Exposiciones

El espacio miniPanera, junto con el Centro de Documentación, propone una muestra en torno al juego. Desde el Centre d’Art la Panera consideramos que el juego es una herramienta cercana al público general y, particularmente, al público infantil. El juego propicia la imaginación, la creatividad, la curiosidad y la posibilidad de aprender jugando. Por este motivo creemos que los juegos son esenciales para trabajar y transmitir todo tipo de conocimientos a los niños. Esta muestra está dedicada a conocer un poco mejor a esos artistas que han sido elementos imprescindibles para entender el arte de hoy. Adentrarnos en sus obras y conocer quiénes son nos ayudará a tejer redes en torno a la historia del arte más reciente, como si de un juego se tratara.

La tipografía tiene más de cinco siglos de antigüedad y, sin embargo, basta con dirigir una ojeada a nuestro entorno para darnos cuenta de que forma una parte muy dinámica y actual de nuestra realidad. Los caracteres tipográficos han acompañado el desarrollo de la sociedad desde su aparición, a mediados del siglo XV, y sus formas han reflejado las variables sociales, artísticas y culturales de cada época.

Pero, debido a la necesidad de poner en común unos dibujos básicos conocidos y compartidos por todos a través del tiempo, cada desarrollo estilístico se ha basado en formas pretéritas, conformando una serie de «diseño acumulativo» en el que podemos ver reflejado el genio creador de los grandes diseñadores tipográficos, que dan sentido a un artefacto cultural de primer orden: las letras.

UnosTiposDuros

Desde la primera edición, en el año 1997, la Biennal d’Art Leandre Cristòfol continúa apostando por el trabajo de artistas catalanes y españoles con el fin de mostrar la diversidad de las artes visuales en el momento presente; de continuar presentando obras y proyectos que fluctúan en zonas fronterizas entre el arte, la arquitectura y el diseño, y de seguir construyendo una colección que en la actualidad ya cuenta con ciento nueve obras.

En la edición de este año figurarán los siguientes participantes: Democracia, Emiliana, Ana García-Pineda, Rubén Grilo, Casilda Sánchez, Oriol Vilanova y Martín Vitaliti y un postfacio con Juan Crespo, Eloi Dalmau, Marla Jacarilla, Gerard Ortín y Adriana Wallis

El apartado de las publicaciones especiales y ediciones originales de esta edición girará en torno al juego. Estarán presentes ediciones de Carlos Amorales, Xoan Anleo, Erick Beltran, Rafel G. Bianchi, Blackie Books, Xavier Boronat, Lucía Castro, Daniel Chust Peters, Curro Claret, Conce Codina, Mery Cuesta, Katharina Hetzeneder, Enric Jardí, La Más Bella, Mariona Moncunill, Carlos Murillo, Pablo Pérez Sanmartín, Judit Reig, Fernando Renes, Santi Sallés, Daniel Silvo y Máximo Tuja.
Este apartado estará introducido por un vinilo de Andreu Balius.

Partiendo de la colección de arte contemporáneo «CV Colección»,  convocamos un concurso restringido de comisariado, que finalmente han ganado ex aequo Manuel Segade y RMS La Asociación.

Los dos proyectos ganadores conformarán un ciclo expositivo que nos permitirá analizar, por un lado, la tarea del coleccionista, y por el otro, el trabajo comisarial.

Esta primera exposición del ciclo reivindica la importancia del coleccionismo en la supervivencia del arte contemporáneo y el rol del coleccionista en la definición de su fondo, en función de la propia experiencia vital y del contexto. 
Para articular este propósito, el comisario se remonta a la tradición renacentista, según la cual los aristócratas decoraban con sus cartas astrales los techos de los gabinetes donde conservaban las colecciones. Partiendo de la estructura reticular de estas cartas astrales, la planta hipóstila de la Panera acogerá una selección de obras de la CV Colección según una clasificación de conocimientos, disciplinas, saberes, tecnologías y artes, que nos permitirá profundizar en sus contenidos y su relación con el contexto social, económico, político y cultural que las ha generado.
Finalmente, de forma paralela, Manuel Segade propone una segunda parte de la exposición, bajo el título «La Espalda del Ángel», que ocupará la primera planta de la Panera. Esta continuación indaga las posibilidades de futuro de la colección a partir de una selección de trabajos que plantean una relación crítica con la herencia de la modernidad, como la idea de progreso ilimitado o la difícil pervivencia del binomio arte/vida.

