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Exposiciones

Francesc Torres, «Què en sap, la història, de mossegar-se les ungles» + Santiago Ydáñez «Troquel»

Esta exposición plantea un diálogo entre dos artistas y dos obras. Por un lado, Francesc Torres presenta una videoinstalación que parte de un material fílmico y fotográfico inédito de la biblioteca de la Universidad de Nueva York procedente de la donación de Harry Randall, fotógrafo y cámara de la Brigada Lincoln, la unidad de voluntarios americanos que viajaron a España para defender la República durante la Guerra Civil. Este material se filmó durante los años 1937 y 1938, cubre varios frentes de guerra —Zona Centro (Guadalajara), Teruel y el Ebro—, y aparecen personajes relevantes, como Ernest Hemingway, la periodista Martha Gellhorn y Vladimir Copic, comandante de la XV Brigada, dentro de la cual se encontraba integrada la Brigada Lincoln. Por otro lado, Santiago Ydáñez, que en anteriores trabajos ha revisado periodos históricos como el nazismo, muestra una serie de pinturas de gran formato que fijan, profundizan y amplifican momentos puntuales del documento fílmico. 

Francesc Torres, «Què en sap, la història, de mossegar-se les ungles» + Santiago Ydáñez «Troquel»

Porque habrá un día que no podremos más, y entonces lo podremos todo

«Porque habrá un día que no podremos más, y entonces lo podremos todo» es una exposición sobre las publicaciones del proyecto Nyamnyam, un dispositivo para hacer patente todo el entramado humano que hay detrás de este proyecto editorial autogestionado, de cuatro años de edad: veinticuatro personas que han realizado texto, fotografía, ilustración, edición, maquetación, impresión… Ellos y ellas están presentes a través de veinticuatro ediciones que cada uno ha cedido de su biblioteca personal durante el tiempo de la exposición. Así, podemos entender los fanzines, pósteres o libros de Nyamnyam desde el universo propio de sus productores, consultando una agenda, novelas, un manual sobre plantas, una libreta de apuntes, un cómic, un libro de cocina, un catálogo de artista o incluso una partitura de J. S. Bach.

Como escribe Joana Hurtado en una de las publicaciones: Mostrar las formas de hacer y decir de cada uno, por muy pequeñas que sean, es reconocer su valor simbólico, reivindicarlo como la única forma que tenemos de hacernos un lugar, ya sea en la cocina, durante el convite, o para el recuerdo, a través de las impresiones que Nyamnyam publica fruto de la aventura. Pasado el presente, ¿qué queda de esta dulce obstinación? Según Revel, la mejor forma de conocer la historia de nuestro paladar, de rastrear los gustos y sabores de nuestros antepasados, es a través de la literatura, ya sean recetarios o novelas, tratados de cocina o poemas. «Sin restaurantes. Forma de consolarse: leer libros de cocina», escribe Baudelaire. En la memoria de los cuerpos, la misma creatividad que nos lleva a probar cosas nuevas también nos acerca aquello que querríamos y no podemos tener. Sigue Baudelaire: «Sin amante, leed un libro de amor». La imaginación también nos alimenta.

Y eso también nos lo dice Nyamnyam, ya que en realidad el ciclo de intervenciones que programa «Todo…» es todo. Una única palabra para llegar con el lenguaje allí donde el cuerpo no puede. Una palabra que incluye en nuestro día a día la pura potencialidad. Sin límites. Ningún sacrificio. Nada imparcial. Porque en este lugar común no hay nada sagrado ni nada neutral. Como decía Vicent Andrés Estellés: «Porque habrá un día que no podremos más, y entonces lo podremos todo». Otra forma de decir las ganas que tenemos. Joana Hurtado Matheu, extracto de «Les ganes o la dolça obstinació de la creativitat quotidiana».
Texto incluido en la publicación Todo lo que me gusta es ilegal, inmoral o engorda, 2015

Sobre Nyamnyam
 El objetivo de Nyamnyam es promover la creación, la reflexión, el intercambio de conocimiento y la cultura, para crear estrategias de participación e interacción para responder a la necesidad de generar diálogo. Utilizamos dinámicas y herramientas propias de la creación artística para plantear acciones colectivas que generen relaciones horizontales y nos sitúen a todos en un mismo plano de acción. Fomentamos la relación entre las distintas formas de arte y la comida como elemento vehicular para crear situaciones que ayuden a dinamizar y originar nuevas formas de relación y contacto entre el tejido social. De este modo, pretendemos aprender nuevas dinámicas y provocar sinergias que pueden reactivar o repensar nuestra forma de vivir, de crear y de comer.

