante la ardua misión de sobrevivir en determinados contextos, la humanidad está empujada a reconfigurar este mundo o incluso a imaginar y proyectar otros mundos, más allá de nuestro planeta y de nuestra condición de homínidos. 

Carlos Aires, Txomin Badiola, Mario de Baro, Daniel Canogar, Juanli Carrión, Dionís Escorsa, David Ferrando Giraut, Abigail Lazkoz, Cristina Lucas, Valeriano López, Linarejos Moreno, Marina Núñez, Marta Petit, Eulàlia Valldosera, Mauro Vallejo y Juan Zamora

Mons (im)possibles

MARTA CERDÀ, «WANDERLUST»

«Wanderlust» es una recopilación de la obra comercial gráfica de Marta Cerdà desde 2008 hasta 2015.   

El terreno que explora Marta Cerdà se encuentra en la frontera que separa la ilustración de la tipografía. Una mirada a su trabajo ecléctico es lo mismo que perderse en un mapa geográfico y temporal: letras que te transportan a la era americana del Far West, a los neones de la costa oeste, a las filigranas de hierro forjado que decoran los balcones de Barcelona, a un salón de baile de los años veinte y de vuelta a un concierto experimental de hip hop. Su pasaporte marca una línea paralela con su obra gráfica y sus clientes, y es que ha vivido y ha trabajado en Múnich, Nueva York, Los Ángeles, Barcelona y Ámsterdam. 

MARTA CERDÀ, «WANDERLUST»

Francesc Torres, «Què en sap, la història, de mossegar-se les ungles» + Santiago Ydáñez «Troquel»

Esta exposición plantea un diálogo entre dos artistas y dos obras. Por un lado, Francesc Torres presenta una videoinstalación que parte de un material fílmico y fotográfico inédito de la biblioteca de la Universidad de Nueva York procedente de la donación de Harry Randall, fotógrafo y cámara de la Brigada Lincoln, la unidad de voluntarios americanos que viajaron a España para defender la República durante la Guerra Civil. Este material se filmó durante los años 1937 y 1938, cubre varios frentes de guerra —Zona Centro (Guadalajara), Teruel y el Ebro—, y aparecen personajes relevantes, como Ernest Hemingway, la periodista Martha Gellhorn y Vladimir Copic, comandante de la XV Brigada, dentro de la cual se encontraba integrada la Brigada Lincoln. Por otro lado, Santiago Ydáñez, que en anteriores trabajos ha revisado periodos históricos como el nazismo, muestra una serie de pinturas de gran formato que fijan, profundizan y amplifican momentos puntuales del documento fílmico. 

Francesc Torres, «Què en sap, la història, de mossegar-se les ungles» + Santiago Ydáñez «Troquel»

Porque habrá un día que no podremos más, y entonces lo podremos todo

«Porque habrá un día que no podremos más, y entonces lo podremos todo» es una exposición sobre las publicaciones del proyecto Nyamnyam, un dispositivo para hacer patente todo el entramado humano que hay detrás de este proyecto editorial autogestionado, de cuatro años de edad: veinticuatro personas que han realizado texto, fotografía, ilustración, edición, maquetación, impresión… Ellos y ellas están presentes a través de veinticuatro ediciones que cada uno ha cedido de su biblioteca personal durante el tiempo de la exposición. Así, podemos entender los fanzines, pósteres o libros de Nyamnyam desde el universo propio de sus productores, consultando una agenda, novelas, un manual sobre plantas, una libreta de apuntes, un cómic, un libro de cocina, un catálogo de artista o incluso una partitura de J. S. Bach.

Como escribe Joana Hurtado en una de las publicaciones: Mostrar las formas de hacer y decir de cada uno, por muy pequeñas que sean, es reconocer su valor simbólico, reivindicarlo como la única forma que tenemos de hacernos un lugar, ya sea en la cocina, durante el convite, o para el recuerdo, a través de las impresiones que Nyamnyam publica fruto de la aventura. Pasado el presente, ¿qué queda de esta dulce obstinación? Según Revel, la mejor forma de conocer la historia de nuestro paladar, de rastrear los gustos y sabores de nuestros antepasados, es a través de la literatura, ya sean recetarios o novelas, tratados de cocina o poemas. «Sin restaurantes. Forma de consolarse: leer libros de cocina», escribe Baudelaire. En la memoria de los cuerpos, la misma creatividad que nos lleva a probar cosas nuevas también nos acerca aquello que querríamos y no podemos tener. Sigue Baudelaire: «Sin amante, leed un libro de amor». La imaginación también nos alimenta.