Comisario: Manuel Segade

Ignasi Aballí , David Adamo, Lara Almarcegui, Allora & Calzadilla, Fikret Atay, Bestué / Vives, Iñaki Bonillas, Candice Breitz, Alejandro Cesarco, Ángela de la Cruz, Keren Cytter, Rineke Dijkstra, Sean Edwards, Haris Epaminonda, Leandro Erlich, Patricia Esquivias, Ceal Floyer, Andreas Fogarasi, Cyprien Gaillard, Regina José Galindo, Ryan Gander , Dora García, Rubén Grilo, Gusmao/Paiva, Emily Jacir, Terence Koh, Friedrich Kunath, Gabriel Kuri, Elad Lassry, Maria Loboda , David Maljkovic , Fran Meana, Adrian Melis, Asier Mendizábal, Jonathan Monk, Adam Pendleton, Paloma Polo, Wilfredo Prieto, Dan Rees, Alexandre Singh, Jack Strange, Iris Touliatou, Martin in’t Veld, Haegue Yang

A partir de una selección de proyectos artísticos conoceremos las distintas técnicas de estampación. Descubriremos qué se puede dibujar con tintas de colores utilizando distintos moldes: sellos, vegetales, madera,…
También podréis dejar vuestra huella participando en un taller donde se realizarán impresiones sobre papel, cartón o tejidos.

Galería & Ediciones Gingko fue un proyecto llevado a cabo por Mitsuo Miura y Arturo Rodríguez a Madrid durante una década, del 1989 hasta el 1999. Empezaron editando obra gráfica de artistas españoles significativos del momento y el 1992 abrió como galería. Entonces las ediciones se relacionaron con el programa expositivo y se ampliaron a la fotografía y los múltiplos. 

Los artistas que colaboraron con esta iniciativa fueron A. Albacete, A. Alcaín, Dis Berlín, E. Blasco, Ch. Boshier, J. Colomer, N. Criado, P. Durán, C. Franco, J. Hidalgo, Köniec, E. Lootz, A. Martín, M. Maté, M. Miura, C. Pazos, J. Pérez Agirregoikoa, M. Quejido, A. Schlosser, O. Seco y S. Serrano.

Esta exposición va acompañada por una tipografía de Laura Meseguer.

Con la colaboración de Centro de Arte Alcobendas.

Este proyecto hace una aproximación a la dualidad y a las contradicciones que general el uso de los espacios. Interior se refiere a lo privado, lo sagrado, lo impenetrable, a aquella puerta que se debe traspasar para vivir una experiencia. El público será consciente y preveerá los resultados. Exterior, es entendido como lo público, lo compartido, lo modificable y real hasta que desaparece. La experiencia será vivida, el público no será consciente y los resultados serán más imprevisibles.

la ira

Durante el curso escolar, el Centre d’Art la Panera lleva a cabo programas educativos, que abarcan desde jardines de infancia, educación infantil, educación primaria y secundaria, bachillerato, y hasta a la universidad; y educación no formal.  Con el inicio de cada nuevo curso, La Panera organiza las Jornadas de Puertas Abiertas, que sirven para dar visibilidad a las producciones artísticas y a los trabajos generados por los centros y entidades que durante el curso han seguido las propuestas pedagógicas de las exposiciones en curso.  Por tanto, las jornadas tienen una doble finalidad: por un lado, valorar las exposiciones trabajadas y su trasfondo educativo a través del retorno de los trabajos y las producciones artísticas de los participantes; y por otro, hacer visible la tarea educativa de los diferentes centros de enseñanza y de su personal docente, a partir del trabajo sobre el arte y la cultura contemporánea.

