Saltar al contingut Saltar a la navegació

Exposiciones

Nada se detiene. Acto y Prefacio

DAFO, Lleida

Coincidiendo con la exposición Res no s’atura en el Centro de Arte la Panera proponemos una extensión del proyecto en DAFO. El pistoletazo de salida del proyecto expositivo Res no s’atura fue la inauguración el 13 de febrero de 2014 en la Fundación Suñol, ahora su continuación tendrá lugar en La Panera a partir del 25 de octubre. Esta exposición propone establecer un diálogo entre la Colección Josep Suñol y la colección de La Panera.

Paralelamente a la exposición principal planteamos Res no s’atura. Acte i Prefaci, una exposición colectiva que sigue funcionando en base al diálogo entre diferentes obras y artistas. En este caso, no partimos de la Colección Josep Suñol, sino de una elección de algunos de los artistas que han pasado por el Nivel Zero de la Fundación Suñol bajo el epígrafe Acto; y otra selección de los artistas que en la 8 ª Bienal de Arte Leandre Cristòfol formaron parte del Prefacio. Un punto de partida que pone de manifiesto el interés de la Fundación Suñol, el Centro de Arte la Panera y DAFO por el apoyo a los artistas jóvenes que inciden en la escena de la creación actual.

En este sentido, desde DAFO, se confecciona un dialéctica cruzada entre cuatro artistas: Marla Jacarilla y Adrianna Wallis, como participantes del Prefacio de la Bienal; y Bruno Ollé y Ricardo Trigo, como artistas que han realizado proyectos individuales en Nivell Zero de la Fundación Suñol. Con esta nueva presentación se busca la interacción entre trabajos de distinta procedencia, y desde un esquema flexible, se centra en dos conceptos a desarrollar: en primer lugar, en la idea de complejidad y fractura de las narrativas clásicas y lineales, como es el caso de “Notas al pie de Dublinesca” de Marla Jacarilla, y “giroscopio Croma” de Ricardo Trigo (pieza que conformaba parte de la instalación “Fácil. Complicar en discurso, sino el ni un” que se pudo ver en Nivell Zero); y en segundo lugar, al generar una nueva materialidad ya sea objetual o espacial a partir de la deconstrucción de los objetos originales y la transformación de sus usos, como sucede en el caso de los trabajos de “Rare et Magnifique” de Adrianna Wallis, y en los objetos escultóricos y los dibujos que formaban parte de la instalación “Hoy es siempre Todavía” de Bruno Ollé.

Nada se detiene. Acto y Prefacio

Cesc Grané. Amics de pas

Instalación permanente en el Hospital Universitario Arnau de Vilanova de Lleida

INAUGURACIÓN "AMICS DE PAS" de CESC GRANÉ martes 6 de OCTUBRE a las 13.30h

Organiza: Centro de Arte La Panera y Hospital Universitario Arnau de Vilanova

Colabora: Fundación Banco Sabadell

PROGRAMA Arte Contemporáneo en el hospital 2015

 

Este proyecto toma cómo marco de referencia los programas de arte contemporáneo que se realizan en los hospitales franceses, desde el año 2000, bajo el nombre de "Arte te Hôpital" realizados a partir de un convenio entre los Ministerios de Sanidad y Cultura del estado francés.  

Este programa quiere consolidar la colaboración entre el Centro de Arte la Panera y los Centros sanitarios de la ciudad de Lleida, en especial el Hospital Arnau de Vilanova. Plantea desarrollar un proyecto conducido por una artista, para acercar el arte contemporáneo y las prácticas artísticas actuales a los usuarios de un equipamiento hospitalario.

El proyecto "Amics de Pas" nace de la exposición que se presenta en el Centro de Arte La Panera, titulada «Making Friends», para realizar una extensión en forma de intervención permanente en el Hospital Universitario Arnau de Vilanova de Lleida.

Para hacer la intervención en un contexto hospitalario, Cesc Grané, ha partido de cuatro temas, el espacio, el mar, el cielo yy el bosque, que le sirven como telón de fondo para la incursión de su particular iconografía, formada por singulares personajes, con los que quiere invitar al espectador a imaginar mundos fantásticos y divertidos, pensados ​​expresamente para cuatro zonas del hospital, que tienen en como característica común, la atención a los niños: Pediatría, Obstetricia y Ginecología, Urgencias Pediatría y Consultas externas.

