Actividades

Sábado 16 de mayo a las 20:30h y 21:30 h

Voces: Siddharth G. Singh, Enrikson, Claudia Schneider y Erika Michi.

La voz como materia sensible. Como una arquitectura que no se ve pero que sostiene. Una arquitectura hecha de aire, de tiempo, de presencia. La primera voz aparece siempre sola, como un impulso íntimo, pero enseguida busca otra cosa: una escucha, un eco, una respuesta. Así es como se transforma en colectivo, en un nosotros que no se impone, sino que se construye.

Esta actuación performática parte de la voz como espacio compartido. Cinco voces, entre ellas la de Fito Conesa, se encuentran para afinarse, para desplazarse juntas, para generar acuerdos que no buscan una forma cerrada sino un estado. El cuerpo es aquí central: no como soporte del sonido, sino como lugar donde la vibración se instala, circula y modifica la percepción.

Hay algo de ritual informal, de ejercicio de atención compartida, de una mística posible que no necesita símbolos ni relatos. Solo tiempo, respiración y escucha.

El trabajo de Fito Conesa se ha movido siempre en este territorio poroso entre la música, la imagen y la celebración vital. Su práctica artística entiende el sonido como una herramienta de relación, como una manera de pensar lo colectivo desde el afecto y la vulnerabilidad. En esta pieza, Conesa no ocupa el centro, sino que se disuelve en él: acompaña, responde, escucha. El sentido emerge del conjunto, no de una voz dominante.

Un espacio para dejarse afectar por el sonido, para escuchar con el cuerpo entero. El público no es solo espectador, sino parte del campo de resonancia. Cuando las voces se encuentran, algo se desplaza. Y ese desplazamiento es compartido.

Cerámica emocional conecta arte contemporáneo, educación e inclusión social en una iniciativa que se desarrolla durante el curso 2025-2026 impulsada por la ZER Riu Corb, la Asociación Alba, el Centro de Arte la Panera y la colaboración de la Escuela de Arte Ondara.

Uno de los ejes centrales es la conexión con el territorio y la tradición ceramista de Verdú, incorporando piezas originales y el trabajo con artesanos locales.

El proyecto propone la creación de un mural y diversas piezas cerámicas colectivas, poniendo el foco no tanto en el resultado final como en el proceso creativo compartido, basado en la participación, la escucha y el trabajo conjunto entre niños, jóvenes, adultos y personas con diversidad funcional.

Impulsado por el artista Fernando Renes, la propuesta combina práctica artística e investigación pedagógica a través de talleres a lo largo del curso, donde diferentes agentes educativos, sociales y culturales trabajan de manera coordinada.

El Centro de Arte la Panera, referente en mediación cultural desde 2003, acompaña el proyecto desde su experiencia en residencias, talleres y procesos participativos, garantizando la proyección artística e institucional de los resultados.

La Asociación Alba, con una larga trayectoria en proyectos culturales inclusivos, aporta su experiencia en procesos de creación con personas con discapacidad y/o diagnóstico de salud mental, consolidando líneas de trabajo como “Conexiones artísticas”, que vinculan artistas y comunidad en entornos rurales.

El artista Fernando Renes (Covarrubias, 1970), formado en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid y con trayectoria internacional en Nueva York y Roma, desarrolla desde 2014 una práctica centrada en la cerámica como lenguaje contemporáneo. Su trabajo, presente en instituciones como el MUSAC, el MORERA o el Queens Museum, explora la relación entre materia, dibujo y narrativa visual, y aporta al proyecto una mirada híbrida entre investigación artística y experimentación pedagógica.

El proyecto cuenta también con la participación de la Escuela de Arte Ondara, que aporta apoyo técnico y pedagógico.

Los resultados se mostrarán en tres momentos clave: una presentación en la ZER Riu Corb, una exposición Fernando Renes: Merx, comisariada por Antoni Jové en el Centro de Arte la Panera a partir del 24 de octubre de 2026, así como la instalación permanente de la obra en la escuela ZER Riu Corb.