Porque habrá un día que no podremos más, y entonces lo podremos todo

CONSTRUÏM-NOS! Makea tu vida

La Saleta de la Panera (equipamiento social; c. de la Panera, 7)

La alianza de un servicio de atención a necesidades básicas (Menjador Social) con una escuela de arte (Escola d’Art Municipal Leandre Cristòfol) y un centro de arte contemporáneo (Centre d’Art la Panera) es posible poniendo en valor las necesidades estéticas y la sensibilidad en todas sus manifestaciones. 

Así nace La Saleta de la Panera, una nueva forma de entender las necesidades de las personas y la interacción entre el ámbito social, el cultural y el artístico.

Esta es la historia de cómo un calador, un martillo, una radial, un taladro, dos destornilladores y cúteres, junto con unos cuantos tornillos, tuercas, clavos, cola, algunos trastos y unas cuantas personas con ganas e imaginación, empezaron a hacer cambiar las cosas. Más allá de la muestra de los resultados, del proceso de trabajo del taller Mobiliario Nómada y de las reflexiones que se aportan en esta muestra, la exposición plantea y se aproxima a un marco operativo real de interacción entre distintos agentes públicos y la ciudadanía. El diseño abierto, la construcción colectiva y la reutilización de recursos nos ayudan a fomentar la participación, la corresponsabilidad, la economía social, el bien común, la redistribución y la autonomía como herramientas de transformación social y empoderamiento colectivo. 

Organiza: Regidoria de les Polítiques per als Drets de les Persones, Escola Municipal d’Art Leandre Cristòfol y Centre d’Art la Panera

Colabora: Fundació «la Caixa»

CONSTRUÏM-NOS! Makea tu vida

Guillermo Mora i Teresa Solar, «L’escriptori circular»

Guillermo Mora (Alcalá de Henares, 1980) i Teresa Solar (Madrid, 1985) plantegen una gran instal·lació que parteix d’un moble de treball poc comú: l’escriptori circular. La seva intervenció específica per a la planta 0 de la Panera s’expandeix en l’espai i revela múltiples capes i dimensions. 

Històricament, els escriptoris circulars han estat mobles que, gràcies a la seva forma particular, han superat les possibilitats dels escriptoris ortogonals. Moble trobat a les grans biblioteques, peça dels despatxos dels personatges més il·lustres de la història, l’escriptori circular ha permès acumular grans quantitats d’informació i ha aportat noves maneres d’accedir al coneixement. 

Ambdós artistes trien aquest peculiar escriptori com a punt de partida des del qual establir un diàleg i barrejar pràctiques i actituds. Aquest moble serà l’element de negociació constant entre dos artistes que procedeixen d’àmbits molt diferents de la creació plàstica. 

Guillermo Mora i Teresa Solar, «L’escriptori circular»

Situaciones

La serie de carteles «Situaciones» responde a la invitación que la Temporary Gallery de Colonia hizo a Sergio Rubira para participar en la presentación de este centro de arte durante los primeros días de la 56.ª Bienal de Venecia. El objetivo de la intervención era extender la temporalidad limitada del evento —una tarde— y también su localización —el barrio popular de Castello—, e integrarse en uno de los principales canales de comunicación de Venecia: el de los pósteres publicitarios en los locales comerciales de la ciudad. El contenido de estos carteles reaccionaba al propio contexto para el que se habían producido e interrumpía los mensajes publicitarios de los anuncios que los rodeaban. Se buscaba así crear nuevas situaciones y provocar cierto extrañamiento ante lo inesperado. En este proyecto han participado Ignasi Aballí, Cabello/Carceller, Dora García, Rogelio López Cuenca, Cristina Lucas, Julia Montilla, Juan Luis Moraza, Itziar Okariz y Juan Pérez Agirregoikoa.

Situaciones

Seguir el hilo

El mundo que nos rodea está lleno de tejidos distintos. Algunos forman parte de nuestro vestuario, pero otros visten los objetos que nos son próximos. Este es el caso de Alejandro’s carpet, una alfombra realizada por los diseñadores Emiliana Design, que ofrece la posibilidad de participar en el diseño y personalizar cada alfombra. «Seguir el hilo» ofrece un recorrido para descubrir distintas texturas que podremos reconocer al tacto e imaginar cuáles son sus posibilidades e utilidades.

