Actividades

Sábado 27 de enero de 2024 a las 17.30 h.

«Formas de la no_visión» es una performance que forma parte de un proyecto de investigación, producción y experimentación, que indaga maneras de incluir la diversidad en el ámbito cultural y artístico basándose en los parámetros del diseño universal. La artista parte de la pregunta siguiente: «¿de qué manera la danza, siendo una técnica esencialmente visual, puede formularse sin tener en cuenta el sentido de la vista?». La intención es abrir un espacio de debate sobre las posibilidades o imposibilidades que genera el hecho de no ver.

El proyecto se hace eco de los estudios de la discapacidad (disability studies), un campo de estudio transdisciplinar que combina una crítica de los modelos corporales normativos y advoca por nuevas formas de ser, sentir, pensar y actuar. Abandonando el sentido de la vista como el medio privilegiado para percibir el mundo, la artista cuestiona la invulnerabilidad del subjeto transcendental, universal y soberano, y se centra en explorar otras realidades perceptives, relacionales y corporales. Los estudios de la discapacidad se alían con el activismo queer, ya que, en lugar de normalizar las identidades, aspiran a liberar los cuerpos de toda fuerza normativizadora.

Aina Mestre (Aitona, 2000) es una artista multidisciplinar, licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Su trabajo se centra en las políticas multifacéticas de la mirada a través de una práctica performativa. En particular, se interesa por las transformaciones corporales, sensoriales, semióticas y materiales que suceden cuando la vista pierde el protagonismo y deja de concebirse como la única fuente de disfrute estético. La investigación de otros procesos de creación bajo esta conjetura implica que tanto la artista como el público interactúen con la obra corpóreamente y mediante el uso de otras percepciones o sentidos.

Con la colaboración de ONCE Lleida

Actividad vinculada a la exposición «Ecologías queer. Aberraciones naturalmente subversivas», a cargo de Christian Alonso. Centre d’Art La Panera, 28 de octubre de 2023 - 28 de enero de 2024. Espai 0.

Conversa/taller dirigido a personas involucradas en procesos de crianza y/o con hijxs en cuya fecundación ha intervenido material genético de donantes.

Dos sesiones. Primera sesión: sábado 13 de enero de 2024, 11 h. Segunda sesión: sábado 20 de enero de 2024, 11 h.

Gratuito con inscripción previa: infolapanera@paeria.cat.

Si en la concepción de tu hijx ha intervenido material genético de donantes, ¿cómo has pensado explicarle su historia?, ¿con qué palabras?, ¿en qué momento?, ¿con qué imágenes?, ¿con qué materiales? Y, fuera de vuestro núcleo, en la escuela, por ejemplo, ¿cómo lo explicas? ¿O prefieres que sea una historia discreta entre vosotros? ¿Cómo explicas el rol del vínculo genético? ¿Qué diferentes espectros lingüísticos, relacionales o legales estáis habitando? ¿Y cuáles os gustaría construir?

«Las comunidades de hielo» se plantea como un encuentro/conversación/taller dirigido a personas involucradas en procesos de crianza y/o con hijxs en cuya fecundación ha intervenido material genético de donantes (óvulo, esperma o embrión), ya sea a través de clínicas, ya sea con otros medios autogestionados. El taller propone analizar los cuentos infantiles existentes que tratan estas cuestiones para hacernos preguntas complejas e imaginar, si es preciso, otras historias posibles.

Habrá un espacio para les niñes cuidado por miniPanera.

«Las comunidades de hielo» es un espacio respetuoso con la intimidad de cada persona.

Las comunidades de hielo es un espacio convocado por Ona Bros como parte del proyecto de investigación artística BetaBlastoCuir, iniciado a raíz de su propia experiencia gestacional.

Ona Bros (la Fuliola, 1977) es una artista e investigadora que entiende las imágenes como catalizadores de complejidades semiótico-técnico-materiales. Trabaja desde una práctica situada, una manera de habitar queer y una sensibilidad transfeminista. Mediante la fotografía, el vídeo, la escritura y las artes en vivo, el artista relaciona conocimientos distantes e interroga el tabú en busca de narrativas que fracturan el presente. Partiendo de una experiencia gestacional no genéticamente vinculante, investiga los discursos alrededor de la ciencia genética en el context de los biomercados globales de la reproducción asistida. Bros está licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona (UB), graduada en Fotografía por la Universidad Politécnica de Cataluña i máster en Producción e Investigación Artística por la UB. Su trabajo se ha mostrado en Noguereas Blanchard, La Casa Encendida, Sociología Ordinaria (Museo Reina Sofía), el Dutch Art Institute d’Arnhem, el Hemispheric Institute of Performance and Politics de Nueva York, Hangar, Hamaca, La Caldera o el MACBA. Es cofundadora de los proyectos colectivos Institut d’Estudis del Porno (IEP) y FUGA (plataforma cooperativa de investigación alrededor de las imágenes). Página web: http://ona-bros.net/.