Cesc Grané. Amics de pas

13ª Jornada de Puertas Abiertas

El Centre d’Art la Panera presenta la 13ª edición de las Jornadas de Puertas Abiertas. Durante el curso escolar, el Centre d’Art la Panera lleva a cabo programas educativos, que incluyen desde jardines de infancia, educación infantil, educación primaria y secundaria y bachillerato, hasta la universidad y la educación no formal. Con el inicio de cada nuevo curso, la Panera organiza las Jornadas de Puertas Abiertas, que sirven para visibilizar las producciones artísticas y los trabajos generados por los centros y las entidades que durante el año escolar han seguido las propuestas pedagógicas de las exposiciones en curso. Por lo tanto, las Jornadas tienen una doble finalidad: por un lado, valorar las exposiciones trabajadas y su trasfondo educativo a través del retorno de los trabajos y las producciones artísticas de los participantes; por el otro, hacer visible la tarea educativa de los distintos centros de enseñanza y de su personal docente, a partir del trabajo sobre el arte y la cultura contemporáneos.

El mismo día a las 18:00 h se realizará una reunión informativa para el profesorado sobre la nueva programación expositiva del curso 2015-16 Para asistir les rogamos que confirmen la asistencia a educaciolapanera@paeria.cat. 

La inauguración tendrá lugar en el Centre d’Art la Panera, a las 19:00 h. en la que se realizaran presentaciones de los proyectos expuestos a cargo de los profesores y participantes. 

13ª Jornada de Puertas Abiertas

Los jardines inquietos

«Los jardines inquietos» es un comisariado de Ester Partegàs de la Col•lecció d’Art de la Panera a partir de su obra Els somnis són més poderosos que els malsons i viceversa, que también forma parte de él. Esta pieza es una instalación de grandes dimensiones concebida como un jardín público, un área ornamental de planteles, una zona de paso de peatones de estética homogénea y global, un jardín totalmente artificial. Partiendo de esta descripción básica, Partegàs ha articulado una serie de analogías entre obras de arte y jardines: tanto el arte como los jardines representan una especie de santuario al disturbio y la confusión que los rodean; ambos necesitan cuidado y dedicación; ambos son manifestaciones de vida porque dan más de lo que reciben, y porque representan un éxtasis de la materia; si los jardines dan orden a nuestra relación con la naturaleza, las obras de arte dan orden a nuestra relación con la realidad. Cada obra elegida para la exposición es entendida como un jardín particular, representativo de un orden específico, con un carácter vinculado a la geografía o la historia. Por ejemplo, la obra Nicknames, de Gustavo Marrone, compuesta por una serie de paneles pintados con nombres propios extraídos de Internet, representa el jardín del Decamerón de Boccaccio, donde cada noche los jóvenes florentinos se cuentan relatos por el placer de socializar. Los nombres que Marrone nos presenta, cada uno pintado de forma diferente, nos sugieren historias y narraciones de vidas distintas. La pieza de Miquel Mont, titulada Sol-mur I, es un rectángulo amarillo pintado en la pared y un contrachapado colocado justo debajo. Con una economía de material extrema, la pieza presenta unas calidades estéticas y de organización prístinas, y una delicada ordenación de la naturaleza, muy semejante a las que encontramos en los jardines zen. Encontramos, también, otras analogías: Nou com a casa, de Jordi Colomer, es el jardín homeless; Demoliciones, de Lara Almarcegui, es el jardín abandonado; Les portes de Lleida, de Francesc Ruiz, es el jardín chino; Investigación formal, de Ana García-Pineda, es el jardín botánico; Calaixera, de Curro Claret, es el jardín de Epicuro; Sade, de Ana Laura Aláez, es el jardín de Versalles; el vídeo de Cabello/Carceller es el jardín utópico o del edén; etc.
Esta exposición está inspirada en las lecturas de The rambunctious garden: saving nature in a post-wild world, de Emma Marris, y Gardens. An essay on the human condition, de Robert Pogue Harrison.

Los jardines inquietos

Cesc Grané. Making Friends.

«Making friends» reúne, a modo de diorama, la colección de personajes que conforman el imaginario de Cesc Grané.
 
La fascinación de este ilustrador catalán por la cultura y el estilo de vida japoneses lo llevó a crear, hace nueve años, su primer personaje en 3D, una montaña inspirada en la iconografía del dibujante japonés Akira Toriyama en El Dr. Slump. A lo largo de todo este tiempo, ha ido perfeccionando la técnica del modelado digital, que le ha permitido ir dando forma a toda una familia de personajes y a la construcción de los escenarios que estos habitan.
 
La atracción del autor por toda esta iconografía lo llevó a emprender un viaje por Asia en el 2012 y a establecerse durante un año y medio en Tokio. Gracias a esta residencia el autor pudo entrar en contacto directo con todas esas fuentes, a las que hasta el momento había podido acceder desde los estereotipos que nos llegan a Occidente, las cuales le permitieron enriquecer todo su imaginario.
 
En la exposición se pueden ver todas estas criaturas y, por primera vez, algunas de ellas abandonan el plano bidimensional y adquieren fisicidad para convivir con los espectadores en el espacio expositivo.