Y eso también nos lo dice Nyamnyam, ya que en realidad el ciclo de intervenciones que programa «Todo…» es todo. Una única palabra para llegar con el lenguaje allí donde el cuerpo no puede. Una palabra que incluye en nuestro día a día la pura potencialidad. Sin límites. Ningún sacrificio. Nada imparcial. Porque en este lugar común no hay nada sagrado ni nada neutral. Como decía Vicent Andrés Estellés: «Porque habrá un día que no podremos más, y entonces lo podremos todo». Otra forma de decir las ganas que tenemos. Joana Hurtado Matheu, extracto de «Les ganes o la dolça obstinació de la creativitat quotidiana».
Texto incluido en la publicación Todo lo que me gusta es ilegal, inmoral o engorda, 2015

Sobre Nyamnyam
 El objetivo de Nyamnyam es promover la creación, la reflexión, el intercambio de conocimiento y la cultura, para crear estrategias de participación e interacción para responder a la necesidad de generar diálogo. Utilizamos dinámicas y herramientas propias de la creación artística para plantear acciones colectivas que generen relaciones horizontales y nos sitúen a todos en un mismo plano de acción. Fomentamos la relación entre las distintas formas de arte y la comida como elemento vehicular para crear situaciones que ayuden a dinamizar y originar nuevas formas de relación y contacto entre el tejido social. De este modo, pretendemos aprender nuevas dinámicas y provocar sinergias que pueden reactivar o repensar nuestra forma de vivir, de crear y de comer.

Porque habrá un día que no podremos más, y entonces lo podremos todo

CONSTRUÏM-NOS! Makea tu vida

La Saleta de la Panera (equipamiento social; c. de la Panera, 7)

La alianza de un servicio de atención a necesidades básicas (Menjador Social) con una escuela de arte (Escola d’Art Municipal Leandre Cristòfol) y un centro de arte contemporáneo (Centre d’Art la Panera) es posible poniendo en valor las necesidades estéticas y la sensibilidad en todas sus manifestaciones. 

Así nace La Saleta de la Panera, una nueva forma de entender las necesidades de las personas y la interacción entre el ámbito social, el cultural y el artístico.

Esta es la historia de cómo un calador, un martillo, una radial, un taladro, dos destornilladores y cúteres, junto con unos cuantos tornillos, tuercas, clavos, cola, algunos trastos y unas cuantas personas con ganas e imaginación, empezaron a hacer cambiar las cosas. Más allá de la muestra de los resultados, del proceso de trabajo del taller Mobiliario Nómada y de las reflexiones que se aportan en esta muestra, la exposición plantea y se aproxima a un marco operativo real de interacción entre distintos agentes públicos y la ciudadanía. El diseño abierto, la construcción colectiva y la reutilización de recursos nos ayudan a fomentar la participación, la corresponsabilidad, la economía social, el bien común, la redistribución y la autonomía como herramientas de transformación social y empoderamiento colectivo. 

Organiza: Regidoria de les Polítiques per als Drets de les Persones, Escola Municipal d’Art Leandre Cristòfol y Centre d’Art la Panera

Colabora: Fundació «la Caixa»

CONSTRUÏM-NOS! Makea tu vida

Guillermo Mora i Teresa Solar, «L’escriptori circular»

Guillermo Mora (Alcalá de Henares, 1980) i Teresa Solar (Madrid, 1985) plantegen una gran instal·lació que parteix d’un moble de treball poc comú: l’escriptori circular. La seva intervenció específica per a la planta 0 de la Panera s’expandeix en l’espai i revela múltiples capes i dimensions. 

Històricament, els escriptoris circulars han estat mobles que, gràcies a la seva forma particular, han superat les possibilitats dels escriptoris ortogonals. Moble trobat a les grans biblioteques, peça dels despatxos dels personatges més il·lustres de la història, l’escriptori circular ha permès acumular grans quantitats d’informació i ha aportat noves maneres d’accedir al coneixement. 

Ambdós artistes trien aquest peculiar escriptori com a punt de partida des del qual establir un diàleg i barrejar pràctiques i actituds. Aquest moble serà l’element de negociació constant entre dos artistes que procedeixen d’àmbits molt diferents de la creació plàstica. 