El proyecto está financiado por el Departamento de Cultura de la Generalitat de Cataluña, en el marco de las subvenciones para proyectos culturales y artísticos de nueva creación y de carácter innovador en centros educativos.

Con esta nueva convocatoria de beca de residencia y producción retomamos el legado de las Becas Art i Natura a la Creació. La actual convocatoria se centra en una sola beca y aumenta la dotación económica de honorarios y producción. Iniciamos esta beca en el espacio de residencias artísticas Entornos, Mussa (Lles de Cerdaña). Teniendo en cuenta que la pluralidad y diversidad de centros de residencia y producción en la provincia de Lleida ha aumentado las futuras convocatorias alternarán otros espacios del territorio.

Junio
Martes 30 de junio a las 17:30

Julio
Martes 14 y 28 a las 17:30

Agosto
Martes 11 y 25 de agosto a las 17:30

Gratuito con inscripción previa.

Taller: Construyendo minimundos
Con motivo de la exposición de la artista Martina Rogers, este taller invita a crear pequeños mundos a partir de materiales dispuestos en cestas y cajitas creadas por la artista. Es un espacio de juego libre donde se pueden combinar, ordenar y transformar los elementos para imaginar escenarios propios. La propuesta pone el acento en la observación, el cuidado por los detalles y la creatividad. Cada minimundo es único, personal y efímero. Una invitación a explorar y conectar con el arte desde la experiencia directa y la imaginación.

Taller de creación de amuletos con arcilla

27 de junio a las 11:30 h, 

¿Qué hace que un objeto tenga alma? Crear es acceder al misterio del mundo.
En este taller exploraremos la conexión entre creación y pensamiento mágico a través de dar forma a la arcilla. Modelaremos pequeñas piezas de manera intuitiva, dejando que las manos guíen el proceso y transfiriendo nuestra propia energía. Cada participante creará su amuleto, que cobrará vida a través del gesto, la textura y el deseo.
Una experiencia para activar la mirada interior y descubrir la magia que habita en las cosas pequeñas.

Acción performativa · Silbatriz Pons

En el marco de la exposición-instalación de Cristina Mejías

Visita guiada · Cristina Mejías y Claudia Rodríguez-Ponga

Domingo 22 de marzo a las 12:00 h.

Marisa Pons trabaja en el cruce entre arte sonoro y performance, utilizando el silbido como práctica artística y amable desobediencia. Su investigación concibe el cuerpo como instrumento y presencia: respiración, saliva, diafragma y vibración se convierten en materia expresiva y compositiva.

Al elegir el silbido como lenguaje principal, desplaza la palabra y su jerarquía de sentido, explorando formas de pensamiento que emergen desde la escucha y la fisicidad del sonido. El silbido, como gesto de afirmación, sitúa la existencia más allá del discurso y propone una experiencia sostenida en la mínima acción.

En el marco de esta investigación ha desarrollado las piezas escénicas Episodio 08 (ACT Festival, 2014), Cosa Negra (La Casa Encendida, 2015) y Esquizofonía (Festival de Otoño, 2023). Actualmente trabaja en su nueva creación, Panfilia.

En 2019 obtuvo tres títulos mundiales en el Masters of Musical Whistling (California). Paralelamente, ha impulsado el término silbatriz como forma de legitimación simbólica y lingüística de esta práctica, contribuyendo a su incorporación al Diccionario Histórico de la Lengua Española.

Sábado 21 de febrero, 17:30 h

Edad recomendada: a partir de 5 años

Plazas limitadas (se requiere reserva previa: educaciolapanera@paeria.cat)

La cineasta alemana y directora de la serie de televisión Animanimals ha escrito muchas historias sobre animales, que transmiten de forma fresca, ligera y divertida valores profundos y significativos para la vida, como la amistad, la valentía… ¡Y ahora vendrá a escribir y dibujar animales contigo! Una actividad creativa para niños y niñas a partir de cinco años. Te esperamos en el espacio de exposición para disfrutar de una tarde llena de imaginación.