FerranElOtro

La exposición de Cesc Grané tiene una extensión en forma de intervención permanente en el Hospital Universitari Arnau de Vilanova de Lleida, dentro de los Servicios de Pediatría, Obstetricia y Ginecología. Se trata de una acción que ha recibido el apoyo de la Fundació Banc Sabadell.

Cesc Grané. Making Friends.

Retando a la suerte

Trece comisarios, trece exposiciones y un colectivo
Un proyecto de Tania Pardo


«Retando a la suerte» es un proyecto desarrollado a lo largo de dos años (2012–2014), en diferentes fases de presentación, que ha generado una red curatorial en torno a la fotografía y el colectivo NOPHOTO. La comisaria del proyecto invita a otros doce comisarios a que cada uno de ellos idee una exposición con los doce miembros del colectivo de fotógrafos NOPHOTO. El resultado de cada una de estas propuestas se presenta en un único formato: trece cajas concebidas como trece exposiciones portátiles que contienen una fotografía de cada uno de los miembros del colectivo NOPHOTO.

El proyecto arranca con cada una de estas cajas, tituladas Juntos, comisariada por Tania Pardo, quien plantea a cada uno de los fotógrafos que reflexionen sobre la idea colectiva a través de su propia individualidad. Cada uno de los comisarios —Estrella de Diego, Rafa Doctor, Horacio Fernández, Pablo Flórez, Eva González-Sancho, Martí Manen, Rosa Olivares, Sergio Rubira, Manuel Segade, Virginia Torrente, Roberto Vidal + Iraida Lombardía y Manuela Villa— ha trabajado bajo una temática específica en torno a la fotografía contemporánea —¿Documentos de ficción?, Madrid, Lo mejor, Desenfoque, La pérdida, Mussorgsky, Crisis, Errores, Félix, Solos, Lo invisible y Placer—, lo que evidencia la diversidad de miradas y planteamientos de esta red curatorial generada por el propio sistema rizomático del proyecto.

«Retando a la suerte» retoma la idea duchampiana de los museos transportables en maletas o las poéticas cajas de Joseph Cornell, e incluso todo aquello que tiene connotaciones movibles y que Vila-Matas narró en su libro Historia abreviada de la literatura  portátil.
 
Se trata de una propuesta para reflexionar sobre las estructuras trasladables o efímeras para la exhibición de arte a través de este proceso colectivo de creación, ya que estas trece exposiciones, concebidas como dispositivos itinerantes, se presentan en cajas que pueden mostrarse en cualquier lugar.


Colectivo NOPHOTO:

Jonás Bel / Iñaki Domingo / Paco Gómez / Jorquera
Carlos Luján / Eduardo Nave
Juan Millás / Eva Sala / Juan Santos
Carlos Sanva / Marta Soul / Juan Valbuena

retandoalasuerte.nophoto.org/

Retando a la suerte

Jordi Colomer. X VILLE

Arts Santa Mònica. Espai Residència

Jordi Colomer es el ganador de la 1a Edición del Premio de Videocreación impulsado por LOOP Barcelona, la Xarxa de Centres d’Arts Visuals de Catalunya y Arts Santa Mònica. En el marco del Festival LOOP Barcelona 2015 Colomer estrena su último trabajo ’X-VILLE’ el jueves 28 de mayo a las 20h en Arts Santa Mònica, un vídeo que gira en torno las utopías y su capacidad para concentrar multitudes.

Con este premio se quiere impulsar la coproducción de un proyecto que, en el ámbito de las prácticas contemporáneas, incorpore el vídeo como elemento único en el conjunto de la propuesta. El objetivo es desarrollar acciones estratégicas que puedan desarrollarse en red, e incrementen la visibilidad en el territorio y la presencia internacional. Al principio de ’X-VILLE’ una joven dice: "Nuestro tiempo es un tiempo de utopías. Hay muchas: la ’American Way of Life’, el Comunismo o los Derechos Humanos. Todas ellas tienen la capacidad de movilizar a las masas." El vídeo está inspirado en varios textos del filósofo y arquitecto utópico Yona Friedman, específicamente en su libro ’Utopías realizables’ (1974), una obra que promueve formas alternativas de organización de las grandes ciudades como respuestas colectivas a la insatisfacción. El vídeo de Colomer se construye a través de situaciones colectivas, recreando imágenes de formas alternativas de organización para la metrópolis.