El mismo día a las 18:00 se realizará una reunión informativa para los docentes acerca la nueva programación expositiva para el curso 2013-2014. Para asistir, rogamos confirmar la asistencia.

La inauguración se celebrará en el Centre d’Art la Panera, a las 19h. 

Facultat de Ciències de l’Educació

«El Glosario», que se muestra en la Facultad de Ciencias de la Educación, acompaña la exposición de la «CV colección», «El Gabinete de un Aficionado», y pretende establecer unas posibles claves para su lectura a partir de una selección de palabras y sus significados. Cada uno de los términos queda definido a través de citas e imágenes, y están organizados a partir del orden más arbitrario que existe, el alfabético. Son citas e imágenes que se refuerzan, se relacionan, se complementan, y también se contradicen unas a otras, lo que posibilita el establecimiento de un relato propio a cada lector.

Esta exposición está concebida para el público infantil y muestra formas distintas de entender el dibujo. A partir del fondo de la Col·lecció del Centre d’Art la Panera, cuatro artistas (Javier Peñafiel, Fernando Renes, Francesc Ruiz y Martín Vitaliti) han propuesto la ubicación de las obras y han pensado una serie de actividades para los niños y niñas.

La exposición pretende mostrar cómo los artistas contemporáneos se acercan al dibujo con gran ingenio y utilizan múltiples técnicas, que van desde un acercamiento más tradicional hasta el uso de nuevos materiales o la conjunción con otros recursos técnicos (fotocopias, animación digital…). Por otro lado, esta diversidad técnica se verá reforzada por unos ámbitos temáticos que han inspirado los cuatro talleres vinculados a la exposición: Trozos, Historias, Animaciones y Siluetas.

La exposición va acompañada de la intervención gráfica de Sergio Jiménez, que ha sido especialmente pensada de acuerdo con los objetivos del proyecto.

Cárnicas Gráficas es un doble libro coeditado por Adicciones porquesí y Typerepublic. Por un lado, goza de una increíble colección de papeles de carnicería ordenados con distintos estilos gráficos. Por otro, contiene un libro de relatos ilustrados originales en donde el tema de la carne es la base de la inspiración.
En Cárnicas Gráficas hemos recopilado una colección extensa de gráficas de carnicería, hechas sin ningún tipo de pretensión, de un uso funcional, impresas en papeles que, un vez terminado el último corte de embutido o cocida la butifarra a la brasa, normalmente acaban en las basuras. Entre ellos se pueden hallar una infinidad de estilos, composiciones y referencias a la cultura popular, de imágenes naïf de animales felices vestidos con jersey de cuello alto en un universo de cerditos troceándose los unos con los otros.
La colección cuenta con piezas impresas desde los años 70 hasta la actualidad. Encontraremos varios estilos gráficos agrupados por temáticas y composición. Una recopilación jamás vista hasta ahora, si nuestras informaciones son ciertas. Estamos seguros de que os sorprenderá.
Si damos la vuelta al libro, Cárnicas Gráficas se convierte en un libro de relatos cárnicos ilustrados. Siete historias escritas en el entorno del tema de la carne, elaboradas de una manera peculiar para cada uno de los siete escritores que colaboran con nosotros en el proyecto. Siete historias inéditas ilustradas por siete magníficos ilustradores que, con su trabajo, acaban dando forma a la elegante y cuidada edición de este libro único.
Cárnicas gráficas ha sido financiado mediante la web de crowdfunding Verkami.

Adicciones porquesí
Es un colectivo de autoedición de pequeñas piezas artísticas y/o literarias. En el año 2006  empezó enviándose semanalmente, por correo postal, a un grupo de adictos al papel, lo que ahora nos gusta nombrar Adicciones clásicas, una mini edición en formato A4 plegada en cruz, hecha cada semana por un autor distinto del colectivo. El proyecto de enviar semanalmente las adicciones clásicas tuvo una duración de casi dos años; se puede consultar toda la edición en su página web. Poco a poco se han añadido diferentes formatos como los “Pliegues”, textos en prosa y/o poéticos ilustrados, o las “Preposiciones Indecentes” una colección de veinticinco relatos eróticos ilustrados, cada uno realizado por diferentes escritores e ilustradores. Se han recopilado todos ellos en el primer libro editado.