13 h

«Llindar lleu» es una exposición para ser escuchada. Pero ¿cuáles son las pautas, la predisposición, los lugares en los que debemos detener la atención?

Activamos la escucha de manera voluntaria. En el espacio emergerá aquello casi imperceptible: el susurro, la reverberación o el silencio. ¿Qué efectos emocionales nos genera?

Al recorrer la exposición, aparecerá otro tipo de sonido: aquel sobre el que leemos las obras, que proviene de la imaginación, de la memoria, de un concepto, de algo olvidado. Puede ser el sonido de fondo, el ruido silenciado, un grito ya escuchado.

Escuchamos la vibración que nos interconecta. ¿Cómo suenan los cuerpos y los objetos? ¿Existe una frecuencia común a todas las cosas?

Partiendo del trabajo de pensadoras como Pauline Oliveros o Laurie Anderson, las obras de Laura Llaneli nos invitan a una escucha atenta, a ejercitar este sentido tanto en el conjunto de la muestra como en cada una de sus obras de manera selectiva, para poder pensar así también sus implicaciones conceptuales y políticas. La relación que tenemos con el mundo es fundamentalmente visual —en el mundo occidental urbano—. Tradicionalmente, el arte contemporáneo, visitado en cubos más o menos blancos, incorpora el sonido con cierto recelo o lo concibe como acompañamiento o mera «activación» temporal. Con obras realizadas a lo largo de más de una década de trabajo en estas líneas, la exposición propone, de manera individual o colectiva, profundizar en la escucha para comprender la riqueza y los matices del sonido como campo poético y artístico. Una divergencia frente al ruido y a la tiranía incesante de un mundo visual hipersaturado.

12 h

Pulsos es una acción sonora de la artista Laura Llaneli, que quiere poner de manifiesto y visibilizar de manera estética los sonidos electromagnéticos que acompañan y permanecen ocultos para el oído humano.
A causa del auge de los aparatos electrónicos con los que convivimos (smartphones, ordenadores, tabletas, televisores, altavoces o fluorescentes), estas ondas han ido ganando terreno, generando una masa sonora impalpable de crujidos, interferencias, chasquidos o golpes rítmicos.
La propuesta trabaja estos sonidos como elemento principal de su composición, mostrando sus matices y descubriendo una nueva fisicidad del sonido.

11 h

Con motivo de la exposición Llindar lleu de Laura Llaneli surge una publicación que se sitúa en un espacio auditivo de lectura y de memoria: una serie de textos en los que leemos sonidos aprendidos, familiares, cotidianos. Asociados a determinados objetos, a escenarios sonoros. Algunos provienen de la imaginación, de los recuerdos, de un concepto o de un hecho olvidado. Podríamos decir que son ejemplos de lo infraordinario. Momentos que constituyen los cimientos que sostienen la poesía, la observación apasionada y boquiabierta de lo habitual, el cuestionamiento de lo que parece incuestionable.

Domingo, 18 de enero a las 12h

A partir de la exposición, Pep Vidal dialoga con la periodista y escritora Eva Morell en torno a la cabaña como espacio de trabajo, refugio y experimento, pero también como metáfora de los procesos creativos.

La conversación pone en relación dos prácticas que, desde campos distintos, comparten una misma intuición: la necesidad de construir espacios propios —físicos y mentales— desde los que pensar, crear y resistir. El diálogo abordará cuestiones como el trabajo en soledad, el error como motor creativo, el archivo personal, el retorno a los gestos fundacionales y la cabaña como lugar donde proceso y obra dejan de ser cosas separadas.