Actividad vinculada a la exposición «Ecologías queer. Aberraciones naturalmente subversivas», a cargo de Christian Alonso. Centre d’Art La Panera, 28 de octubre de 2023 - 28 de enero de 2024. Espai 0.

Proyectos ganadores de la convocatoria «Beques Art i Natura 2023», una colaboración entre el Centre d’Art La Panera y el Centre d’Art i Natura de Farrera.

Miércoles 13 de diciembre, 18 h.

«Roseta» es un proyecto de investigación y producción artística liderado por Neus Solà y Marta Garcia Cardellach. El proyecto rastrea, analiza y pone en valor la práctica y la política de las trementinaires, un grupo de mujeres trabajadoras de los siglos xix y xx que recogían plantas y vendían remedios medicinales que ellas mismas elaboraban por todo el Pirineo catalán. El proyecto propone recorrer a pie los itinerarios que estas mujeres trazaban para vender las hierbas medicinales, y recoger, reinterpretar y difundir la memoria del universo trementinaire a través de ejercicios de mediación y fotografía expandida. Prestando atención a testimonios, objetos, leyendas, etc., «Roseta» nos invita a acercarnos al universo de la remediadora ambulante y a revelar unas vidas y unos conocimientos donde se mezclan la historia natural, la agencia femenina y los cuidados.

«Porfídia i Arreglos» es un proyecto de investigación y producción artística de Elsa Casanova Sampé. El proyecto, situado en el Pirineo, analiza y subvierte los imaginarios ético-políticos de la práctica de la caza. La investigación pretende examinar las estrategias de autorrepresentación de los cazadores tanto en el espacio natural como en el doméstico y deconstruir su visualidad, estética, gestualidad y lenguaje performativo. El objetivo es poner de manifiesto la tensiones que se esconden detrás de esta práctica y revisar el marco estructural dualista y jerárquico que favorece que la dominación y la explotación de lo que se considera natural y salvaje estén legitimadas.

Neus Solà (1984) es una fotógrafa documental y gestora cultural de Barcelona. Es licenciada en Humanidades por la Universidad Pompeu Fabra y tiene estudios en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, e hizo un máster en Antropología Visual i un posgrado en Gestión Cultural en la Universidad de Barcelona. Es cofundadora de aladeriva Lab, desde donde ha coordinado las dos últimas ediciones del Festival de Fotografia Transfronterera FotoLimo y ha facilitado proyectos de fotografía participativa. Interesada en explorar la condición humana, su obra incluye proyectos fotográficos que tratan temas de identidad, género y territorio desde un enfoque antropológico y entre los que destaca la serie «Poupées» —sobre la condición femenina gitana de "La Cité" de Perpiñán— y «Nirvan», sobre el imaginario sagrado de la comunidad hijra —identificada como tercer género— de la India. Su obra ha sido expuesta y reconocida en el ámbito nacional e internacional, por ejemplo, con la Beca Nuevos Talentos de Gijón 2017, el Prix HSBC pour la Photographie 2019, el International Woman Photographers Award 2017 o el Premi de Fotografia Menorca Doc Fest 2019.

Marta Garcia Cardellach (1989) es fotógrafa, licenciada en Humanidades por la Universitat Oberta de Catalunya y posgraduada en Fotografía Participativa y Terapéutica en el Instituto 8. Refuerza su formación en el Centro del Patrimonio Fotográfico de Santiago de Chile y en el Centre de l’Art et de la Photographie de Lectoure (Francia). Especializada en fotografía de artes escénicas, ha expuesto en el ámbito nacional e internacional en países como França, Chile y Argentina. Ha trabajado para la fundación Photographic Social Vision, ha creado el colectivo Construïm Mirades con Oriol Segon y Xènia Gasull, y ha hecho talleres de fotografía para personas refugiadas en Suecia y Alemania. Ha sido galardonada con los Premis Lacetània de les Arts i la Cultura, el primer premio en el festival de arte joven Besmina Barcelona y finalista del concurso fotográfico “Mirades amb veu” de Metges del Món Catalunya. Algunos de sus proyectos destacados son «Simulacre d’un llegat» (Nilak Circ Teatre Itinerant) y «Ritus de pas» (TerrassaCrea), y colabora con el proyecto «Moriu-vos» del colectivo Cultura i Conflicte. Reflexiona sobre el papel de la imagen en la construcción de la identidad humana dentro de la cultura visual del siglo xxi y la posibilidad de una mirada sostenible.