Seguir el hilo

VESTIR Y DESVESTIR CUERPOS. Fenomenologías de aparición

El potencial «performativo» de la moda, su capacidad generativa, radica en su carácter eminentemente público. Es en este sentido que el diseño de moda tiene una especial relevancia en su capacidad de actuar en nuestros cuerpos. La industria de la moda no solo ha normativizado la identidad de género de acuerdo con la repetición de rasgos que se identifican con lo femenino o lo masculino, sino que también ha formulado una serie de cuerpos paradigmáticos, deseables, canónicos, y a la vez, ha intentado ocultar la deformidad y la diferencia. 

La exposición «Vestir y desvestir cuerpos. Fenomenologías de aparición» propone una reflexión desde la moda y el arte sobre el cuerpo. La pregunta que nos hacemos es cuál sería ese límite que separa la moda como una forma de adoctrinamiento y el vestir como modo de aparición, de pensarse y de hacerse.

Artistas participantes:
Ana Laura Aláez / Nora Ancarola / Stéphanie Baechler / Ramon Guillén-Balmes / Isabel Banal / Anna-Sophie Berger / Denys Blacker / María Castellanos / Júlia Coma Vilarasau / Lucía Cuba / David Delfín / Emma Escuer / Pepe Espaliú / Ali Yerdel i Anastasia Pistofidou / Laura Fernández Antolín / Esther Ferrer / Lena Gallovicova / Nadine Goepfert / Rubén Grilo / Enric Majoral / Ana Mir / Txell Miras / Juan Luis Moraza / María Morgui / Juan Muñoz / Peter Pohjola / Maria Palomeras / Miriam Ponsa / Joana Poulastrou / Laura Puigdellívol / Mariaelena Roqué / Tea Sirbiladze / Jana Sterbak / Pan Weiju.

VESTIR Y DESVESTIR CUERPOS. Fenomenologías de aparición

Edgar dos Santos. Accionsmigrants.org

La Saleta de la Panera
Equipament Social
Panera 7, 25002 Lleida


Accionsmigrants.org es una recopilación de distintas acciones desarrolladas por el colectivo migrante con el objetivo de acercar y dar visibilidad a sus problemáticas, experiencias y aportaciones. Se priorizan las prácticas artísticas participativas que impliquen la interacción con el espacio urbano y la ciudadanía con el fin de estimular su integración, la participación ciudadana y la reflexión espontánea.

«Desvelant migrants» es el resultado del segundo taller hecho con mujeres migrantes.

La activación de la web pretende funcionar como plataforma para la difusión de estas acciones y de lanzadera para las que se puedan generar, ya sea a través de nuevos talleres o a partir de acciones y propuestas independientes.

Estas acciones se han llevado a cabo a través de dos talleres dirigidos por Edgar dos Santos, con la colaboración de la Regidoria de Participació Ciutadana, Drets Civils i Cooperació, y del Centre d’Art la Panera, y con el apoyo de la Obra Social “la Caixa”.


Paralelamente a la exposición, se intervendrá en distintos espacios para colocar las siluetas en grande y dotar así de más visibilidad las diferentes propuestas surgidas durante el taller. Estos espacios son:

Centre Cívic Plaça Ereta
Centre Cívic Pardinyes
Centre Cívic Secà
Centre Cívic Balàfia
Centre Cívic i Ludoteca del Centre Històric
Edifici Pal•las
Edifici Joventut
Escola d’Art Leandre Cristòfol
Solar Viu del Centre Històric
Universitat de Lleida (Cappont)

Edgar dos Santos es fotógrafo y profesor en la Escola d’Art Leandre Cristòfol. Sus proyectos personales centran la atención en la relación del hombre con la naturaleza y el espacio que habita. La transformación del territorio, el diálogo con la naturaleza, la percepción del paisaje y su representación son algunos de los temas de sus últimos trabajos.

Utilizando preferentemente la fotografía como medio, alterna la realización de puestas en escena con planteamientos de estilo más documental. 