Guillermo Mora i Teresa Solar, «L’escriptori circular»

Situaciones

La serie de carteles «Situaciones» responde a la invitación que la Temporary Gallery de Colonia hizo a Sergio Rubira para participar en la presentación de este centro de arte durante los primeros días de la 56.ª Bienal de Venecia. El objetivo de la intervención era extender la temporalidad limitada del evento —una tarde— y también su localización —el barrio popular de Castello—, e integrarse en uno de los principales canales de comunicación de Venecia: el de los pósteres publicitarios en los locales comerciales de la ciudad. El contenido de estos carteles reaccionaba al propio contexto para el que se habían producido e interrumpía los mensajes publicitarios de los anuncios que los rodeaban. Se buscaba así crear nuevas situaciones y provocar cierto extrañamiento ante lo inesperado. En este proyecto han participado Ignasi Aballí, Cabello/Carceller, Dora García, Rogelio López Cuenca, Cristina Lucas, Julia Montilla, Juan Luis Moraza, Itziar Okariz y Juan Pérez Agirregoikoa.

Situaciones

Seguir el hilo

El mundo que nos rodea está lleno de tejidos distintos. Algunos forman parte de nuestro vestuario, pero otros visten los objetos que nos son próximos. Este es el caso de Alejandro’s carpet, una alfombra realizada por los diseñadores Emiliana Design, que ofrece la posibilidad de participar en el diseño y personalizar cada alfombra. «Seguir el hilo» ofrece un recorrido para descubrir distintas texturas que podremos reconocer al tacto e imaginar cuáles son sus posibilidades e utilidades.

Seguir el hilo

VESTIR Y DESVESTIR CUERPOS. Fenomenologías de aparición

El potencial «performativo» de la moda, su capacidad generativa, radica en su carácter eminentemente público. Es en este sentido que el diseño de moda tiene una especial relevancia en su capacidad de actuar en nuestros cuerpos. La industria de la moda no solo ha normativizado la identidad de género de acuerdo con la repetición de rasgos que se identifican con lo femenino o lo masculino, sino que también ha formulado una serie de cuerpos paradigmáticos, deseables, canónicos, y a la vez, ha intentado ocultar la deformidad y la diferencia. 

La exposición «Vestir y desvestir cuerpos. Fenomenologías de aparición» propone una reflexión desde la moda y el arte sobre el cuerpo. La pregunta que nos hacemos es cuál sería ese límite que separa la moda como una forma de adoctrinamiento y el vestir como modo de aparición, de pensarse y de hacerse.

Artistas participantes:
Ana Laura Aláez / Nora Ancarola / Stéphanie Baechler / Ramon Guillén-Balmes / Isabel Banal / Anna-Sophie Berger / Denys Blacker / María Castellanos / Júlia Coma Vilarasau / Lucía Cuba / David Delfín / Emma Escuer / Pepe Espaliú / Ali Yerdel i Anastasia Pistofidou / Laura Fernández Antolín / Esther Ferrer / Lena Gallovicova / Nadine Goepfert / Rubén Grilo / Enric Majoral / Ana Mir / Txell Miras / Juan Luis Moraza / María Morgui / Juan Muñoz / Peter Pohjola / Maria Palomeras / Miriam Ponsa / Joana Poulastrou / Laura Puigdellívol / Mariaelena Roqué / Tea Sirbiladze / Jana Sterbak / Pan Weiju.

VESTIR Y DESVESTIR CUERPOS. Fenomenologías de aparición

Edgar dos Santos. Accionsmigrants.org

La Saleta de la Panera
Equipament Social
Panera 7, 25002 Lleida


Accionsmigrants.org es una recopilación de distintas acciones desarrolladas por el colectivo migrante con el objetivo de acercar y dar visibilidad a sus problemáticas, experiencias y aportaciones. Se priorizan las prácticas artísticas participativas que impliquen la interacción con el espacio urbano y la ciudadanía con el fin de estimular su integración, la participación ciudadana y la reflexión espontánea.

«Desvelant migrants» es el resultado del segundo taller hecho con mujeres migrantes.

La activación de la web pretende funcionar como plataforma para la difusión de estas acciones y de lanzadera para las que se puedan generar, ya sea a través de nuevos talleres o a partir de acciones y propuestas independientes.

Estas acciones se han llevado a cabo a través de dos talleres dirigidos por Edgar dos Santos, con la colaboración de la Regidoria de Participació Ciutadana, Drets Civils i Cooperació, y del Centre d’Art la Panera, y con el apoyo de la Obra Social “la Caixa”.