Eva Morell es periodista y curadora de contenidos. Criada en Málaga, cerca del mar, está especializada en arquitectura, viajes, gastronomía y estilo de vida, y colabora habitualmente con medios como Architectural Digest España, El País y Condé Nast Traveler. En 2021 creó El Club de la Cabaña, la primera newsletter en castellano dedicada a la cultura cabañil, reseñada en medios como Vogue, Yorokobu o eldiario.es. En 2025 publica Refugio. Una historia de cabañas (Debate), su primer libro.

Pep Vidal es artista visual con formación en física. En 2014 construyó una pequeña cabaña con maderas recicladas para poder terminar su tesis doctoral, convirtiendo el lugar de trabajo en obra y proceso al mismo tiempo. Más de una década después, regresa a aquel gesto fundacional con una retrospectiva de media carrera en la que construye una nueva cabaña a partir de los materiales acumulados en su taller: obras terminadas, fragmentos descartados, ideas fallidas y restos de proyectos. El resultado es una pieza que funciona como archivo y experimento, donde el error, la repetición y la investigación constante tienen el mismo peso que la obra definitiva.

Arnau Blanch y Mikel R. Nieto son los dos residentes del Centre d’Art La Panera, dentro del programa de residencias del Ministerio de Cultura en Tabacalera – Centro de Arte, una iniciativa que financia estancias y producción en centros de creación de todo el Estado para fortalecer redes profesionales y facilitar el acceso a los procesos de investigación artística contemporánea.

Arnau Blanch Vilageliu es un artista visual cuya práctica combina fotografía, investigación y materiales de archivo para examinar la memoria, la violencia y las dimensiones políticas de la representación. Formado en el IEFC (Barcelona) y en el ICP de Nueva York, ha expuesto internacionalmente y ha recibido reconocimientos como la beca FotoPres La Caixa o el Premio al Mejor Fotolibro de PhotoEspaña.

Arnau Blanch trabaja en el proyecto Perro que ladra, no muerde, una investigación que parte de la historia de la fábrica textil Imbabura, en el norte de Ecuador, y del conflicto laboral que marcó la muerte de su abuelo —antiguo gerente de la industria— a manos de los trabajadores. A través de fotografías, instalaciones y piezas realizadas con telas producidas en la propia fábrica, el proyecto explora las tensiones entre memoria, violencia y clase, así como las cicatrices materiales y simbólicas que atraviesan las genealogías familiares.

Mikel R. Nieto es artista sonoro, investigador independiente y comisario ocasional. Su obra se centra en la escucha como acto sociopolítico y creativo, trabajando principalmente con grabaciones de campo y una práctica fonográfica crítica. Ha colaborado en proyectos destacados como Soinumapa y Hots! Radio, ha coordinado L’Observatori de l’Escolta y ha trabajado en diseño sonoro para danza con coreógrafos internacionales.

Es autor de libros como Dark Sound y A soft hiss of this world, que exploran el paisaje sonoro, la escucha y el cambio climático. Actualmente imparte clases de Deep Listening en la Universidad de Barcelona y en la Escuela de Cine del País Vasco.

Su proyecto de investigación explora los límites de la escucha en situaciones de vulnerabilidad existencial, situándola en el centro como herramienta de acompañamiento, cuidado y consuelo frente al dolor, la pérdida y la incertidumbre. El objetivo es desarrollar una nueva ética y estética de la escucha con capacidad paliativa y sanadora, fomentando la resiliencia individual y colectiva.

19 y 20 de mayo

17 - 19 h

Facultad de Letras, Universidad de Lleida, aula 3.49A

Plazas limitadas

Durante las dos sesiones de este taller aprenderemos qué agentes y recursos intervienen en el proceso de entrenar modelos de inteligencia artificial relacionados con las imágenes. Cuando publicamos un post en las redes sociales o tomamos una fotografía con el móvil, se activan unos automatismos dedicados a reconocer qué es lo que hemos fotografiado. ¿Cómo se construye esta visión artificial? ¿Se trata de una mirada neutra y objetiva? Por otra parte, cada vez existen más herramientas para generar imágenes a partir de instrucciones escritas. ¿De dónde salen dichas imágenes? ¿Qué infraestructuras las hacen posibles?