Durante los últimos tiempos también se ha dedicado a crear proyectos participativos y de inclusión social, utilizando el arte y la fotografía como herramienta integradora, por lo que ha ganado en varias ocasiones una ayuda en la convocatoria estatal de la Fundació “la Caixa” Arte para la Mejora Social.

Edgar dos Santos. Accionsmigrants.org

Angela de la Cruz. Escombros

«Angela de la Cruz. Escombros» ofrece un recorrido a través de piezas realizadas entre los años 2009 y 2014. La exposición toma su título de Debris (2012), una obra perteneciente a la serie «Wet», a través de la cual la artista hace referencia a la basura y los restos que flotan en los océanos. Estos restos finalmente brotan en las orillas del mar, al igual que los cuerpos de las personas que han muerto en circunstancias violentas. Uno de los temas frecuentes en su obra es su preocupación por la actualidad, por los efectos del cambio climático —huracanes, tsunamis, inundaciones—, imágenes de las guerras o los atentados terroristas. En estos grandes desastres, lo que la artista representa es aquello que queda después de la adversidad, los detritos y pedazos que son consecuencia de la desolación posterior. Las referencias al agua, los residuos rechazados por las inundaciones de los ríos, están presentes a lo largo de esta exposición.

En el caso de la obra de Angela de la Cruz, su motor es seguir cuestionando los límites de la pintura y la escultura, utilizando indistintamente cada una de ellas según lo que quiera expresar y la necesidad de cada obra. Como ella ha dicho, «es una escultura utilizando el lenguaje de la pintura y viceversa. Es una pintura y una escultura». En estos últimos cinco años, De la Cruz ha evolucionado en su lenguaje; donde antes predominaba la pintura emplazada en cualquier parte del espacio —paredes, suelo o esquinas— ahora nos encontramos que el uso del aluminio y su elasticidad han dado la libertad a sus esculturas para ser instaladas en cualquier parte del espacio. (Carolina Grau, Comisaria de la exposición)


Exposición coproducida con la Fundación Luis Seoane (La Coruña)

Angela de la Cruz. Escombros

Llueve, nieva, pinta

 Cuando nieva nos encontramos en presencia de un fenómeno natural;  así, cuando «se pinta», estamos ante un hecho histórico. DANIEL BUREN

«Llueve, nieva, pinta» surge de la voluntad de acercar las nuevas perspectivas de la pintura contemporánea a los niños, siguiendo la línea de las pasadas exposiciones «R + R + R. A partir de la obra Calaixera de Curro Claret» (2011) y «¡Dibuja!» (2013).

Se trata de unas nuevas perspectivas que a menudo se conocen con el nombre de «pintura expandida», una categoría que se caracteriza porque, en lugar de basarse en el uso de los pinceles, la materia pictórica, el bastidor y el lienzo, entiende como obras pictóricas producciones que parten del espacio, el gesto, el objeto, la fotografía o, incluso, dispositivos digitales; técnicas que amplían los límites tradicionales de la pintura para convertirla en una técnica multidisciplinaria, que los artistas han hecho evolucionar a lo largo de «muertes» y «renacimientos», durante el transcurso de los siglos XX y XXI, a partir de la investigación y la experimentación de una de las principales «bellas artes».

Para explorar estas derivas de la pintura, iniciadas ya durante la década de los sesenta, esta exposición se distribuye en cuatro apartados —el marco, el soporte, el color y el gesto—, que llevan el nombre de aquellos elementos que han caracterizado históricamente la pintura, con el objetivo de descubrir qué nuevas aproximaciones realizan los artistas de la Colección de Arte Contemporáneo del Ajuntament de Lleida, que nos alejan de la concepción de la pintura tradicional.

La exposición va acompañada de la intervención gráfica de Iván Bravo, que se ha pensado especialmente de acuerdo con los objetivos del proyecto. 

Artistas participantes: Ignasi Aballí / CVA / Miquel Mont / Ignacio Uriarte / Belén Uriel

Llueve, nieva, pinta

Nada se detiene. Acto y Prefacio

DAFO, Lleida

Coincidiendo con la exposición Res no s’atura en el Centro de Arte la Panera proponemos una extensión del proyecto en DAFO. El pistoletazo de salida del proyecto expositivo Res no s’atura fue la inauguración el 13 de febrero de 2014 en la Fundación Suñol, ahora su continuación tendrá lugar en La Panera a partir del 25 de octubre. Esta exposición propone establecer un diálogo entre la Colección Josep Suñol y la colección de La Panera.

