Actividades

Agnès Pe trabaja en base al sonido de los materiales, los conceptos y proyectos que ella misma genera. Su práctica artística va más allá de los límites que proporciona cualquier género o teoría —siempre bajo una actitud abrumadora y una visión del exceso: todo o nada, y mediante los parámetros de la apropiación, el radical listening, el aspecto digital y la plunderphonía. En sus procesos de trabajo explora nuevas formas de relación con los elementos que recompone e intenta desvirtuar o alterar los códigos normalizados, a partir de transformar la forma perceptiva de la vida cotidiana, en un intento de subvertir el consenso general sobre la «realidad» a través de la ruptura y recontextualización de los códigos formales.

Actúa bajo una premisa antropológica y considera una gran influencia su educación en los espacios y tradiciones rurales, así como las estéticas que se generan en los márgenes del establishment, ya sean en línea (online) o fuera de línea (offline), entendiendo estas sociedades como organizadores de comunidades. Le interesan los referentes culturales extremos, sea cual sea su etiqueta y referencia, y el aprendizaje y los recursos de las investigaciones autodidactas y pluridisciplinares con la finalidad de evidenciar dispositivos.

Licenciada en comunicación audiovisual (UPV, Valencia) y especializada en cine, radio y televisión, cursó el Máster de Comunicación Social (UPF, Barcelona), en el que se especializó en media psychology y medios digitales. Su constante investigación académica y no académica la ha llevado a residir en ciudades como Valencia, Bilbao, México DF, Barcelona, Madrid o Buenos Aires. Ha realizado conciertos en Tabakalera (San Sebastián), MACBA (Barcelona), CA2M (Móstoles, Madrid), Larraskito (Bilbao) o Centre Azkuna (Bilbao), y ha editado discos en discográficas digitales (netlabels) y sellos internacionales. Una constante investigación autodidacta en musicología la ha llevado a celebrar numerosas sesiones de audiciones y conciertos en varias ciudades, y a participar asiduamente en el festival de música extraña Zarata Fest (Bilbao).

En cuanto a la faceta cinematográfica, hay que destacar la ficción documentada TORRE (2012), exhibida en diferentes festivales y programas de cine experimental: Cinema per Venir (Valencia), Fisuras Fílmicas (Murcia) o Pantalla Fantasma (Bilbao). En 2017 se le otorgó la beca de residencia e intercambio de El Ranchito-Argentina (Matadero Madrid - AECID) por No matéis a Juang Fu, un proyecto de investigación en bazares de productos chinos. Actualmente, conduce el espacio radiofónico Mitt paté en Radio On (Berlín).

Como fotógrafo, empiezo mis proyectos partiendo de una intuición interna. Cada proyecto funciona como un medio para intentar esclarecer esta abstracción inicial.

Hallo en la fotografía el medio ideal para dar apoyo a este proceso cognitivo que apunta a traducir lo intangible EN AQUELLO QUE ES tangible.

Las imágenes funcionan como un puzle que juega con las piezas descontextualizadas de la realidad para representar plenamente esta idea de salida. Tanto si el resultado final es una única imagen como si se trata de una serie, nunca escapa totalmente del misterio.

Al final del proceso me quedo solo parcialmente satisfecho, al tratare de un proceso incompleto, el resultado del cual es el mismo número de respuestas que de preguntas. Mi objetivo era capturar en imágenes la esencia urbana para entender completamente por qué la ciudad, en su intento por convertirse en refugio de una naturaleza inhóspita, acabó comportándose como una entidad biológica.

Víctor Vilamajó

El trabajo de Ernest Costafreda comprende diferentes proyectos multidisciplinares que van desde la poesía hasta el dibujo, la moda, la fotografía o la publicidad. Costafreda utiliza unos procesos de trabajo que se enmarcan a partir de una actitud y una estética a medio camino entre el punk, lo poético y la irreverencia, donde la huella y el peso de su paso por el mundo de las tendencias y la moda aún permanecen muy presentes. Desde el cierre de la que fue su marca, Costalamel, dentro del sector de la industria de la moda en el año 2017, Costafreda inicia un retorno a la esencia del viaje y la aproximación a la poesía a través de relatos y narraciones vivenciales, manteniendo una estrecha relación y afinidad con la cultura trash, la contracultura, aunque conservando ciertos clichés —en positivo— que recuerdan su paso por el mundo de la moda.