Typerepublic
Es una fundación tipográfica independiente, con sede en el barrio de Gràcia de Barcelona, que se dedica al diseño y la distribución de tipografías. Dispone de una selección exclusiva de tipografías en formatos PostScript Type 1, TrueType y OpenType, para plataformas Mac y PC. Todas las fuentes disponen de un juego completo de caracteres y han sido diseñadas y espaciadas con mucha delicadeza y dedicación.

Relacionado con esta exposición os proponemos una actividad a  Flickr/CárnicasGráficas donde os pedimos que nos mandeis fotografías de vuestro carnicero/a, de vuestra carnicería, de la del barrio, etc.

Partiendo de la colección de arte contemporáneo «CV Colección»,  convocamos un concurso restringido de comisariado, que finalmente han ganado ex aequo Manuel Segade y RMS La Asociación.

Los dos proyectos ganadores conformarán un ciclo expositivo que nos permitirá analizar, por un lado, la tarea del coleccionista, y por el otro, el trabajo comisarial.

La exposición que cerrará el ciclo toma como punto de partida la novela de Georges Perec Un cabinet d’amateur. Histoire d’un tableau, de 1979 (El gabinete de un aficionado. Historia de un cuadro). En este caso, el objetivo de los comisarios es asumir el papel de algunos protagonistas del relato de Perec y construir un nuevo relato en torno a la CV Colección a partir de los recursos retóricos y las estrategias narrativas que ofrece la propia exposición como dispositivo y la misma historia del arte como construcción. En este sentido se propone representar la colección y al coleccionista a través de una narración ficcionalizada, que tiene como base una lectura crítica de la colección.
Esta lectura crítica se estructurará en distintas pequeñas exposiciones, que repetirán el mismo formato, pero con diferentes obras, y que analizarán aquellos temas que se hacen patentes en el conjunto de la colección: el fin de la modernidad, el fracaso, la futilidad, la memoria y la construcción de la historia, entre otros.

Comisariado: RMS La Asociación

La obra de Georges Perec El gabinete de un aficionado: historia de un cuadro, es el punto de partida de esta guía de lectura, que presenta las obras y colecciones en la literatura.
Os proponemos esta selección de libros que encontrareis en la Biblioteca Pública de Lleida.

Esta variedad de pera característica de Lleida nos abre camino para analizar nuestro territorio y repensar las frutas del campo desde el diseño, la animación o los libros. Conocer mejor la biodiversidad del huerto de Lleida y cuáles son las variedades locales de nuestro territorio nos acercará a trabajar los colores, las formas, el diseño y la creatividad.

El espacio se transformará con elementos propios del huerto; las cajas de fruta formarán parte del mobiliario. Trabajando desde la reutilización, el colectivo Trutifru & CO nos mostrará cómo podemos construir una estantería, mesillas o una jardinera. La muestra contará con unos invitados muy animados: son los vegetales y las frutas de Cactusoup, que nos recordarán lo importantes que son en el huerto de Lleida. Después de la visita realizaremos un taller a partir de la plastilina, la papiroflexia y las freseras de Lleida, que os podréis llevar a casa para hacer vuestra propuesta de huerto urbano.


Vegetales animados
Cactusoup

Diseño y producción de mobiliario
Tutifru & Co

Con la colaboración de la Regidoria de Medi Ambient i Horta de Lleida

«Campo Adentro» es un proyecto sobre territorios, geopolítica, cultura e identidad, a partir de las relaciones campo–ciudad en España, hoy. 