Paralelamente a la exposición, se intervendrá en distintos espacios para colocar las siluetas en grande y dotar así de más visibilidad las diferentes propuestas surgidas durante el taller. Estos espacios son:

Centre Cívic Plaça Ereta
Centre Cívic Pardinyes
Centre Cívic Secà
Centre Cívic Balàfia
Centre Cívic i Ludoteca del Centre Històric
Edifici Pal•las
Edifici Joventut
Escola d’Art Leandre Cristòfol
Solar Viu del Centre Històric
Universitat de Lleida (Cappont)

Edgar dos Santos es fotógrafo y profesor en la Escola d’Art Leandre Cristòfol. Sus proyectos personales centran la atención en la relación del hombre con la naturaleza y el espacio que habita. La transformación del territorio, el diálogo con la naturaleza, la percepción del paisaje y su representación son algunos de los temas de sus últimos trabajos.

Utilizando preferentemente la fotografía como medio, alterna la realización de puestas en escena con planteamientos de estilo más documental. 

Durante los últimos tiempos también se ha dedicado a crear proyectos participativos y de inclusión social, utilizando el arte y la fotografía como herramienta integradora, por lo que ha ganado en varias ocasiones una ayuda en la convocatoria estatal de la Fundació “la Caixa” Arte para la Mejora Social.

Edgar dos Santos. Accionsmigrants.org

Angela de la Cruz. Escombros

«Angela de la Cruz. Escombros» ofrece un recorrido a través de piezas realizadas entre los años 2009 y 2014. La exposición toma su título de Debris (2012), una obra perteneciente a la serie «Wet», a través de la cual la artista hace referencia a la basura y los restos que flotan en los océanos. Estos restos finalmente brotan en las orillas del mar, al igual que los cuerpos de las personas que han muerto en circunstancias violentas. Uno de los temas frecuentes en su obra es su preocupación por la actualidad, por los efectos del cambio climático —huracanes, tsunamis, inundaciones—, imágenes de las guerras o los atentados terroristas. En estos grandes desastres, lo que la artista representa es aquello que queda después de la adversidad, los detritos y pedazos que son consecuencia de la desolación posterior. Las referencias al agua, los residuos rechazados por las inundaciones de los ríos, están presentes a lo largo de esta exposición.

En el caso de la obra de Angela de la Cruz, su motor es seguir cuestionando los límites de la pintura y la escultura, utilizando indistintamente cada una de ellas según lo que quiera expresar y la necesidad de cada obra. Como ella ha dicho, «es una escultura utilizando el lenguaje de la pintura y viceversa. Es una pintura y una escultura». En estos últimos cinco años, De la Cruz ha evolucionado en su lenguaje; donde antes predominaba la pintura emplazada en cualquier parte del espacio —paredes, suelo o esquinas— ahora nos encontramos que el uso del aluminio y su elasticidad han dado la libertad a sus esculturas para ser instaladas en cualquier parte del espacio. (Carolina Grau, Comisaria de la exposición)


Exposición coproducida con la Fundación Luis Seoane (La Coruña)

Angela de la Cruz. Escombros

Llueve, nieva, pinta

 Cuando nieva nos encontramos en presencia de un fenómeno natural;  así, cuando «se pinta», estamos ante un hecho histórico. DANIEL BUREN

«Llueve, nieva, pinta» surge de la voluntad de acercar las nuevas perspectivas de la pintura contemporánea a los niños, siguiendo la línea de las pasadas exposiciones «R + R + R. A partir de la obra Calaixera de Curro Claret» (2011) y «¡Dibuja!» (2013).

Se trata de unas nuevas perspectivas que a menudo se conocen con el nombre de «pintura expandida», una categoría que se caracteriza porque, en lugar de basarse en el uso de los pinceles, la materia pictórica, el bastidor y el lienzo, entiende como obras pictóricas producciones que parten del espacio, el gesto, el objeto, la fotografía o, incluso, dispositivos digitales; técnicas que amplían los límites tradicionales de la pintura para convertirla en una técnica multidisciplinaria, que los artistas han hecho evolucionar a lo largo de «muertes» y «renacimientos», durante el transcurso de los siglos XX y XXI, a partir de la investigación y la experimentación de una de las principales «bellas artes».

Para explorar estas derivas de la pintura, iniciadas ya durante la década de los sesenta, esta exposición se distribuye en cuatro apartados —el marco, el soporte, el color y el gesto—, que llevan el nombre de aquellos elementos que han caracterizado históricamente la pintura, con el objetivo de descubrir qué nuevas aproximaciones realizan los artistas de la Colección de Arte Contemporáneo del Ajuntament de Lleida, que nos alejan de la concepción de la pintura tradicional.

La exposición va acompañada de la intervención gráfica de Iván Bravo, que se ha pensado especialmente de acuerdo con los objetivos del proyecto. 

Artistas participantes: Ignasi Aballí / CVA / Miquel Mont / Ignacio Uriarte / Belén Uriel

Llueve, nieva, pinta