‘X VILLE’ ha sido producido por: LOOP Barcelona, Xarxa de Centres d’Arts Visuals de Catalunya*, Arts Santa Mònica (Departament de Cultura. Generalitat de Catalunya), Jardins-Fabriques [Annecy], Fondazione Sandretto Re Rebaudengo y CO producciones [Barcelona-Paris]; en colaboración con: ESAAA [Annecy], Fondation Salomon pour l’Art Contemporain [Annecy], Col.lecció Banc Sabadell, Frac Languedoc-Roussillon y Villeneuve la série [Grenoble]. (*)

La Xarxa de Centres d’Arts Visuals de Catalunya está configurada por: ACVIC. Centre d’Arts Contemporànies; Bòlit, Centre d’Art Contemporani. Girona; Centre d’Art Tecla Sala de l’Hospitalet de Llobregat; Centre d’Art La Panera, Lleida; M|A|C Mataró Art Contemporani; Lo Pati  Centre d’Art Terres de l’Ebre; Fabra i Coats-Centre d’Art Contemporani de Barcelona; y El Teler de Llum Centre d’Art, Tarragona. X-VILLE Jordi Colomer 2015 Video, 28′, colour, sound Master 4K 16:9.  

Jordi Colomer. X VILLE

Transició democràtica a Lleida. Epíleg: Fernando Sánchez Castillo

Desde la Regidoria de Drets Civils, Cooperació i Igualtat del Ajuntament de Lleida se ha llevado a cabo un proceso participativo que quiere mostrar y poner en valor los actores, tiempos y espacios que conformaron el período de la transición democrática en Lleida.

Como epílogo a la exposición «Transició democràtica a Lleida», planteamos una presentación del trabajo de Fernando Sánchez Castillo (Madrid, 1970). Este artista, desde los inicios de su trayectoria, ha mostrado un gran interés por la historia contemporánea de España, especialmente por el período marcado por la dictadura franquista y la transición democrática. En su trabajo deconstruye y cuestiona los símbolos del poder y propone una revisión comprometida y crítica de la memoria histórica heredada.

Transició democràtica a Lleida. Epíleg: Fernando Sánchez Castillo

miniÍndex

Esta muestra llena de libros quiere desplegarse por el espacio miniPanera, apropiarse de los muros y mostrar la pequeña biblioteca dirigida a niños y niñas que hemos ido reuniendo desde el Servei Educatiu de la Panera.
A partir de estos libros hemos experimentado, aprendido, jugado y gozado, pero esta vez, además, llenarán todo el espacio dibujando un gran mural–Pantone, que  esconderá códigos de clasificación para descubrir nuevos libros y muchos secretos. Una experiencia para todos los públicos que nos acercará al mundo del arte contemporáneo a través de los libros.

miniÍndex

9ª Bienal de Arte Leandre Cristòfol

Una vez más, y siguiendo las líneas maestras de la primera edición, del año 1997, la Biennal d’Art Leandre Cristòfol vuelve a plantearse el reto de realizar una tarea de prospección en torno a las artes visuales contemporáneas, la arquitectura, el diseño y las publicaciones especiales.
Por otro lado, se continua ampliando una colección que quiere ser un reflejo del trabajo y las preocupaciones estéticas y conceptuales de diferentes artistas
catalanes y españoles que crean desde el momento presente.
Dentro de la Biennal de este año hemos dedicado un espacio, a partir de la  intervención específica de la artista Antònia del Río, a dar visibilidad a gran parte de las publicaciones especiales y libros de artista que se han publicado entre los años 2013 y 2014.

Artistas participantes:
Eva Fàbregas, Marco Godoy, Andrés Jaque, Mercedes Mangrané, Guillermo Mora, Juan Pérez Agirregoikoa, Teresa Solar, Julia Spínola, Àlex Trochut + Xavier Mañosa, Antònia del Río, Mauro Vallejo i Verónica Vicente.

Espacios: Centre d’Art la Panera / DAFO

9ª Bienal de Arte Leandre Cristòfol

Otra cosa. La Gran

El objetivo de esta propuesta es acercar parcelas de reflexión del artista, que nos conducirán a su obra final por medio de devaneos procesuales y de nuevas vías de experimentación.
Lejos quedan ya las concepciones del arte y del artista como entidades únicas,  coherentes y cerradas. Aquí son seres en continua evolución y en un crecimiento cada vez más híbrido y dependiente de contextos. El aura que sostenía cada obra desaparece al convertirla en piezas de diseño, en ediciones o en pruebas y errores que se aceptan como parte del proceso creativo. Porque el arte es ya otra cosa.
Presentamos una selección de ediciones producidas por La Gran de Marina Núñez, Enrique Marty, Elisa Terroba, Laura Salguero, Raúl Hevia y Los Profesionales (Elena Fernández Prada e Ignacio Pérez-Jofre), que irán acompañadas de información
sobre sus «procesos» de creación: textos, referencias, documentación…

Otra cosa. La Gran

Cartografia de la realidad

Los libros pueden servir como guías de un mundo diseñado por el artista, basados en su visión y en su propia lógica creativa. Presentan cartografías subjetivas de una geografía, un tiempo, un espacio, un sonido o un pensamiento. En ellas el lector se encuentra a sí mismo en un lugar delineado por bordes inciertos e inestables. Debido a estas cualidades ambiguas y a la propia naturaleza inherente al formato impreso —la bidimensionalidad, la tinta impresa sobre un papel, la lectura lineal de izquierda a derecha o el paso de las páginas—, se consigue que el lector sea transformado en un habitante de ese mundo, y que colabore activamente con el artista en la creación de esa otra realidad.