Estampa es un colectivo artístico de programadores, realizadores e investigadores con base en Barcelona. Su práctica se basa en una aproximación crítica y arqueológica a las tecnologías audiovisuales y digitales. Desde 2017, una de sus principales líneas de trabajo ha sido la investigación de los usos e ideologías de la IA.

https://tallerestampa.com

Organiza: proyecto de participación juvenil «La voz de la juventud en la era de la inteligencia artificial: retos y oportunidades», Erasmus+, Unión Europea (KA154-YOU-7D65C45B), Concejalía de Juventud del Ayuntamiento de Lleida.

Actividad vinculada a la exposición colectiva «Extractivismos», 13.ª Bienal de Arte Leandre Cristòfol, a cargo de María Íñigo Clavo y Christian Alonso, Centre d’Art La Panera, 22.02.2025-25.05.2025.

Coordina: Christian Alonso.

“Pensando juntas un dispositivo de arte móvil” es un proyecto de investigación en red que parte de la idea del “museo fuera del museo” y de los dispositivos de arte móvil como detonantes capaces de activar la participación en la cultura desde la producción, la creación de nuevos relatos y la estimulación de la imaginación poética y política. La investigación se interroga, en particular, sobre la posibilidad de impulsar proyectos situados y cocreados entre comunidad, artistas y mediadores artísticos que experimenten con prototipos de dispositivos móviles artísticos que no sean objetuales, sino conceptuales, replicables y ampliables a otros contextos.

El proceso cuenta con la participación de las áreas de educación del MACBA (Barcelona), el IVAM (Valencia), el Centre d’Art la Panera (Lleida) y Es Baluard Museu (Palma), con el apoyo de la Fundación Daniel y Nina Carasso. Estos equipos han elegido como eje transversal de trabajo “el derecho a la ciudad” para que cada contexto se aproxime a él desde su realidad y especificidad y, con las comunidades cercanas a las instituciones participantes, se contribuya a nutrir los espacios de estrategias de emancipación colectiva.

Las cuatro instituciones trabajan conjuntamente desde 2020 y la investigación ha cristalizado en dos formalizaciones.

Por un lado, “Lo estamos haciendo”, publicación que recoge un proceso de pensamiento colectivo acompañado por la artista Itxaso Corral en torno a la idea de diseñar un dispositivo de arte móvil. Se trata de una libreta de notas que pretende compartir algunas cuestiones útiles destiladas de la intensa experiencia que ha supuesto este proceso de pensamiento colectivo con la intención de animar a otras personas a iniciar nuevos “pensando juntas”. Cuestiones que van más allá de la investigación sobre el diseño de un dispositivo de arte móvil para convertirse en deseos colectivos, aprendizajes y metáforas sobre los intersticios de qué significa ser departamentos de educación en nuestras instituciones.

Desde el verano de 2024 también trabajamos en -ANDO RECORDS, un proceso práctico y experimental que inaugura un proceso colectivo horizontal en torno a los derechos y libertades en los contextos urbanos, al que se suman los artistas Lluc Mayol y Violeta Ospina y comunidades cercanas a las diferentes instituciones.

Este proceso toma la forma de sello editorial sónico (que no sonoro) en movimiento. Una plataforma colectiva que propone actuar en la intersección entre sonido, oralidad y musicalidad con múltiples formatos. Es una marca de código abierto, adaptable y compartible libremente, que quiere proporcionar un espacio flexible en el que las ideas crezcan según cada contexto y comunidad, para promover el intercambio entre diversas realidades vividas en distintas ciudades desde una perspectiva de derechos.