Con el objetivo de ensayar una estrategia cultural a favor de lo rural, estos planteamientos se han concretado, a lo largo de tres años (2010–2013), en una conferencia internacional, la producción artística mediante un programa de residencias, una exposición y una publicación.

El proyecto introduce la posibilidad de analizar las representaciones y percepciones actuales de lo rural y cómo eso influye en la construcción de la identidad. También se pretende elaborar una lectura de lo rural desde la cultura contemporánea, que visibilice las amenazas y oportunidades que vive el espacio rural español. 

Proyecto ideado y dirigido por Fernando García Dory.

Can Altay, Antonio Ballester Moreno, Luz Broto, Carmen Cañibano, Espada / Monleón, Mario García Torres, Isaías Griñolo, Lucía Loren / Juanma Valentín, NOPHOTO, Térence Piqué, Vahida Ramujkic / Aviv Kruglanski, Antje Schiffers / Thomas Sprenger, Isidoro Valcárcel Medina y Susana Velasco.

La sala de las columnas es transformada en un viaje acuático, un laberinto de videoproyecciones de gran formato en el que los límites se desdibujan y las coordenadas se invierten. Abrazados por lo informe, infinito y cambiante, nos encontramos rodeados de monumentales imágenes en movimiento que nos cuesta identificar, espacios que nos abrazan y nos atraen a sus profundidades marinas, en las que por momentos nos parece no estar solos. La visión se vuelve una impresión incierta: estamos sumergidos, en plena travesía, atrapados en una historia sin principio ni fin, eterna y cambiante.

Esta es una recopilación de las letras creadas por alumnos del máster de Tipografía Avanzada de la Escola Eina de Barcelona desde el año 2003.

La creación de una familia, un alfabeto o apenas unas cuantas letras es una de las tareas esenciales de este curso. Este ejercicio, que dura unos cuantos meses, permite a los estudiantes conocer de cerca letras como seguramente nunca lo han hecho antes. Mirarse los caracteres de cerca, saber cómo están hechos o entender las partes que los componen es uno de los trabajos más fascinantes que puede experimentar todo aquel que ame la tipografía. Entender que cada letra es individual, que responde a una evolución formal individual a lo largo de la historia, pero que a la vez tiene que mantener una coherencia con el resto del alfabeto, es el secreto de un buen alfabeto, el cual después podremos usar para leer con claridad y sin que llame la atención.

José Manuel Urós, Laura Maseguer e Íñigo Jerez han sido durante estos once años los profesores de esta asignatura. Lo que vais a ver es solo una muestra del trabajo que han hecho que más de ciento cincuenta alumnos llevaran a cabo.

Esta exposición colectiva analiza cómo el arte contemporáneo se ha enfrentado a la enfermedad desde distintas vertientes: ámbito hospitalario, ámbito preventivo, experiencia y vivencia de la enfermedad por parte de otros o por parte del propio artista… Más allá de lo que puede representar la enfermedad como tal, los artistas participantes nos invitan a reflexionar sobre la vulnerabilidad de nuestros cuerpos y de nuestra vida, algo que, nos guste o no, es inherente a la condición humana. Dolor y alegría, vida y muerte… son caras de una misma moneda.

La exposición coincidirá con el Congreso Internacional de Cuidados Paliativos, que se celebrará en Lleida del 5 al 7 de junio de 2014, organizado por el Hospital Universitari Arnau de Vilanova.

Elssie Ansareo, Mira Bernabeu, Javier Codesal y Julia Siero, Pepe Espaliú y Joan Fontcuberta

Espai DAFO

«Vitrina#2» es un proyecto específico de intervención sobre el escaparate de Dafo que complementa la actividad expositiva del espacio. Una propuesta que amplia la visibilidad expositiva del espacio, y que supone un trabajo ya sea paralelo, complenatario o independiente a la exposición actual.