Elsa Casanova Sampé (Barcelona, 1994) es una diseñadora e investigadora que utiliza la producción visual, el hackeo de objetos y la performance como principales herramientas de investigación y producción. Su metodología de trabajo se centra en la deconstrucción de códigos, imágenes y gestos que crean ciertos imaginarios y sus respectivas simbologías, y pone un énfasis especial en la apropiación estética y la instrumentalización política de las temáticas que investiga y en como estas legitiman ciertas formas de violencia. Con formación académica en diseño industrial, hizo el máster en Artes y Diseño GEO-Design en la Design Academy Eindhoven (2022) y el posgrado en Ciencias Políticas en la Universidad Autónoma de Barcelona (2019). Recientemente ha sido beneficiaria de las becas Art i Natura (2023) con un proyecto que analiza y subvierte los imaginarios ético-políticos de la práctica de la caza.

Fotografía de «Roseta»: Dolors Parramòn i Mercè Pla. Arxiu Museu de les Trementinaires. Década de los años veinte del siglo xx.

Imagen de «Porfídia i Arreglos»: Elsa Casanova Sampé.

Actividad vinculada a la exposición «Ecologías queer. Aberraciones naturalmente subversivas», a cargo de Christian Alonso. Centre d’Art La Panera, 28 de octubre de 2023 - 28 de enero de 2024. Espai 0.

12h

Conversación con Joan Sureda, catedrático emérito de historia del arte de la Universidad de Barcelona. Sábado 9 de septiembre, 12:00h. Centre de Documentació, Centre d’Art La Panera. Modera: Christian Alonso, comisario de la exposición «Marc Herrero. La terribilidad de la carne».

El Juicio final es una pintura al fresco llevada a cabo por Miguel Ángel en la Capilla Sixtina (1536-1541). Representa el final de los tiempos según la doctrina cristiana, cuando las personas son convocadas a rendir cuentas de sus acciones ante Jesucristo, que las aprueba o las penaliza. La composición se organiza en tres franjas: la central incluye a Cristo juez, la Virgen María, los apóstoles, santos y mártires; la superior, los ángeles con los símbolos de la pasión; la inferior, la lucha de los salvados y condenados.

Aparte del uso de los colores ácidos, lo que resulta inquietante del fresco son las gestualidades, las posturas, las proporciones y la musculatura de los cuerpos. El desnudo simboliza la rendición del cuerpo el día del juicio, y responde al deseo de recuperar la cultura clásica en la Italia del siglo xvi. Las volumetrías, las torsiones y las estilizaciones obedecen al nuevo canon manierista, que rechaza la rigidez renacentista y apuesta por un arte sensual y expresivo, basado en una nueva categoría estética: la gracia. La tensión, la angustia y la furia de sus corporalidades expresan el susto del juicio e ilustran el temperamento de Miguel Ángel, lo que los historiadores han definido como la «terribilidad».

Con «La terribilidad de la carne», el artista Marc Herrero traslada la iconografía del Juicio final de Miguel Ángel a nuestro mundo contemporáneo, y la reinterpreta en relación con la situación actual de colapso ecológico. En su investigación visual, basada en el dibujo con grafito y rotuladores, la doctrina bíblica apocalíptica queda sustituida por una cosmología biocentrada. Agrupadas en ámbitos temáticos, las imágenes de Herrero reformulan la filosofía religiosa animal, las prácticas de taxidermia, las dinámicas de productividad, los fenómenos de las mutaciones y el deseo humano de dominar el mundo.

Joan Sureda hablará de la continuidad de los modelos estéticos del artista renacentista Miguel Ángel en la cultura visual contemporánea.

Joan Sureda es catedrático de historia del arte de la Universidad de Barcelona (1990-2019), y catedrático emérito desde 2019. Con anterioridad, fue catedrático de la Universidad del País Vasco (1975-1978), de la Universidad Hispalense de Sevilla (1978-1982) y de la Universidad Complutense de Madrid (1982-1990). Ha sido director del Museu Nacional d’Art de Catalunya de Barcelona (1986-1991) e investigador principal (IP) de los proyectos de investigación e innovación ACAF/ART (2006-20018). Es académico de la Academia Europaea, Section Musicology & History of Art & Architecture, desde 2013.

Actividad vinculada a la exposición «La terribilidad de la carne», del artista Marc Herrero, comisariada por Christian Alonso (17 de junio – 1 de octubre de 2023).

12 h

Mesa redonda con Marta Piñol (historiadora del arte), Paco Chanivet y Marc Herrero (artista). Sábado 30 de septiembre, 12 h. Centre de Documentació, Centre d’Art La Panera. Modera: Christian Alonso, comisario de la exposición «Marc Herrero. La terribilidad de la carne».

Los humanos viven hoy atravesados por la condición poshumana. Los desarrollos científicos y tecnológicos han transformado profundamente los seres vivos, humanos y no humanos, hasta el punto de que desdibujan los dualismos tradicionalmente antagónicos entre naturaleza y cultura. El capitalismo global y sus tecnologías biogenéticas atrapan a todas las especies, se las apropian, se les extrae el valor y se comercializan. Los animales se han convertido en objetos de control, experimentación y recombinación.