Formes de la No_Visió es una performance que forma parte de un proyecto de investigación, producción y experimentación, que indaga formas de incluir la diversidad en el ámbito cultural y artístico, basándose en los parámetros del campo de conocimiento disability studies (Se parte de la pregunta: «¿De qué modo la danza, una técnica esencialmente visual, puede formularse sin tener en cuenta el sentido de la vista?». La investigación se adentra en resolver la percepción de la danza como un arte del que se obtiene solo una experiencia estética de forma visual. Por consiguiente, dejando atrás las concepciones capacitistas y reduccionistas de los cuerpos y de la danza, se propone abrir una puerta a replantear las estructuras mentales y físicas de una realidad que se ha configurado jerarquizando los sentidos. La intención última es abrir un espacio de debate sobre las posibilidades o imposibilidades que genera el hecho de no ver.

Las actividades que se plantean con motivo de la residencia de la artista Aina Mestre con el proyecto Formes de la No_Visió son dos talleres de experimentación-investigación corporal sin el uso del sentido de la vista.  

La actividad se dividirá en dos sesiones de contenido continuo en las que se introducirán conceptos de la performance, a la vez que se plantearán unas unidades formativas de expresión con el cuerpo, formuladas gracias a la colaboración con la técnica de rehabilitación Mayca Cruz de la ONCE en Lleida. El objetivo final se enfoca hacia la interacción de un grupo híbrido de participantes que se adecuan a unas pautas para comunicar información mediante el movimiento, y aportar, así, conocimiento sobre las múltiples formas de ser y de estar en el mundo.

Aina Mestre (Aitona, 2000) es una artista multidisciplinaria, licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. La artista trabaja las políticas multifacéticas de la mirada, a través de una práctica performativa. En particular, se interesa por las transformaciones corporales, sensoriales, semióticas y materiales que suceden cuando la vista pierde el protagonismo y deja de concebirse como la única fuente de disfrute estético. La búsqueda de otros procesos de creación bajo esta conjetura implica que tanto la artista como el público interactúen con la obra corpóreamente y mediante el uso de otras percepciones o sentidos.

Esta actividad se enmarca en la investigación que Aina Mestre está desarrollando con la ayuda de las «Becas para la investigación y la innovación en los ámbitos de las artes visuales, de la arquitectura y el diseño, de las artes escénicas, de la música, del pensamiento y de los juegos de mesa», de la Oficina de Suport a la Iniciativa Cultural de la Generalitat de Catalunya.

Proyecto de investigación artística realizado en residencia en el Centre d’Art La Panera.

Jueves 16 de enero de 17:00 a 19:30 h

Jueves 23 de enero de 17:00 a 19:30 h

12 h

Arborètum – Jardín Botánico de Lleida

En esta visita, exploraremos una realidad compleja y a menudo controvertida sobre nuestro paisaje natural: las especies exóticas invasoras. Estas plantas han sido etiquetadas como «invasoras» por la legislación, pero ¿son realmente intrusas o simplemente víctimas de una interpretación muy humana y política de la naturaleza? En este itinerario, diseñado por la artista y jardinera Vicky Benítez, recorreremos distintos puntos del Aborètum – Jardín Botánico de Lleida, y hablaremos de las ideas sobre las cuales se fundamentan las nociones de «especies autóctonas» y «alóctonas», del concepto de «naturaleza» al que remiten, y del papel de los seres humanos en la transformación del medio ambiente y en la dispersión de las especies no nativas.

La artista Vicky Benítez ha venido desarrollando una línea de investigación artística de largo recorrido sobre los imaginarios naturales y culturales de las especies invasoras. La artista construye jardines de especies de plantas alóctonas con variedades listadas en el Catálogo español de especies exóticas invasoras, e inscribe los discursos biológicos de erradicación de lo invasivo y protección de lo nativo en el contexto sociocultural más amplio. Pivotando alrededor de los jardines, la artista lleva a cabo actividades participativas, como recorridos de identificación y formación en usos de plantas adventicias comestibles, talleres de construcción de huertos urbanos y comidas populares con malas hierbas.