Paralelamente a la exposición principal planteamos Res no s’atura. Acte i Prefaci, una exposición colectiva que sigue funcionando en base al diálogo entre diferentes obras y artistas. En este caso, no partimos de la Colección Josep Suñol, sino de una elección de algunos de los artistas que han pasado por el Nivel Zero de la Fundación Suñol bajo el epígrafe Acto; y otra selección de los artistas que en la 8 ª Bienal de Arte Leandre Cristòfol formaron parte del Prefacio. Un punto de partida que pone de manifiesto el interés de la Fundación Suñol, el Centro de Arte la Panera y DAFO por el apoyo a los artistas jóvenes que inciden en la escena de la creación actual.

En este sentido, desde DAFO, se confecciona un dialéctica cruzada entre cuatro artistas: Marla Jacarilla y Adrianna Wallis, como participantes del Prefacio de la Bienal; y Bruno Ollé y Ricardo Trigo, como artistas que han realizado proyectos individuales en Nivell Zero de la Fundación Suñol. Con esta nueva presentación se busca la interacción entre trabajos de distinta procedencia, y desde un esquema flexible, se centra en dos conceptos a desarrollar: en primer lugar, en la idea de complejidad y fractura de las narrativas clásicas y lineales, como es el caso de “Notas al pie de Dublinesca” de Marla Jacarilla, y “giroscopio Croma” de Ricardo Trigo (pieza que conformaba parte de la instalación “Fácil. Complicar en discurso, sino el ni un” que se pudo ver en Nivell Zero); y en segundo lugar, al generar una nueva materialidad ya sea objetual o espacial a partir de la deconstrucción de los objetos originales y la transformación de sus usos, como sucede en el caso de los trabajos de “Rare et Magnifique” de Adrianna Wallis, y en los objetos escultóricos y los dibujos que formaban parte de la instalación “Hoy es siempre Todavía” de Bruno Ollé.

Nada se detiene. Acto y Prefacio

Cesc Grané. Amics de pas

Instalación permanente en el Hospital Universitario Arnau de Vilanova de Lleida

INAUGURACIÓN "AMICS DE PAS" de CESC GRANÉ martes 6 de OCTUBRE a las 13.30h

Organiza: Centro de Arte La Panera y Hospital Universitario Arnau de Vilanova

Colabora: Fundación Banco Sabadell

PROGRAMA Arte Contemporáneo en el hospital 2015

 

Este proyecto toma cómo marco de referencia los programas de arte contemporáneo que se realizan en los hospitales franceses, desde el año 2000, bajo el nombre de "Arte te Hôpital" realizados a partir de un convenio entre los Ministerios de Sanidad y Cultura del estado francés.  

Este programa quiere consolidar la colaboración entre el Centro de Arte la Panera y los Centros sanitarios de la ciudad de Lleida, en especial el Hospital Arnau de Vilanova. Plantea desarrollar un proyecto conducido por una artista, para acercar el arte contemporáneo y las prácticas artísticas actuales a los usuarios de un equipamiento hospitalario.

El proyecto "Amics de Pas" nace de la exposición que se presenta en el Centro de Arte La Panera, titulada «Making Friends», para realizar una extensión en forma de intervención permanente en el Hospital Universitario Arnau de Vilanova de Lleida.

Para hacer la intervención en un contexto hospitalario, Cesc Grané, ha partido de cuatro temas, el espacio, el mar, el cielo yy el bosque, que le sirven como telón de fondo para la incursión de su particular iconografía, formada por singulares personajes, con los que quiere invitar al espectador a imaginar mundos fantásticos y divertidos, pensados ​​expresamente para cuatro zonas del hospital, que tienen en como característica común, la atención a los niños: Pediatría, Obstetricia y Ginecología, Urgencias Pediatría y Consultas externas.

Cesc Grané. Amics de pas

13ª Jornada de Puertas Abiertas

El Centre d’Art la Panera presenta la 13ª edición de las Jornadas de Puertas Abiertas. Durante el curso escolar, el Centre d’Art la Panera lleva a cabo programas educativos, que incluyen desde jardines de infancia, educación infantil, educación primaria y secundaria y bachillerato, hasta la universidad y la educación no formal. Con el inicio de cada nuevo curso, la Panera organiza las Jornadas de Puertas Abiertas, que sirven para visibilizar las producciones artísticas y los trabajos generados por los centros y las entidades que durante el año escolar han seguido las propuestas pedagógicas de las exposiciones en curso. Por lo tanto, las Jornadas tienen una doble finalidad: por un lado, valorar las exposiciones trabajadas y su trasfondo educativo a través del retorno de los trabajos y las producciones artísticas de los participantes; por el otro, hacer visible la tarea educativa de los distintos centros de enseñanza y de su personal docente, a partir del trabajo sobre el arte y la cultura contemporáneos.