Los cerdos, del mismo modo que las vacas, las cabras, las ovejas o las gallinas, son «producidos» industrialmente en granjas de ganadería intensiva, y generan enfermedades como el síndrome de inflamación y necrosis porcina. Los cerdos son modificados genéticamente para producir órganos trasplantables a los humanos; la carne está siendo cultivada en laboratorios a partir de células animales.

Al no distinguir entre especies, familias y géneros, las biotecnologías generan una forma de posantropocentrismo. Humanos y no humanos (animales, plantas, máquinas) se acercan, y están igual de expuestos a la explotación y acumulación capitalistas. La oveja Dolly es el primer mamífero que ha sido clonado desde una célula adulta somática. El oncorratón es el primer ratón patentado y modificado genéticamente para contraer cáncer, y se utiliza para la investigación oncológica. Son criaturas híbridas e inmanentes; mezclas heterogéneas de naturaleza y cultura que transforman nuestros hábitos de pensamiento.

Son criaturas xenomórficas (del griego xeno, ‘ajeno o extraño’, y morpho, ‘forma’). En esta mesa redonda se hablará sobre cómo el cine, la escultura y el dibujo ha alimentado la imaginación xenomórfica.

Marta Piñol es profesora en la Universidad de Barcelona. También ha impartido clases en la UOC, en la UIC y en ESCAC, de Historia del Cine, Historia y Teoría de la Fotografía, Cine Documental o Dirección Artística. Cursó la licenciatura de Historia del Arte, el máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte y el doctorado en la UB, y obtuvo en los tres casos premio extraordinario. Su tesis ganó el Premi Claustre de Doctors de la UB. Es autora de los libros Miradas ascéticas. Poéticas del distanciamiento en el cine moderno y contemporáneo (Shangrila, 2022), Europa como refugio. Reflejos fílmicos de los diversos exilios españoles (1939-2016) (Edicions UB, 2020) y Con las maletas en otra parte. La emigración española hacia Europa en el cine (Sans Soleil Ediciones, 2020), y ha editado y traducido múltiples obras.

Paco Chanivet es licenciado en Bellas Artes, con estudios en antropología social y cultural, así como en dirección y guion cinematográfico. Vive y trabaja en Barcelona. Algunas de sus aportaciones en el ámbito artístico nacional han sido para «Ne travaillez jamais» (ADN Platform, ADN Galería), «Siga los rastros como si fuera miope» (Arts Santa Mònica), «Alegorías de lo cotidiano» (C. C. Las Cigarreras), «No es lo que aparece» (Premi Miquel Casablancas, Fabra i Coats), «SSSSSSSilex» (La Capella – BCN Producció), «Ante el tiempo» (Iniciarte, Sala Santa Inés), «Produir, Produir, Produï(t)» (LOOP Festival), «La Plaza Synthetika» (Matadero Madrid), Festival D’A (CCCB), «Interregno» (Espai 13 de la Fundació Miró), «La gran conspiración» (Real Academia de España en Roma), así como para el C3A y la Biennal d’Art Ciutat d’Amposta.

Actividad vinculada a la exposición «La terribilidad de la carne», del artista Marc Herrero, comisariada por Christian Alonso (17 de junio – 1 de octubre de 2023).

11h

Taller de dibujo experimental sobre creación de nuevas especies
A cargo de Marc Herrero.

Centre de Documentació, La Panera.
Coordinat per Helena Ayuso.
Activitat familiar.

El artista Marc Herrero propondrá a los participantes del taller la creación de un imaginario ecológico multiespecies a través del dibujo y el collage. Partiendo de la ficción de una situación apocalíptica, se propone crear un compendio de animales fabulados, monstruos imaginarios y bestias fantásticas.

Actividad vinculada a la exposición individual de Marc Herrero «La terribilidad de la carne», donde el artista traslada la iconografía del Juicio final de Miguel Ángel a nuestro mundo contemporáneo, y la reinterpreta en relación con la situación actual de colapso ecológico. En su investigación visual, basada en el dibujo con grafito y rotuladores, la doctrina bíblica apocalíptica queda sustituida por una cosmología biocentrada. Agrupadas en ámbitos temáticos, las imágenes de Herrero reformulan la filosofía religiosa animal, las prácticas de taxidermia, las dinámicas de productividad, los fenómenos de las mutaciones y el deseo humano de dominar el mundo.

«La terribilidad de la carne» es una exposición del artista Marc Herrero comisariada por Christian Alonso (17 de junio – 1 de octubre de 2023).