Exposición en linea #6

 Lara Almarcegui
Guide to the Wastelands of Lea Valley: 12 empty spaces await the London Olympics, 2009
Llibre
15 × 24 cm


 Iñaki Álvarez
Trucs que surten malament: pensar menys és més, 2008
Llibre
20,5 x 14,0 cm


 Fito Conesa
Suite for Ordinary Machinery, 2008
Partitura
27,0 x 19,8 cm


 Ceferino Galán
El Naufraguito no. 50: Isla Naufragio, 2001
Fanzine
17,6 x 10,6 cm


 Daniel Jacoby
Pronòstic del temps per al 20 de febrer dels propers 100 anys, 2009
Llibre
20,9 x 15,0 cm


 Ira Lombardía
La puerta veneciana, 2012
Llibre
21,0 x 14,8 cm


 Kevin Simón Mancera Vivas
La felicidad, 2013
Llibre
24,5 x 17,5 cm


 Mariona Moncunill
Unir els punts, 2011
Llibre
28,0 x 19,9 cm

Cartografia de la realidad

Etcètera

Como decía Umberto Eco en su libro El vértigo de las listas, publicado en 2009, «la lista está en el origen de la cultura. Es parte de la historia del arte y de la literatura. ¿Para qué queremos la cultura? Para hacer más comprensible el infinito. También se quiere crear un orden, no siempre, pero a menudo. ¿Y cómo, en tanto seres humanos, nos enfrentamos a lo infinito?, ¿cómo se puede intentar comprender lo incomprensible? A través de las listas, a través de catálogos, a través de colecciones en los museos y a través de enciclopedias y diccionarios».


A partir de los fondos del Centre de Documentació de la Panera hemos hecho una selección de publicaciones que contienen listas, enumeraciones de cosas, de ideas, de cantidades, de acciones…; todas ellas, confeccionadas por sus creadores con propósitos diversos, pero muy determinados.


El ser humano siempre ha tenido la necesidad de confeccionar listas, de clasificar, en cierto modo quizás para poner orden al caos. En realidad, es una consecuencia de la obsesión del hombre por tenerlo todo bajo control. Las listas resultantes nos reflejan el ansia del hombre por ordenar un mundo desordenado y caótico. Un deseo que es intrínseco a la propia naturaleza humana, y que encuentra en la sistematización y en la clasificación un pequeño refugio temporal ante el caos que lo rodea.


Podríamos decir que clasificar y ordenar son estrategias que utiliza el ser humano para comprender la complejidad de la realidad y, al mismo tiempo, otorgarle cierta apariencia más lógica.


Hay listas prácticas de nuestro entorno cotidiano, como la lista de la compra, la lista de invitados, el catálogo de una biblioteca, un testamento…; pero también existen listas poéticas, donde lo que se nombra no tiene por qué existir necesariamente, como una lista de criaturas míticas, de seres fantásticos, o una lista de superpoderes. Sin embargo, sucede que a veces las listas prácticas se pueden leer como poéticas, y en realidad lo que las distingue quizás sea únicamente la intención con la que las contemplamos.


Con frecuencia se piensa en las listas como algo aburrido, pero ¿quién no sucumbió alguna vez al encanto de una lista?

Exposición en linea #7

 Ignasi Aballí
Listados, 2011
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
22 x 30 cm


 Caterina Almirall, Miquel Garcia i Antonia del Rio
Los Rechazados, 2014
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
17 x 23 cm


 Iñaki Álvarez
Trucs que surten malament, 2007
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
15 × 21 cm


 Erick Beltrán
Nothing but the truth, 2003
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
29.5 × 41.5 cm


 Dora Garcia
100 obras de arte imposibles, 2003
Pòster
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
100 x 70 cm


 Ana García-Pineda
Máquinas y maquinaciones, 2008
Llibre
Impressió offset sobre paper (4 + 4)
15 × 21 cm


 Daniel Jacoby
Traducción recursiva de titulares, 2008
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
15 x 21 cm


 On Kawara
247 mois/247 jours, 1993
Llibre-objecte
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
30,8 x 23,7 x 9 cm


 Miguel Noguera
Mejor que vivir, 2014
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
17 × 21 cm


 Javier Peñafiel i Àlex Gifreu
Violencia sostenible, 2003
Pòster
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
41 × 60 cm


 Manuel Saiz
101 excusas. Cómo se legitima el arte, 2009
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
10,5 × 15 cm