Egolactante, tercera etapa, es un proyecto de Javier Peñafiel que se sitúa en el intervalo de mediación entre espacio y proyecto a partir de las obras de la colección de la Panera Adivina estos dibujos (2003) y Familia plural vigilante (2005), las cuales en esta ocasión se amplían con el blog del propio artista i una serie de textos que activan los distintos personajes de Familia plural vigilante. Con esta tercera etapa de «Egolactante», Peñafiel imprime una capa más en el diálogo entre artista y personaje, presentando con una actitud lle na de ironía relatos vinculados a la construcción de la identidad.

Espai DAFO


Inauguración 6 de junio a las 19h con la performance “Discoteca petada bailando Milli Vanilli sin poder parar” de Ryan Rivadeneyra.

«La figura perfecta» se centra en la idea de orden cósmico, y en el análisis entre lo sagrado y lo profano, para incidir en las relaciones y analogías entre los elementos mágicos y el poder. Se trata de un planteamiento próximo a situaciones y momentos a medio camino entre la experiencia física y el valor narrativo que, mediante un discurso flexible —con tintes paródicos, y no exentos de humor— destila una actitud de confianza máxima ante el esfuerzo por descifrar aspectos como la cualidad sobrenatural, la fantasía, la simbología o el enigma.

En este sentido, «La figura perfecta» supone un diálogo cruzado entre tres artistas de procedencias distintas —Elena Alonso, Ariadna Parreu y Ryan Rivadeneyra— que, pese a trabajar con distintos registros (dibujo, vídeo, instalación o performance), comparten complicidades e intereses comunes: la mezcla de realidad y ficción, la construcción de mundos supremos y la especulación sobre la interpretación de nuestro entorno próximo, y establecen procesos difusos cercanos a la profecía, la ciencias ocultas y los rituales.

Elena Alonso toma como punto de partida una serie de dibujos que de manera minuciosa configuran aleatoriamente una escritura críptica que recuerda las piedras, las tabas o los huesos tirados al azar por adivinos. En referencia a esas líneas (2013) aplica ese tipo de antropología donde la medida y el orden se contraponen a la fascinación del dibujo, lo que se refuerza en Mesa de estudio y Cartabón (2014), dos piezas escultóricas que recuperan el relato enigmático que transita entre el origen y la reencarnación.

Ariadna Parreu analiza y resuelve cuestiones de carácter metafísico, imposible o absurdo, a través de relacionar bases científicas contrapuestas a aspectos humanos, inmateriales o cósmicos. Se trata de una investigación que, con Triunfo y orden (2011) y Sideritos (2014), se centra en el estudio de las relaciones de los objetos procedentes del espacio, a través de la leyenda y la especulación de la historia, que, mediante la instalación, conecta con la fascinación de lo sensorial y los aspectos mágicos.

Ryan Rivadeneyra estetiza y analiza su entorno más próximo para convertirlo en piezas narradas a modo de powerpoint que se acaban formalizando en performances o conferencias «performáticas». Se trata de una construcción de genealogías y pensamientos que genera unos relatos que fluctúan entre anécdotas ficticias e históricas, que desprenden una especie de espiritualidad de varios órdenes, desde la identidad humana hasta la configuración de la civilización. Con Discoteca petada bailando Mili Vanilli sin poder parar (2014) y Sexy Miami Futuristic Cocktail Lounge (from the past), (2013), utiliza unos recursos a modo de crónica y micronarrativas, donde el ritmo y la coreografía encaminan y envuelven varias aficiones obsesivas y estéticas desafiantes.

Los hermanos Juan y Alejandro Mingarro (Huesca, 1978 y 1981) son los creadores de un original universo visual y conceptual que, bajo el nombre de Brosmind, despliegan tanto en sus trabajos comerciales de ilustración como en sus proyectos personales multidisciplinares.

Su inconfundible estilo es el resultado de más de treinta años de trabajo en equipo, pues ya de niños formaban un prolífica pareja creativa que generó gran cantidad de material en los campos del cómic, el modelismo y el vídeo.

La muestra «BROSMIND» es la retrospectiva más extensa realizada sobre Brosmind hasta la fecha, y reunirá por primera vez en un mismo espacio ejemplos de todas las facetas del estudio.