En este sentido, destacamos dos trabajos: Punks and poets (2018), un proyecto multidisciplinar que abraza diferentes registros de presentación, así como unos referentes claros de la cultura mexicana, como son las conocidas Frida Kahlo y Chavela Vargas, y Poesía de mierda (2019), un libro editado por Stendhal Books que, en palabras del propio autor, «utiliza la poesía para reivindicar el amor frente al miedo». Un trabajo que ha ido llenando de poesía espacios urbanos decadentes de metrópolis, como váteres de Ciudad de México, tanques de obra de Nueva York, cabinas telefónicas de Lima, aparcamientos de Bogotá, camiones de la basura o puertas de casas de La Habana. O, como es el caso de nuestra ciudad, hemos podido ver intervenciones en los lavabos de la Biblioteca Pública de Lleida o en la discoteca Biloba. Un viaje por la memoria del tiempo y un trabajo de largo recorrido que se recoge en 65 poemas ilustrados y diferentes acciones fuera de los circuitos establecidos de las artes visuales y la poesía.

Vive y trabaja en Barcelona. Licenciado en bellas artes y máster en producción artística por la Universidad de Barcelona, su trabajo parte de un intento por redefinir las posibilidades de la pintura figurativa desde una óptica revisionista y de cuestionamiento del propio medio; la pintura como campo expandido que debe leerse como una alegoría sobre lo que significa hoy pintar. Monclús analiza las posibilidades de la pintura desde un interés por los juegos referenciales y una marcada inclinación hacia el accidente en el proceso creativo, lo que confluye a investigar nuevas formas de abordar la pintura figurativa. El error, la decisión, la broma, la anticipación dramática, la búsqueda de otro tipo de anhelo esperanzador o la persecución de fantasías irracionales son puntos de partida del artista que implican un desarrollo en toda una serie de gestas absurdas e improductivas que invita a cuestionar el propio acto y registro pictóricos por encima de aspectos más categóricos como el razonamiento o el peso convencional de nuestra sociedad.

A diferencia de la inmediatez a la que nos tiene acostumbrada la práctica fotográfica actual, Marta Bisbal entiende el lenguaje fotográfico como un espacio pausado, lento y de mirada contemplativa. Una aproximación al entorno más cercano que, mediante movimientos mínimos de los diferentes elementos con los que trabaja —arquitectura, luz, experiencias espaciales—, le permite tomar consciencia de la realidad, el presente y los límites que estos espacios suponen. Movimientos y gestos de bajo relieve —en algunos casos inadvertidos— que ponen en duda al propio medio fotográfico, la percepción humana y al propio acto de mirar. De esta forma, sus proyectos recientes funcionan primordialmente como ensayos conceptuales en torno al registro fotográfico, el estado consciente de los entornos y la exploración de los espacios vitales. Constructos que cohabitan desde el margen de la mirada y desde la invisibilidad como materia prima.

Mediante distintos registros como el vídeo y la escultura o la instalación, el trabajo de Martin Llavaneras refleja su interés por actividades dinámicas que permitan recodificar espacios y definir un uso práctico de la cultura. Sus propuestas se confrontan a partir de nociones prestablecidas como la idea de naturaleza, paisaje o patrimonio, mientras apelan a una interpretación más subjetiva del entorno, a la vez susceptible de ser integrada en la construcción colectiva del conocimiento. Así, sus proyectos recientes son primordialmente ensayos conceptuales en torno a interacciones entre lo que es humano, las infraestructuras biológicas y los saberes compartidos; constructos culturales y contextos que se constituyen y cohabitan siempre desde los márgenes, al mismo tiempo que son materia prima en sus obras a través de objetos y materiales cotidianos. Un trabajo que se mueve entre la escultura y la instalación que, en algunos casos, es efímera, como puede comprobarse en sus obras, pero siempre desde una óptica conceptual, donde la naturaleza y el ser humano ocupan el espacio principal.