17.45h

17.45h

17.45h

10 H

La fascinación por las formas de la naturaleza representa una fuente de inspiración: explorar un lugar y sumergirse en él con todos los sentidos, aprender a observar los diversos elementos que lo componen y descubrir una maravillosa combinación de orden-caos, captar los ritmos y transformaciones del entorno… Se trata de un laboratorio que pone el foco en el sentido del tacto, porque la piel es el órgano del contacto, es el primer sentido que se desarrolla y a través del cual se conoce el mundo en la niñez. El objetivo es establecer un contacto auténtico y participativo con lo que nos rodea, aprendiendo a explorar el mundo a través de materiales cotidianos, involucrando todos los sentidos, ampliando nuestras capacidades de acercarnos, descubrir y conocer la naturaleza de las cosas sin prejuicios.

Duae Collective propone un taller abierto y colectivo con el fin de reflexionar sobre el concepto de paisaje fruto de la relación entre la acción humana y la evolución de la naturaleza. De forma colectiva y caminando, vamos a experimentar diferentes formas de interpretar un territorio tan complejo como el que rodea el espacio fluvial del río y la relación entre el medio rural y el natural.

Entregaremos a cada grupo un KIT DE EXPLORADOR/ARTISTA con una serie de materiales necesarios para el estudio del ecosistema del río. El KIT irá acompañado por un conjunto de ejercicios e instrucciones que pueden ser libremente interpretados por cada grupo.

El objetivo es que el taller sea un espacio donde la práctica artística incida en un espacio social, enfatizando la relación entre los participantes y el paisaje a través del arte.

Duae es una plataforma colectiva y colaborativa con sede en Barcelona que opera en el campo de la investigación visual contemporánea, fundada en 2015 por Luna Coppola y Silvia Campidelli. Desde 2016 es artista residente en Fabra i Coats, Fàbrica de Creació. A partir de 2021 pasa a ser proyecto asociado A Fabra i Coats, Fàbrica de Creació.

El colectivo desarrolla investigaciones y proyectos artísticos con un enfoque multidisciplinar y transversal, mediante el uso del vídeo, la fotografía, las nuevas tecnologías, el dibujo, la cartografía, el sonido y las instalaciones, y combinando un intercambio de conocimientos, dinámicas colaborativas, creatividad y cuestiones medioambientales que exploran los cruces entre arte, tecnología, ecología y ciencia.

Duae es conocido por trabajar en varios contextos con personas de diferentes orígenes y con diferentes profesiones, apoyando una forma de trabajar más inclusiva, abierta y cocreativa. Con este fin, a lo largo de los años, han desarrollado muchos métodos y ejercicios basados en la narración, la cartografía, los procesos participativos, el pensamiento de diseño y las experiencias compartidas, que estimulan las conversaciones creativas y abiertas, necesarias en estos contextos.

Duae Collective es un proyecto independiente que colabora y cuenta con el apoyo de diversas instituciones públicas, fundaciones privadas, museos y programas de residencia.

Con la colaboración de Apropa Cultura

17.15 H

El territorio de Lleida representa el mayor centro de producción y exportación de fruta de hueso del Estado español. A partir de los años cincuenta del pasado siglo, la agricultura de esta región ha experimentado una gran transformación gracias al desarrollo de infraestructuras de regadío y la conversión a la fruticultura, lo que ha generado importantes repercusiones económicas, sociales y culturales. 

Partiendo del diálogo entre diferentes agentes locales, este encuentro busca aproximarse a las complejas implicaciones sociales y ambientales relacionadas con la expansión de la fruticultura intensiva. Diferentes preguntas guiarán la conversación: ¿qué influencia ejercen las dinámicas del mercado global de la alimentación sobre las prácticas agrícolas del contexto leridano?; ¿cuál es el futuro del regadío en un escenario de crisis hídrica y emergencia climática?; ¿cómo se vincula la producción agrícola local con valores de justicia social, ambiental y alimentaria?; ¿qué papel puede tener la agroecología en este sector productivo?

Participan: Laia Vinyas (ingeniera agrónoma, técnica de ADV Ecològica de Ponent), Agustín González (Facultat d’Educació, Psicologia i Treball Social, Universitat de Lleida), Manel Simón (director de Afrucat) y Luis Asins (jefe del programa de Fruticultura, IRTA; por confirmar)

12H

Jaume Bernis, cabeza del sector porcino de Joves Agricultors i Ramaders de Catalunya (JARC)

Teresa Botargues, asesora para la innovación y la promoción económica de la Diputació de Lleida, experta en programas y fondos europeos

Martina Marcet, miembro de Ramaderes de Catalunya y Dones del Món Rural

Joan Vázquez, portavoz de IPCENA

En Catalunya se producen ocho millones de cerdos al año y es la segunda comunidad autónoma con más censo porcino del Estado español, después de Aragón. De esta cabaña porcina, el 56 % se encuentra en Lleida, según el «Informe anual del sector porcí» del 2021 del Departament d’Acció Climàtica, Alimentació i Agenda Rural.