Etcètera

Autor/Actor/Lector. El camino de la performance al libro

La conferencia performativa es un subgénero de la performance en la que los recursos, la técnica y las herramientas de las conferencias académicas se ponen al servicio de la práctica artística. Las conferencias performativas suelen echar mano de todo tipo de estrategias discursivas, pedagógicas, reflexivas y de conceptualización, a las que se superpone la riqueza de contenido que aportan la presencia física del performer, su gestualidad y su voz. Al presentarse en contextos artísticos, las conferencias performativas ofrecen, además, múltiples estratos de significado, porque a su contenido temático se le suma un nivel de metainterpretación que juega con las convenciones y las expectativas de las conferencias tradicionales, y que incluye, a menudo, elementos de ironía y humor.


Al igual que sucede con sus parientes académicas, las conferencias performativas mantienen una estrecha relación con el terreno de las publicaciones: la ligazón entre la oralidad y la palabra impresa viene de largo, y por eso no debe sorprender que muchos creadores publiquen los textos en los que están basadas sus performances. Cuando se convierten en material publicado, los guiones de las conferencias performativas adoptan rasgos muy heterogéneos; y los motivos que impulsan a sus autores a transformarlas en letra impresa también son muy variados.


Del mismo modo que las conferencias performativas dan lugar a presentaciones que quedan a medio camino entre la academia y el arte, sus respectivas publicaciones ocupan también el espacio fronterizo entre los libros de artista clásicos y los libros de ensayo convencionales, sin ser del todo ni lo uno ni lo otro. A fin de explorar este territorio, que es difuso y relativamente nuevo, Autor/Actor/Lector reúne una selección de proyectos en los que el mismo material textual ha dado pie a una conferencia performativa y a una publicación. Los autores que se presentan a continuación abordan la relación entre oralidad y texto desde perspectivas muy diversas, pero todos comparten su interés por explorar el potencial de ambos formatos para la transmisión de conocimiento y la expresión artística.

Exposición en linea #5

 Juan Argius (ed.)
Art? Science? Technique? Ulises Carrión’s Cultural Strategies and Communication Tactics. Five Reports, 2012
Llibre
Impressió offset sobre paper (4 + 4)
16 x 23 cm
Publicat per Ediciones La Bahía, Santander.


 John Cage
“Lecture on Nothing” en Silence: Lectures and Writings, 1961
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
15 x 19 cm
Traducció al castellà: "Conferencia sobre nada", en Silencio. Edicions Ardora, Madrid, pp. 109-127.


 Ulises Carrión
Gossip, Scandal and Good Manners, 1981
Performance
Vídeo color i so
45:13 min.
© LIMA, Amsterdam, 2014. Tots els drets reservats.


 Robert Filliou
Lehren und Lernen als Auffuehrungskuenste / von Robert Filliou und dem Leser, wenn er will; unter Mitwerkung von John Cage ... [et al.] = Teaching and learning as performing arts / by Robert Filliou and the reader, if he wishes; with the participation of John Cage ... [et al.], 1970
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
21 x 28 cm
Publicat per Walther König Verlag, Colònia.


 Dora García
Real Artists Don’t Have Teeth, 2010
Performance
Vídeo color i so
20:00 min.
Conferència performativa presentada a la Rijksakademie el 28 de febrer de 2011, en ​​el context del programa Live # 1. Actor: Jakob Tamm. Cortesia de Dora García.


 Dora García
Real Artists Don’t Have Teeth, 2010.
Vinil
Disc sonor analògic de 45 rpm
30 cm de diàmetre , funda de 31,5 x 31,5 cm
Publicado por Rosascape, París. Voz de Jakob Tamm.


 Pablo Helguera
Parallel Lives, 2003
Performance
Vídeo color i so
Conferència performativa presentada en MoMA at Grammercy Theater, Nova York, el 8 de desembre de 2003. Cortesia de Pablo Helguera.


 Pablo Helguera
Theatrum Anatomicum (And other Performance Lectures), 2009
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
15 x 23 cm
Publicat per Jorge Pinto Books, Nova York.


 Los Torreznos
35 minutos, 2002
Performance
Vídeo color i so
32:55 min.
Gravació de la conferència performativa publicada en http://vimeo.com/37976581, s/d. Cortesia de Los Torreznos.


 Los Torreznos
Cuatrocientos setenta y tres millones trescientos cincuenta y tres mil ochocientos noventa segundos, 2014
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
16 x 23,5 cm
Publicat per Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid. Disseny de Susi Bilbao.


 Robert Morris
21.3 en Lecture Performance, 2009
Llibre
Impressió offset sobre paper (4 + 4)
14 x 24 cm
Publicat per primera vegada en Lecture Performance. Kölnischer Kunstverein y Museum of Contemporary Art Belgrad, Colònia i Belgrad. Disseny de Michael Raeder.