El mismo día a las 18:00 h se realizará una reunión informativa para el profesorado sobre la nueva programación expositiva del curso 2015-16 Para asistir les rogamos que confirmen la asistencia a educaciolapanera@paeria.cat. 

La inauguración tendrá lugar en el Centre d’Art la Panera, a las 19:00 h. en la que se realizaran presentaciones de los proyectos expuestos a cargo de los profesores y participantes. 

13ª Jornada de Puertas Abiertas

Los jardines inquietos

«Los jardines inquietos» es un comisariado de Ester Partegàs de la Col•lecció d’Art de la Panera a partir de su obra Els somnis són més poderosos que els malsons i viceversa, que también forma parte de él. Esta pieza es una instalación de grandes dimensiones concebida como un jardín público, un área ornamental de planteles, una zona de paso de peatones de estética homogénea y global, un jardín totalmente artificial. Partiendo de esta descripción básica, Partegàs ha articulado una serie de analogías entre obras de arte y jardines: tanto el arte como los jardines representan una especie de santuario al disturbio y la confusión que los rodean; ambos necesitan cuidado y dedicación; ambos son manifestaciones de vida porque dan más de lo que reciben, y porque representan un éxtasis de la materia; si los jardines dan orden a nuestra relación con la naturaleza, las obras de arte dan orden a nuestra relación con la realidad. Cada obra elegida para la exposición es entendida como un jardín particular, representativo de un orden específico, con un carácter vinculado a la geografía o la historia. Por ejemplo, la obra Nicknames, de Gustavo Marrone, compuesta por una serie de paneles pintados con nombres propios extraídos de Internet, representa el jardín del Decamerón de Boccaccio, donde cada noche los jóvenes florentinos se cuentan relatos por el placer de socializar. Los nombres que Marrone nos presenta, cada uno pintado de forma diferente, nos sugieren historias y narraciones de vidas distintas. La pieza de Miquel Mont, titulada Sol-mur I, es un rectángulo amarillo pintado en la pared y un contrachapado colocado justo debajo. Con una economía de material extrema, la pieza presenta unas calidades estéticas y de organización prístinas, y una delicada ordenación de la naturaleza, muy semejante a las que encontramos en los jardines zen. Encontramos, también, otras analogías: Nou com a casa, de Jordi Colomer, es el jardín homeless; Demoliciones, de Lara Almarcegui, es el jardín abandonado; Les portes de Lleida, de Francesc Ruiz, es el jardín chino; Investigación formal, de Ana García-Pineda, es el jardín botánico; Calaixera, de Curro Claret, es el jardín de Epicuro; Sade, de Ana Laura Aláez, es el jardín de Versalles; el vídeo de Cabello/Carceller es el jardín utópico o del edén; etc.
Esta exposición está inspirada en las lecturas de The rambunctious garden: saving nature in a post-wild world, de Emma Marris, y Gardens. An essay on the human condition, de Robert Pogue Harrison.

Los jardines inquietos

Cesc Grané. Making Friends.

«Making friends» reúne, a modo de diorama, la colección de personajes que conforman el imaginario de Cesc Grané.
 
La fascinación de este ilustrador catalán por la cultura y el estilo de vida japoneses lo llevó a crear, hace nueve años, su primer personaje en 3D, una montaña inspirada en la iconografía del dibujante japonés Akira Toriyama en El Dr. Slump. A lo largo de todo este tiempo, ha ido perfeccionando la técnica del modelado digital, que le ha permitido ir dando forma a toda una familia de personajes y a la construcción de los escenarios que estos habitan.
 
La atracción del autor por toda esta iconografía lo llevó a emprender un viaje por Asia en el 2012 y a establecerse durante un año y medio en Tokio. Gracias a esta residencia el autor pudo entrar en contacto directo con todas esas fuentes, a las que hasta el momento había podido acceder desde los estereotipos que nos llegan a Occidente, las cuales le permitieron enriquecer todo su imaginario.
 