Uno de los principales problemas derivados de la producción intensiva de cerdos es la gestión de los purines, que es compleja y puede causar graves impactos medioambientales. La comarca del Segrià es una zona vulnerable a la contaminación de las aguas subterráneas por nitratos de origen agrícola. Los purines y su tratamiento tienen un papel fundamental para poder garantizar la sostenibilidad del sector porcino.

A través de una mesa redonda con distintos agentes del territorio, hablaremos, en especial, de la gestión y transformación de las deyecciones ganaderas, de la contaminación de las aguas y la atmósfera a causa del exceso de fertilización del suelo, de los retos que propone la estrategia «De la granja a la mesa» del Pacto Verde Europeo, de soberanía alimentaria y transición a un paradigma alimenticio sostenible.

10 H

El tomillar de Alfés es un espacio de gran interés faunístico, florístico y cultural situado en el municipio de Alfés (Segrià, Lleida). Se trata de un erial estepario de 107 hectáreas, el último que queda en toda Catalunya. Actualmente forma parte del espacio natural de Mas de Melons – Alfés, y cuenta con la protección de distintas figuras legales, como la Red Natura 2000, el Plan de Espacios de Interés Natural y la Zona de Especial Protección para las Aves.

Aparte de la actividad agrícola y ganadera tradicional, el tomillar se ha convertido en el escenario para la construcción de un aeródromo, primero militar y después civil. Además de su valor ornitológico y paisajístico, el tomillar es hoy refugio de la alondra ricotí (Chersophilus duponti), un ave en peligro de extinción, dada por desaparecida en 2005. El entorno ha sido objeto de numerosos litigios, primero entre los agricultores y el Ministerio de Defensa; después, entre el grupo ecologista IPCENA, el Aeroclub de Lleida y la administración pública.  

La actividad consiste en una visita al tomillar, una perfomance sonora a cargo del artista Ferran Lega, y una cata de productos con tomillo a cargo del colectivo Eixarcolant. El paseo empezará en las instalaciones militares del aeródromo; seguirá por el espacio natural, donde quedan las marcas de las pistas de aterrizaje y despegue, y continuará por los búnkeres de la Guerra Civil.

Próximamente se publicarán los detalles de la salida.

Actividad para todos los públicos

A lo largo de la historia, la poesía se ha interesado recurrentemente por la contemplación de la naturaleza. En un momento en el que están en grave peligro los ecosistemas, se hace imperiosamente necesario recuperar y repensar las relaciones existentes entre el ser humano y las lógicas poéticas. Algunos poetas, como Chantal Maillard, Jorge Riechmann, Rosa Berbel..., han escrito textos que suponen una reivindicación del pensamiento, la emoción, la interioridad, desde una perspectiva medioambiental.

En este sentido, se plantea una actividad en la línea de Caminar, de Henry David Thoreau (1862), que permita conectar de nuevo con un territorio natural, ponerlo en valor, mirarlo con otros ojos, reinventarlo, calibrar su vejez, entrenar la dinámica del detenimiento, establecer conexiones comprometidas con nuestra subjetividad interconectada. Partiremos del poemario-memorial Lo que el pájaro bebe en la fuente y no es el agua, de Chantal Maillard (Galaxia Gutemberg, 2022), con el objetivo de generar un memorial performativo colectivo. El entorno seleccionado para llevar a cabo la acción son las marismas de Rufea, una zona húmeda vinculada con el río Segre que alberga una gran biodiversidad.

Esta actividad va dirigida a los miembros del grupo de teatro La Màxima (Ilersis) y al Club Social La Brúixola.

12.00-13.30h

Els ous del Siurana, 2022-2023. Pintura acrílica sobre lienzo (180 ×260 cm cada uno). Selección de imágenes y documentos del archivo personal de Teresa Nogués. De entre las esculturas de rotonda de la ciudad de Lleida, los conocidos «Ous del Siurana» ocupan un lugar primordial en el imaginario popular. Esta escultura monumental, bautizada originalmente por su creadora como Sin título, está ubicada en la glorieta Font i Quer (confluencia entre la avenida Pearson y la calle Xavier Puig i Andreu, en el barrio de Pardinyes), y es de la artista Teresa Nogués.

Consiste en dos grandes estructuras ovoidales, metálicas y estriadas, que contienen piedras de río. Indican el final de la trama urbana y el inicio del parque de La Mitjana, la mayor zona verde periurbana de la ciudad, de gran interés ecológico y muy apreciada por el vecindario. Su significado popular ha suplantado su significado artístico, y en vez de ser una alusión a la naturaleza, ha pasado a ser un símbolo del individualismo y la tozudez de Antoni Siurana, alcalde socialista de Lleida durante veintidós año y artífice de la transformación urbanística de la ciudad a finales del siglo xx. No existe ningún monumento leridano de época contemporánea que haya generado tanto impacto mediático.