Esta actividad se enmarca en la investigación «Jardín de exóticas e invasoras», que la artista Vicky Benítez está desarrollando con la ayuda de las «Becas para la investigación y la innovación en los ámbitos de las artes visuales, de la arquitectura y el diseño, de las artes escénicas, de la música, del pensamiento y de los juegos de mesa», de la Oficina de Suport a la Iniciativa Cultural de la Generalitat de Catalunya.

Colabora: Centre d’Art La Panera

Coordina: Christian Alonso

Agradecimientos: Arborètum – Jardín Botánico de Lleida, Álex Suárez

17:30 h

Centre de Documentació, Centre d’Art La Panera

«Armonías vegetales. Inhibiciones y diálogos multiespecies» es un proyecto de investigación artística sobre las relaciones entre especies humanas y no humanas, con especial atención a los lazos que establecemos directamente con el territorio a partir de la vinculación con las especies vegetales autóctonas, que hacen que una zona sea única por su presencia.

El proyecto, cuyo punto de partida es un proceso de investigación inicial previo que culminó en la producción de la obra Thymus vulgaris (desarrollada para la exposición «Imaginarios multiespecies #Terres de Lleida» y que se ha exhibido en centros de arte como La Panera de Lleida, In-sonora Madrid, MEM Bilbao y Sonar+D Barcelona), quiere profundizar en las relaciones generativas a partir de los datos que nos ofrecen las plantas partiendo de sus propios procesos vitales usando la bioconductividad (variaciones de las señales eléctricas producidas por las plantas), para establecer diálogos entre plantas y seres humanos mediante un dispositivo que permita la comunicación de la planta. 

La investigación incide en cómo utilizar los datos de la bioconductividad de una especie vegetal para determinar cómo actúa y usar dichos datos. Se desea seguir investigando y desarrollando dispositivos que permitan establecer relaciones afectivas entre seres humanos y plantas, trabajando a partir de la flora y la capa vegetal autóctona del territorio catalán. Durante esta investigación, Lega ha estado indagando cómo transformar las variaciones eléctricas de la bioconductividad en un modelo de IA generativa que sea capaz de interpretar cómo son estas señales y otorgar a cada patrón una palabra clave mediante síntesis vocal y escrita para entender la comunicación entre la planta y el ser humano. Si los datos eléctricos generan un gráfico tipo por falta de agua, el prototipo sabrá que debe transformar esos datos en una palabra clave que puede ser agua, por ejemplo, y, así, establecer una comunicación real con nuestro propio lenguaje de un modo direccional de la planta hacia el ser humano.

Esta actividad se enmarca en la investigación «Armonías vegetales. Inhibiciones y diálogos multiespecies», que el artista Ferran Lega está desarrollando con la ayuda de las «Becas para la investigación y la innovación en los ámbitos de las artes visuales, de la arquitectura y el diseño, de las artes escénicas, de la música, del pensamiento y de los juegos de mesa», de la Oficina de Suport a la Iniciativa Cultural de la Generalitat de Catalunya.

Proyecto de investigación artística realizado en residencia en el Centre d’Art La Panera.

Tutorización y coordinación: Christian Alonso.

Colabora: Escola Politècnica Superior, Universitat de Lleida; Arborètum-Jardí Botànic de Lleida, Álex Juárez.

17.00 h, Centre d’Art La Panera

En esta presentación, Macarena Gómez-Barris rastreará las prácticas de activistas, intelectuales y artistas indígenas que tienen lugar en zonas extractivas (regiones de América del Sur conocidas por su biodiversidad y una larga historia de extracción explotadora de recursos naturales), que resisten y rechazan los términos del capital racial y los continuos legados del colonialismo.

Macarena Gómez-Barris es escritora y académica, con un enfoque a las humanidades ambientales decoloniales, el autoritarismo y el extractivismo, las epistemes queer latinas, los entornos mediáticos, las ecologías raciales, la teoría cultural y la práctica artística.