 Javier Peñafiel
Tragedia de las corporaciones. Ignorancia, 2000
Performance
Vídeo color i so
20:00 min.
Actor: Luis Merchán. Cortesia de Javier Peñafiel.


 Javier Peñafiel
Tragedia de las corporaciones. Ignorancia, 2000
Llibre
Impressió offset sobre paper (4 + 4)
17 x 21 cm
Publicat per Consorci del Museu de l’Empordà, Figueres. Disseny d'Àlex Guifreu.


 Gabriel Pericàs
Madera curvada / Bentwood, 2012
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
14 x 23 cm
Publicat per Centre d’Art Fabra i Coats, Barcelona, en motiu de l'exposició Esto no es una exposición de arte, tampoco, comissariada per David G. Torres. Disseny de l'autor.


 Manuel Segade
Las infinitas especies. Preludio, 2013
Llibre
Impressió xerox sobre paper (1 + 1)
15 x 21 cm
Publicat per Save As… Publications, Barcelona. Disseny de ferranElOtro Studio.


 Manuel Segade
Las infinitas especies. Preludio, 2014
Performance
Fotografies color
Conferència performativa presentada a la galeria No Lugar, Quito, el 2 d'abril de 2014. Cortesia de No Lugar i Manuel Segade.


 Isidoro Valcárcel Medina
Dobleces de autor, 2013
Performance
Fotografies color
Conferència performativa presentada a la galeria ProjecteSD, Barcelona, el 7 de març de 2013. Fotografies cortesia de Roberto Ruiz i ProjecteSD.


 Isidoro Valcárcel Medina
Dobleces de autor, 2013
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
25,5 x 18,5 cm
Publicat per ProjecteSD, Barcelona. Disseny d'Àlex Guifreu.

Autor/Actor/Lector. El camino de la performance al libro

Los Rechazados

En 1973 Marlon Brando rechazó el Óscar al que había sido nominado por su actuación en The godfather. No fue a recoger la estatuilla y envió, en su lugar, a una joven india que habló denunciando el maltrato que sufren los indios norteamericanos en manos de la industria del cine. Cuarenta años más tarde, un joven de quince años rechazó el premio que había ganado en un concurso convocado por Antena 3, por la realización de un vídeo sobre la obsolescencia programada, ante la contradicción de recibir un iPod como trofeo. Entre un caso y otro se han sucedido muchos otros casos en los que los ganadores rechazan los galardones, el juicio, la academia… Ellos son Los rechazados.
Los rechazados cuestiona cómo los formatos a priori críticos, o que tratan de desarrollar una crítica institucional, pueden convertir-se en canon, a partir de la búsqueda de un gesto concreto y paradigmático en este sentido: personas que han sido premiadas en distintos campos del saber y en distintas disciplinas y que, por motivos varios, han renunciado al galardón.
A menudo puede ser un gesto de menosprecio hacia la legitimación que significa el galardón: es despreciar el jurado, la academia o el significado de la pertenencia a un colectivo mayor que establece unas normas. Rechazar un premio, en este sentido, puede ser un gesto convulsivo y políticamente incorrecto que altere el curso de lo que se espera. ¿Pero qué pasa cuando lo revisamos y nos damos cuenta de que este es un hecho  que se ha repetido y se repite año tras año en las tribunas de muchos premios o con cartas a la prensa? El espacio de rebote constituye otra tribuna, un espacio de denuncia, o de reivindicación, o simplemente un escaparate publicitario, donde los altavoces llegan más lejos que los del propio premio.

Caterina Almirall | Miquel García | Antonia del Río

Projecte d’edició Sala Art Jove – Centre d’art la Panera, 2014.

Los Rechazados

Lara Costafreda. Where dreams are made

Where dreams are made (Donde nacen los sueños) es la fábrica de sueños en la que se transformará la miniPanera: un parque de atracciones lleno de creatividad, imaginación y juegos. Un lugar reservado para que los más pequeños puedan pedir los deseos más grandes. La ilustradora Lara Costafreda realizará un mural gigante con muchos molinillos de viento para que nadie se vaya sin pedir su deseo de Navidad.