En esta mesa redonda tendremos la oportunidad de hablar con la artista Teresa Nogués sobre el significado original de la escultura, la Lleida de los años noventa, los procesos de resignificación de los monumentos urbanos, y la banalización del arte y la cultura.

Esta actividad está vinculada con la pintura de Simon Contra titulada Els ous del Siurana (2022-2023) que plasma la escultura de Nogués en un lienzo de gran formato con un estilo impresionista, y que va acompañado de una selección de imágenes y documentos del archivo personal de Teresa Nogués.

10 - 12 h

Actividad a puerta cerrada.

Retransmissió en línia en directe via Instagram, cuenta @simon_contra

En la serie de cinco pinturas titulada Com pintar la boira (2019), el artista Simon Contra mezcla, de modo alquímico, figuras de actualidad, fenómenos sociopolíticos, personajes de la ciencia ficción y obras de arte de todos los tiempos. Ante la censura experimentada en una convocatoria artística, Contra decide cubrir a los personajes controvertidos con una capa de pintura blanca sobre la cual proyecta otras figuras.   

En Yellow Ribbon Fantasy, los espíritus del bosque de La princesa Mononoke, acompañados de lazos amarillos y de un tractor John Deere, son perseguidos por la Policía Nacional y por el monstruo Demogorgon de Stranger Things. La escena queda contemplada por Slender Man, unas urracas volando y el ovni de San José de Valderas. En Wanderer above the Sea of Fog II, Santiago Abascal y Francisco Franco llegan a la prisión de Lledoners, junto a una granja porcina. Los espectros del fascismo quedan fijados por una niebla solo interrumpida por el verso «malgrat la boira cal caminar» («a pesar de la niebla hay que andar»), de Lluís Llach. Waterloo. Live!: es un directo del expresidente de la Generalitat Carles Puigdemont, desde la residencia oficial en el exilio de Waterloo, Bélgica. En Caragol treu banya… (after Goya), un burgado substituye al Perro semihundido de Goya (1819-1823), para cubrir, con su baba, una estelada censurada. En Ghostly Vision II, Felipe VI se disfraza de demonio aparecido en Visión fantasmal de Goya (1801), y es acompañado por las infantas de El resplandor, la cruz Dozulé de La Portella, la Seu Vella, y el elefante Juan Carlos I.

En la actividad, la restauradora Rosaura Janó extraerá capas pictóricas de los lienzos y se revelarán los personajes y símbolos censurados que formaban parte de la composición inicial.

12.00-13.30h

En el año 2000 aparecieron unas extrañas formas circulares de grandes dimensiones en unos campos de avena en Els Omellons, un pueblo de la comarca de Les Garrigues. Los vecinos y vecinas debaten, todavía hoy, si los dos círculos concéntricos, de 25 y 36 metros de diámetro, fueron hechos con herbicida por la mano humana, o si surgieron por el aterrizaje de un objeto volador no identificado. En esta charla, Josep Guijarro, investigador de fenómenos paranormales y divulgador de misterios, analizará el fenómeno de Els Omellons desde una perspectiva racional. ¿Acaso tiene relación con los ovnis? ¿Es un proyecto de marketing publicitario? ¿La obra de un artista? ¿Una mera broma? Son algunas de las hipótesis que planteará.

17.30h

Partiendo de la charla del curador y productor cultural Álex Brahim, queremos abrir un debate con la sociedad leridana sobre distintas metodologías para llevar a cabo proyectos artísticos comunitarios, teniendo en cuenta los retos éticos, estéticos, materiales y sociales que suponen este tipo de proyectos. A partir de los ejemplos concretos desarrollados por el conferenciante, queremos iniciar una conversación con el público, que no tiene que ser especialista en el tema, sobre el interés, la necesidad y las limitaciones de estos proyectos artísticos comunitarios.

El Seminario Hacia una metodología para los proyectos artísticos comunitarios forma parte de las actividades de investigación y transferencia del conocimiento del equipo que está llevando a cabo el proyecto «Sentido de lugar e inclusión socioespacial en barrios vulnerables», financiado por el Ministerio de Ciencia e Innovación, dirigido por el Dr. Quim Bonastra, de la Universitat de Lleida, y que se desarrolla en las ciudades de Lleida, Barcelona, Bilbao y Bogotá. El Seminario Sensclusion se concibe como un espacio de aprendizaje compartido y de discusión práctica, teórica y metodológica de los temas, espacios y marcos teóricos y metodológicos que tienen relación con el proyecto, entre los que podemos encontrar la teoría de los afectos y las atmósferas afectivas, los espacios de resistencia, la vulnerabilidad y el arte como herramienta política y de inclusión socioespacial.  

Álex Brahim (Cúcuta, Colombia, 1977) es un curador independiente y director de proyectos culturales. Su perfil enlaza los estudios culturales y la creación contemporánea —su especialidad— con la acción desde la sociedad civil, apostando por una visión integral y estratégica de la innovación social, la productividad y el desarrollo territorial. Gestor, programador, productor e investigador, sus activaciones incluyen la plataforma DIBINa y el espacio Antigua Casa Haiku, en Barcelona, y la Fundación El Pilar, en Cúcuta, que dirige desde 2017. 