Es autora de cuatro libros, entre ellos The Extractive Zone: Social Ecologies and Decolonial Perspectives (Duke University Press, 2017), que examina cinco escenas de capitalismo extractivo ruinoso, y Beyond the Pink Tide: Art and Political Undercurrents in the Americas (UC Press, 2018), un texto de esperanza crítica sobre el papel del arte sumergido y las solidaridades en tiempos convulsos. También es autora de Where Memory Dwells: Culture and State Violence in Chile (2009), y coeditora con Herman Gray de Toward a Sociology of a Trace (2010). Es editora de la serie «Dissident Acts» en Duke University Press, junto con Diana Taylor.

La presentación irá precedida de una visita a la exposición individual del artista Ignacio Acosta, «De Marte a Venus», a cargo del propio artista.

Colaboran: proyecto I+D “Sentido de lugar e inclusión socioespacial en barrios vulnerables”, Facultad de Letras de la Universidad de Lleida (SENSCLUSIÓN, PID2021-123255OB-I00); proyecto I+D “Visualidad y geoestética en la era de la crisis ecosocial” (VIGEO, PID2022-139211OB-I00), Facultad de Geografía e Historia de la Universidad de Barcelona; Universitat Oberta de Catalunya.

Actividad vinculada a la exposición «Ignacio Acosta. De Marte a Venus», 13.ª Bienal de Arte Leandre Cristòfol – Prólogo, comisariada por María Íñigo Clavo y Christian Alonso.

Dora García, artista, con especial atención a todo tipo de material impreso, ha trabajado en múltiples ocasiones tanto con Àlex Gifreu, diseñador gráfico, como con Frederic Montornés, comisario y crítico de arte. 

En motivo de la exposición que se presenta en el centro de documentación hablaran del trabajo que han hecho juntos, de sus intereses, y de las ediciones y publicaciones que podremos ver en la exposición.

Centre de documentació de La Panera

18h 

Lunes 17 de junio de 2024

Sala Jane Addams, Facultat de Geografia i Història, Universitat de Barcelona (C/ Montalegre 6, Barcelona). 

Gratuita con inscripción previa

La obra de la artista y poeta Regina José Galindo (Ciudad de Guatemala, 1974) gira en torno al cuerpo femenino como escenario de múltiples y estratificadas formas de violencia. Sus performances se configuran como momentos de denuncia en los que se visibilizan las discriminaciones y las asimetrías de poder que caracterizan la sociedad capitalista y patriarcal. 

En esta mesa redonda, organizada en el contexto del proyecto de I+D Visualidad y geoestética en la era de la crisis ecosocial (VIGEO) y de la exposición Descolonicemos el mundo (Centre d’Art La Panera) se ahondará en el amplio recorrido de la artista. Se analizarán en particular algunas obras en las que la preocupación feminista se entrecruza con la denuncia de prácticas de extractivismo y mercantilización de la naturaleza en Guatemala y en otros territorios. Aquí el cuerpo de Regina José Galindo se extiende hasta englobar otros cuerpos -humanos y más que humanos- afectados por la violencia extractivista. La acción creativa de la artista no solo reclama atención hacia las injusticias socio-ambientales, sino que apela al cuidado mutuo intergeneracional e interespecie.

El diálogo entre Regina José Galindo, la comisaria de la exposición Semíramis González y el comisario e investigador Christian Alonso pretende examinar las complejas narrativas que caracterizan el cuerpo de trabajo de la creadora, así como las estrategias poéticas individuales y colectivas presentes en su práctica performativa. 

Coordinación: Chiara Sgaramella (Universitat Politècnica de València) 

En el marco del proyecto I+D Visualidad y geoestética en la era de la crisis ecosocial (VIGEO) - PID 2022-139211 OB-100

Crédito imagen: Ríos de gente de R.J. Galindo, fotografía de Juan Esteban