La cita que precede a estas líneas pertenece al propio Jordi V. Pou, un artista que ha hecho de la fotografía su medio de expresión. Su aproximación al lenguaje fotográfico siempre ha sido crítica desde un punto de vista formal, conceptual y técnico. Desde un principio ha cuestionado la veracidad y objetividad que se presuponen a la fotografía; de ahí que sus proyectos sean una invitación a un terreno desconocido o nos fuercen a negociar de otra forma con la realidad y con nuestra cotidianidad.

Con Kokovoko nos hizo viajar a un país que no aparece en altas alguno, pero que tiene su propia cartografía y una atmósfera vaporosa y, a veces, asfixiante. En LEO 450-770 interactuó con un satélite para captar toda una serie de acciones en la ciudad de Lleida. En el ámbito técnico fue uno de los pioneros, con toda una legión de artistas internacionales, en promover la iPhonegrafía, un descubrimiento que abrió una nueva vía de interés en su trabajo y que ha terminado influyendo en otros proyectos.

Esta vez ha partido de una pregunta excitante: ¿qué habría pasado si la Guerra Civil la hubieran ganado las fuerzas democráticas? Es más, ¿y si los fascistas nunca se hubieran sublevado contra la República? Las imágenes, como la historia misma, tienen muchos niveles de lectura.

Olivera-Tabeni utiliza unas estrategias de trabajo que le permiten aproximarse a escenarios, conceptos e intereses y apropiárselos, y que le sirven, al mismo tiempo, para organizar sus procesos creativos: los espacios de contradicción, el carácter poético y a la vez doméstico, los saltos en el tiempo, la insumisión de los valores simbólicos, los discursos canónicos o los elementos patrimoniales y naturales. Establece una metodología multidireccional que le permite trabajar la memoria desde diferentes relatos, en los que destacan la presencia y el papel de las mujeres.

«Geografia i Memòria» es un proyecto con el apoyo de la ayuda «Art for Change 2019» de la Obra Social La Caixa, a cargo de Albert Potrony, con el acompañamiento del Centre d’Art la Panera, destinado a residentes, profesionales y familiares de la residencia Balàfia II (Lleida).

A grandes rasgos, el proyecto busca una mejora relacional entre familiares, profesionales y usuarios, a través del arte contemporáneo, para incentivar otras formas de comunicación de las habituales, provocar experiencias que creen una red y empoderen y visibilicen a todos los participantes más allá de los muros de la residencia.

El estallido de la crisis sanitaria de la COVID-19 nos empuja a parar, repensar y compartir, para abordar la complejidad de esta crisis y sus efectos en las personas residentes y profesionales de la residencia.

¿Cuáles son las nuevas necesidades, surgidas tras la pandemia, a las que un proyecto artístico colaborativo, con personas mayores institucionalizadas, puede dar respuesta, en un momento en el que la interacción física no es posible?

Clàudia Rius. Periodista cultural i creadora de continguts digitals.

Albert Potrony. Artista i responsable del projecte Geografia i Memòria - Demència, Resistència i Solidaritat. 

Roser Sanjuan. Responsable de Programes Públics Centre d’Art la Panera.

Seth Pimlott. Artista i mediador de processos col·laboratius.

Marijke Steedman. Comissari – New Town Culture Programme. Culture and Recreation, Policy and Participation. London Borough of Barking and Dagenham.

Guillem d’Efak.Director de Comunicació (i RSC) de l'Institut Català de la Salut i Coordinador de l'Estratègia Arts en Salut de l’ICS.

Dra. Conxa Tous. Directora de la Residència i Centre de Dia per a la Gent Gran Balàfia II (Lleida).