Lara Costafreda. Where dreams are made

Sara Ramo. Desvelo y traza

El Centre d’Art la Panera acoge la exposición Desvelo y Traza de Sara Ramo, comisariada por Manuela Villa y coproducida con Matadero Madrid.
Para esta propuesta, Sara Ramo pretende que el espectador descubra, con la mínima luz posible, las formas que se le presentan delante. Sin ningún tipo de indicación, será el mismo visitante el que desvele y trace las líneas que resuelven el contenido del espacio a oscuras.
A partir de un trabajo anterior titulado «Penumbra», de 2012, realizado en Río de Janeiro para la Fundação Eva Klabin, y con la influencia de autores como Helio Oiticica o Lygia Clark, Sara Ramo propone un trabajo sensorial basado en la experiencia y la construcción de imágenes, a partir del imaginario de cada uno. Se trata de un ejercicio de confrontación con el silencio y de lucha con la oscuridad, a partir del desvelo como estadio que precede al sueño, que nos mantiene vigilantes y atentos, pero a la vez inmersos en un estado que se sitúa entre la realidad y la ficción. 
A través de la organización y la disposición de objetos en desuso de exposiciones y actividades realizadas en la Panera, y como si se tratara de esculturas escondidas en la penumbra, Sara Ramo juega con la percepción del espacio por parte del público y le propone que extraiga de su imaginario personal, y por analogía, las imágenes que le sugieren. Así, a través de esta propuesta expositiva, será el propio espectador el que construya lo que ve y lo que no ve.
De forma sutil, las formas irán haciéndose visibles entre las sombras. Frente a una realidad en la que se está acostumbrado a la inmediatez y a la sucesión incesante de imágenes, la artista propone un ejercicio de paciencia, de espera y de descubrimiento. Esta pulsión escópica hará que el espectador quiera resolver qué hay en la penumbra, e indague en su imaginario para hacerlo visible.

Desvelo y Traza ha sido coproducida con Matadero Madrid, donde se pudo ver entre el 25 de mayo y el 31 de agosto de 2014.

Sara Ramo. Desvelo y traza

Vitrina #3. Up & Down de Francesc Ruiz

El espacio Vitrina es un proyecto específico de intervención sobre el escaparate de DAFO que complementa la actividad expositiva del espacio. Una propuesta que amplía la visibilidad expositiva del espacio, y que supone un trabajo ya sea paralelo, complenatario, o independiente a la exposición actual.

Up & Down es un proyecto de Francesc Ruiz que mediante el dibujo y un lenguaje cercano al cómic y la viñeta, se sitúa en el ámbito del ocio nocturno donde construye un complejo mapa mental de ambientes, grupos sociales, dinámicas de consumo y derivas urbanas, a partir de narrar historias individuales y colectivas.

En este sentido, para Vitrina # 3, Up & Down se amplía y se reconvierte en varios flyers publicitarios donde focaliza los estados emocionales sobre algunos de los detalles de la pieza central que, a partir de fotocopias y la firma del promotor nocturno, permitirán revisitar el espacio, la diversión, y los diferentes estatus, usos, y costumbres de su público habitual.

Vitrina #3. Up & Down de Francesc Ruiz

Nada se detiene

La exposición «Nada se detiene» propone establecer un diálogo entre la Col•lecció Josep Suñol y la colección del Centre d’Art la Panera a través de la muestra de una selección de treinta y ocho piezas procedentes de ambas colecciones.
 
La Col·lecció Josep Suñol se empezó a configurar en los años setenta y contiene obras fechadas entre 1915 y 2008. Por su parte, la colección del Centre d’Art la Panera contiene obras desde finales de los noventa hasta hoy, que el Ayuntamiento de Lleida viene reuniendo a lo largo de las ocho ediciones de la Biennal d’Art Leandre Cristòfol. Esta última se puede entender como la continuación, en muchos sentidos, del testimonio del siglo XX que ofrece la Col·lecció Josep Suñol.

Artistas de la colección del Centre d’Art la Panera
Francesc Abad, Ana Laura Aláez, Lara Almarcegui, Basurama, Daniel Canogar, Patrícia Dauder, Álex Francés, Abigail Lazkoz, Juan López, Julia Montilla, Juan Luis Moraza, Felicidad Moreno, Marina Núñez, Alberto Peral, MP & MP Rosado y Eulàlia Valldosera.

Artistas de la Col·lecció Josep Suñol
Sergi Aguilar, Frederic Amat, Rosa Amorós, Tonet Amorós, Carmen Calvo, Bill Culbert, Alberto García Alix, Luis Gordillo, Joan Hernández Pijuan, Peter Hone, Luis Lugán, Miquel Navarro, Juan Uslé, Darío Villalba y Zush.

Fundació Suñol – 13.02.2014 / 03.05.2014

Nada se detiene

Zona Baixa: Eulàlia Valldosera, La panxa de la terra escombrada II i III

Facultat de Ciències de l’Educació, UdL

Con la presentación de las dos fotografías de Eulàlia Valldosera pertenecientes a la colección de la Panera pretendemos abrir un debate y reflexión en torno a los usos y significados de los elementos de rechazo y qué relaciones podemos llegar a establecer con ellos.

Por otra parte, la artista Sara Ramo, a propósito de la exposición individual que presenta en la Panera, dará una conferencia, a las 17:00h,  centrada en su trayectoria profesional.

Zona Baixa: Eulàlia Valldosera, La panxa de la terra escombrada II i III