Ha llevado a cabo proyectos en La Casa Encendida, Matadero, Off Limits y Nadie Nunca Nada No (Madrid); CCCB, La Virreina, La Capella, Sala d’Art Jove, Arts Santa Mónica, Hangar, SAC, Can Felipa y Fabra i Coats (Barcelona); La Térmica (Málaga); Las Cigarreras (Alicante); Pavilion (Bucarest); nGbK (Berlín); EAFIT (Medellín); MUNTREF – Museo de la Inmigración y Centro de Arte Contemporáneo (Buenos Aires), y Claustro de San Agustín, Museo Nacional, FUGA, Casa Hoffmann o Espacio KB (Bogotá), entre otros. Ha sido lector en las universidades de Barcelona, Marsella y Gorizia. 

Desde 2017 lidera Juntos Aparte – Encuentro Internacional de Arte, Pensamiento y Fronteras, en el marco de Bienalsur. En 2018 inicia la plataforma Polifónica Spoken Word en Bogotá, junto con Espacio KB, y desde 2021 dirige Kairós – Escuela de Integración y Cultura Ciudadana, con UNICEF. Ha sido miembro del Consejo Nacional de Artes Visuales de Colombia durante el periodo 2021-2023.

Actividad para todos los públicos

18 H

Esta mesa redonda pone en común las dinámicas y los sistemas de trabajo de dos artistas y dos comisarias que abordan desde distintas perspectivas el tratamiento y el análisis de las imágenes y su producción. Vivimos en una iconosfera que en las últimas décadas ha colapsado nuestras retinas; ya no son los tradicionales mass media, los únicos medios productores de imágenes y contenidos, sino que las nuevas tecnologías han conducido a que cada uno de nosotros, incluso las máquinas e interfaces que nos rodean (coches con cámaras, Google Earth…), adquiramos el papel de autores que, de forma consciente o inconsciente, vertemos continuamente flujos infinitos de imágenes.

Las artes visuales no han pasado por alto esta nueva situación, y artistas como Mabel Palacín o Mario Santamaría, en sus proyectos, nos aportan discursos que contribuyen a repensar las relaciones entre los individuos y los nuevos sistemas tecnológicos.

En colaboración con Intangible. Festival d’art_tecnologia

18h

Carlos Monleón (Madrid, 1983) es graduado en Bellas Artes por el Chelsea College of Art and Design, UAL (Londres), y máster en Diseño por el Royal College of Art de Londres, con la propuesta «Wetcoin.eth», un proyecto sobre métodos de reparación y de mantenimiento del agua que propone modelos de distribución, organización y generación de capital social a través de tecnologías y principios de la cadena de bloques (blockchain) y de la web3.

«Wetcoin.eth» cuestiona las lógicas actuales de la gestión de recursos hídricos (water management) para sugerir modelos de custodia de los bienes comunes, tanto físicos como digitales, alineados con los ciclos de vida planetarios. En sus fases de investigación y producción, se integran corrientes de pensamiento en torno al agua e investigaciones científicas sobre sus propiedades y capacidades, así como avances tecnológicos, tanto en computación física distribuida como en la creación de activos digitales.

Como resultado del proyecto, «Wetcoin.eth» propone un circuito de reparación de un caudal de agua, cuyo tratamiento se documentará mediante procesos experimentales de la imagen para el seguimiento y registro de sus distintas fases a través de la cadena de bloques, con el fin de generar un testigo (token) que incentive y origine valor en referencia al cuidado de los bienes comunes y ambientales.

Este proyecto ha sido becado por la primera edición de la Beca Arte y Tencología, que tiene como objetivo la creación de un nuevo circuito para el arte digital entre Barcelona, Lleida y Zaragoza, en el que intervienen desde universidades hasta distintas instituciones culturales como son la Escuela Politécnica Superior de la UdL, el Homesession Arts Visuals (Barcelona), el Centre d’Art La Panera (Lleida) y el Etopía Centro de Arte y Tecnología a través de la Fundación Zaragoza Ciudad del Conocimiento y del Ayuntamiento de Zaragoza.

El principal objetivo de esta beca es fomentar proyectos artísticos innovadores en los que confluyan la tecnología y el arte, con el fin de impulsar, a su vez, la transferencia de saberes (artísticos, tecnológicos y humanísticos) desde un punto de vista creativo, reflexivo y crítico, y con una voluntad de impacto cívico, especialmente centrada en el compromiso y la responsabilidad sociales y en el mantenimiento y la sostenibilidad ambientales y de proyecto.

Actividad en colaboración con INTANGIBLE. Festival d’art_tecnologia