Idoia Balboa. Treballadora Social de la Residència i Centre de Dia per a la Gent Gran Balàfia II (Lleida).

Pilar Valles. Gerocultora de la Residència i Centre de Dia per a la Gent Gran Balàfia II (Lleida).

Vanesa Aresté. Psicòloga. coordinadora del Equip d’Atenció Psicosocial de l’Hospital Jaume Nadal Meroles.

Maria López. Auxiliar infermeria Hospital Jaume Nadal Meroles.

Dra. Anna Soldevila. Professora Agregada. Departament de Pedagogia. Facultat d’Educació, Psicologia i Treball Social. Universitat de Lleida.

Rachel Hughes.  Lecturer in Social Work, Goldsmiths, University of London i col·laboradora en el programa NEW TOWN CULTURE.

El Centre d’Art la Panera realiza durante los periodos de vacaciones escolares talleres de artistas dirigidos a un público de edades comprendidas entre los cinco y los doce años. Estas actividades tienen el objetivo de acercar los más jóvenes a los distintos lenguajes artísticos del arte contemporáneo a través de artistas y creadores.


Para más información e inscripción:


educaciolapanera@paeria.es / T: 973 26 21 85

A las 19:15h

El Centre d’Art la Panera acoge la actividad de expresión corporal y danza Umbrella’s Tour, presentado por Muvmentics.

Un paraguas nos hace de guía —como si de una visita a un museo se tratara— por una serie de pequeñas piezas de danza y expresión corporal dirigidas y creadas por los integrantes de la compañía. Son unas piezas inspiradas en la actual exposición del Centre d’Art la Panera, institución con la que Muvmentics colabora.

Intérpretes: Àngela Barón, Ona Beneït, Guillem Burnat, Tere Caraltó, Marc Cortadelles, Mireia Gómez, Isaura Juncosa, Marta León, Míriam López, Ester Pérez, Marta Rabaneda, Anna Santamaría y Albert Sorribas

Dirección: Marta Casals y Muvmentics

Producción: Club Inef Lleida

A las 20:00h

Terrorismo informativo, sociología de choque, hardcore recitado, poesía afterpop, música, vídeo y la famosa máscara «sado». «Sin duda, una de las propuestas más contundentes en el panorama actual del spoken Word en España», según los organizadores del festival Yuxtaposiciones. El autor del libro €®O$: La superproducción de los afectos (premio Anagrama de Ensayo 2010) pone en escena sus provocadoras tesis sobre el amor contemporáneo: pasiones corporativas, formas de control y codificación de la subjetividad, y los sentimientos considerados como modas que, generadas en el underground, pasan al mainstream, se generalizan y desaparecen. 


Eloy Fernández Porta (Barcelona, 1974) ha publicado los libros de relatos Los minutos de la basura (Montesinos, 1997) y Caras B (Debate, 2001), la antología Golpes, con Vicente Muñoz Álvarez (DVD, 2004), y los libros de crítica cultural Afterpop (Berenice, 2007; Anagrama, 2010), Homo Sampler (Anagrama, 2008) y €®O$ (premio Anagrama de Ensayo 2010). Profesor de Nuevos ámbitos literarios en la Universidad Pompeu Fabra, escribe en Cultura/s y en salonKritik. En el terreno del spoken word ha realizado varias performances y colabora con Agustín Fernández Mallo en el grupo Afterpop Fernández & Fernández.

Envíanos tu postal digital de Navidad y participa en nuestro concurso. La postal ganadora será la que utilizará el Centre para felicitar las fiestas a sus amigos y, a demás, recibirá un lote de catálogos y el objeto-regalo «La Panera».


Tienes tiempo de enviar las imágenes hasta el 19 de diciembre a ml.lapanera@paeria.es.


El jurado estará formado por los miembros del equipo de la Panera.

A las 19:00h.

Con motivo de la inauguración de la exposición, el artista Francesc Abad nos hará una presentación de su trabajo.