En la exposición se pueden ver todas estas criaturas y, por primera vez, algunas de ellas abandonan el plano bidimensional y adquieren fisicidad para convivir con los espectadores en el espacio expositivo.

FerranElOtro

La exposición de Cesc Grané tiene una extensión en forma de intervención permanente en el Hospital Universitari Arnau de Vilanova de Lleida, dentro de los Servicios de Pediatría, Obstetricia y Ginecología. Se trata de una acción que ha recibido el apoyo de la Fundació Banc Sabadell.

Cesc Grané. Making Friends.

Retando a la suerte

Trece comisarios, trece exposiciones y un colectivo
Un proyecto de Tania Pardo


«Retando a la suerte» es un proyecto desarrollado a lo largo de dos años (2012–2014), en diferentes fases de presentación, que ha generado una red curatorial en torno a la fotografía y el colectivo NOPHOTO. La comisaria del proyecto invita a otros doce comisarios a que cada uno de ellos idee una exposición con los doce miembros del colectivo de fotógrafos NOPHOTO. El resultado de cada una de estas propuestas se presenta en un único formato: trece cajas concebidas como trece exposiciones portátiles que contienen una fotografía de cada uno de los miembros del colectivo NOPHOTO.

El proyecto arranca con cada una de estas cajas, tituladas Juntos, comisariada por Tania Pardo, quien plantea a cada uno de los fotógrafos que reflexionen sobre la idea colectiva a través de su propia individualidad. Cada uno de los comisarios —Estrella de Diego, Rafa Doctor, Horacio Fernández, Pablo Flórez, Eva González-Sancho, Martí Manen, Rosa Olivares, Sergio Rubira, Manuel Segade, Virginia Torrente, Roberto Vidal + Iraida Lombardía y Manuela Villa— ha trabajado bajo una temática específica en torno a la fotografía contemporánea —¿Documentos de ficción?, Madrid, Lo mejor, Desenfoque, La pérdida, Mussorgsky, Crisis, Errores, Félix, Solos, Lo invisible y Placer—, lo que evidencia la diversidad de miradas y planteamientos de esta red curatorial generada por el propio sistema rizomático del proyecto.

«Retando a la suerte» retoma la idea duchampiana de los museos transportables en maletas o las poéticas cajas de Joseph Cornell, e incluso todo aquello que tiene connotaciones movibles y que Vila-Matas narró en su libro Historia abreviada de la literatura  portátil.
 
Se trata de una propuesta para reflexionar sobre las estructuras trasladables o efímeras para la exhibición de arte a través de este proceso colectivo de creación, ya que estas trece exposiciones, concebidas como dispositivos itinerantes, se presentan en cajas que pueden mostrarse en cualquier lugar.


Colectivo NOPHOTO:

Jonás Bel / Iñaki Domingo / Paco Gómez / Jorquera
Carlos Luján / Eduardo Nave
Juan Millás / Eva Sala / Juan Santos
Carlos Sanva / Marta Soul / Juan Valbuena

retandoalasuerte.nophoto.org/

Retando a la suerte

Jordi Colomer. X VILLE

Arts Santa Mònica. Espai Residència

Jordi Colomer es el ganador de la 1a Edición del Premio de Videocreación impulsado por LOOP Barcelona, la Xarxa de Centres d’Arts Visuals de Catalunya y Arts Santa Mònica. En el marco del Festival LOOP Barcelona 2015 Colomer estrena su último trabajo ’X-VILLE’ el jueves 28 de mayo a las 20h en Arts Santa Mònica, un vídeo que gira en torno las utopías y su capacidad para concentrar multitudes.

Con este premio se quiere impulsar la coproducción de un proyecto que, en el ámbito de las prácticas contemporáneas, incorpore el vídeo como elemento único en el conjunto de la propuesta. El objetivo es desarrollar acciones estratégicas que puedan desarrollarse en red, e incrementen la visibilidad en el territorio y la presencia internacional. Al principio de ’X-VILLE’ una joven dice: "Nuestro tiempo es un tiempo de utopías. Hay muchas: la ’American Way of Life’, el Comunismo o los Derechos Humanos. Todas ellas tienen la capacidad de movilizar a las masas." El vídeo está inspirado en varios textos del filósofo y arquitecto utópico Yona Friedman, específicamente en su libro ’Utopías realizables’ (1974), una obra que promueve formas alternativas de organización de las grandes ciudades como respuestas colectivas a la insatisfacción. El vídeo de Colomer se construye a través de situaciones colectivas, recreando imágenes de formas alternativas de organización para la metrópolis.

‘X VILLE’ ha sido producido por: LOOP Barcelona, Xarxa de Centres d’Arts Visuals de Catalunya*, Arts Santa Mònica (Departament de Cultura. Generalitat de Catalunya), Jardins-Fabriques [Annecy], Fondazione Sandretto Re Rebaudengo y CO producciones [Barcelona-Paris]; en colaboración con: ESAAA [Annecy], Fondation Salomon pour l’Art Contemporain [Annecy], Col.lecció Banc Sabadell, Frac Languedoc-Roussillon y Villeneuve la série [Grenoble]. (*)

La Xarxa de Centres d’Arts Visuals de Catalunya está configurada por: ACVIC. Centre d’Arts Contemporànies; Bòlit, Centre d’Art Contemporani. Girona; Centre d’Art Tecla Sala de l’Hospitalet de Llobregat; Centre d’Art La Panera, Lleida; M|A|C Mataró Art Contemporani; Lo Pati  Centre d’Art Terres de l’Ebre; Fabra i Coats-Centre d’Art Contemporani de Barcelona; y El Teler de Llum Centre d’Art, Tarragona. X-VILLE Jordi Colomer 2015 Video, 28′, colour, sound Master 4K 16:9.  

Jordi Colomer. X VILLE

Transició democràtica a Lleida. Epíleg: Fernando Sánchez Castillo

Desde la Regidoria de Drets Civils, Cooperació i Igualtat del Ajuntament de Lleida se ha llevado a cabo un proceso participativo que quiere mostrar y poner en valor los actores, tiempos y espacios que conformaron el período de la transición democrática en Lleida.

Como epílogo a la exposición «Transició democràtica a Lleida», planteamos una presentación del trabajo de Fernando Sánchez Castillo (Madrid, 1970). Este artista, desde los inicios de su trayectoria, ha mostrado un gran interés por la historia contemporánea de España, especialmente por el período marcado por la dictadura franquista y la transición democrática. En su trabajo deconstruye y cuestiona los símbolos del poder y propone una revisión comprometida y crítica de la memoria histórica heredada.

Transició democràtica a Lleida. Epíleg: Fernando Sánchez Castillo

miniÍndex

Esta muestra llena de libros quiere desplegarse por el espacio miniPanera, apropiarse de los muros y mostrar la pequeña biblioteca dirigida a niños y niñas que hemos ido reuniendo desde el Servei Educatiu de la Panera.
A partir de estos libros hemos experimentado, aprendido, jugado y gozado, pero esta vez, además, llenarán todo el espacio dibujando un gran mural–Pantone, que  esconderá códigos de clasificación para descubrir nuevos libros y muchos secretos. Una experiencia para todos los públicos que nos acercará al mundo del arte contemporáneo a través de los libros.

miniÍndex

9ª Bienal de Arte Leandre Cristòfol

Una vez más, y siguiendo las líneas maestras de la primera edición, del año 1997, la Biennal d’Art Leandre Cristòfol vuelve a plantearse el reto de realizar una tarea de prospección en torno a las artes visuales contemporáneas, la arquitectura, el diseño y las publicaciones especiales.
Por otro lado, se continua ampliando una colección que quiere ser un reflejo del trabajo y las preocupaciones estéticas y conceptuales de diferentes artistas
catalanes y españoles que crean desde el momento presente.
Dentro de la Biennal de este año hemos dedicado un espacio, a partir de la  intervención específica de la artista Antònia del Río, a dar visibilidad a gran parte de las publicaciones especiales y libros de artista que se han publicado entre los años 2013 y 2014.

Artistas participantes:
Eva Fàbregas, Marco Godoy, Andrés Jaque, Mercedes Mangrané, Guillermo Mora, Juan Pérez Agirregoikoa, Teresa Solar, Julia Spínola, Àlex Trochut + Xavier Mañosa, Antònia del Río, Mauro Vallejo i Verónica Vicente.

Espacios: Centre d’Art la Panera / DAFO

9ª Bienal de Arte Leandre Cristòfol