En el mundo del trabajo artístico, quizás hay que reencontrar todavía su espacio: un trabajar con el tiempo, con su práctica, escuchar la durèe del tiempo, como dispositivo final, no de la exhibición, sino de su reflexión, quizás del acercamiento del texto literario a la textualidad, pero con un sentido de responsabilidad (personal i colectiva), una resistencia de la imagen–texto–sonido, si puede ser repensado de nuevo a partir de su precariedad como objeto de consumo.

Pequeños y mayores podrán realizar un estimulante acercamiento a las exposiciones en curso, con unas visitas diseñadas específicamente para un público familiar, en las que se prioriza la creación de un diálogo a partir de los temas que sugieren las exposiciones. 
Para finalizar la visita, os animamos a realizar un ejercicio de creación libre, ¡¡¡donde todo tiene cabida!!! Os proponemos diseñar vuestra propia noche en la ciudad, pensando cómo la vivís y la sentís e imaginando cómo podrían ser las noches en otros sitios o para otras personas.

1. PARA EMPEZAR, CONSTRUYE UNA CIUDAD DE NOCHE.

En la exposición de «Medianoche en la Ciudad» encontraremos distintas formas de visualizar la noche y la ciudad; trabajaremos lo que significa para nosotros este espacio de tiempo i qué sucede en las ciudades cuando llega la noche.

2. MÁS TARDE, ESCUCHA LA NOCHE DE LA CIUDAD.

Pensaremos cuáles serán los sonidos que tendrá nuestra ciudad a partir de la exposición «Imágenes y Sonidos en Extinción». Más tarde, elegiremos unos cuantos sonidos y los grabaremos…

3. Y, POR ÚLTIMO, HAZ UNA FOTOGRAFÍA DE NUESTRA CIUDAD.

Si quieres mostrarnos tu idea de las noches en la ciudad, acércate al Centre d’Art la Panera, donde los fines de semana realizaremos la Actividad Familiar, que tendrá lugar los sábados a las 12.00 y a las 18.00 h.

Os recomendamos que efectuéis la reserva previamente en el teléfono 973 26 21 85, o bien en el correo electrónico educaciolapanera@paeria.cat.

De 19h a 21h.

Imágenes contemporáneas es un curso anual, de carácter divulgativo, que pretende facilitar una serie de pautas de lectura para reflexionar sobre las prácticas artísticas contemporáneas. Las sesiones del curso serán impartidas por seis especialistas de diferentes ámbitos del arte contemporáneo, como la arquitectura, la fotografía, la cultura digital y el comisariado de exposiciones.

Actividad reconocida como formación permanente para el profesorado por la UdL

Inscripción y matrícula: Centre d’Art la Panera, +34 973 262 185

Precio: 30 €

Plazo de inscripción: 8/10/10

Claudio Nervi, teclados y ordenador

Asier Suberbiola, violín eléctrico

Dani Barachina, vídeo DJ

«Oratio Trio» es un proyecto de creación musical y visual que se basa en la interacción intérprete-ordenador-intérprete. Esta interacción se manifiesta a través de una performance de improvisación en la que el ordenador toma parte en las decisiones musicales, interactuando de forma simultánea con los dos intérpretes. El espectáculo se complementa con la proyección de una videocreación realizada en vivo.

«Oratio Trio» se ha realizado con la colaboración del Consell Nacional de la Cultura i de les Arts (CONCA)

Concierto programado en el marco del Festival Sincrònic, organizado por el Orfeó Lleidatà.

Con motivo de la muestra «iPhoneografía», que se podrá visitar en el Centre de Documentació de la Panera hasta el 14 de noviembre de 2010, el Centre d’Art la Panera ha iniciado un proyecto de colaboración con los centros educativos IES Màrius Torres e IES Joan Oró de Lleida con el fin de motivar la vinculación entre las prácticas artísticas y las nuevas tecnologías.

Tal y como realizan los fotógrafos de la muestra «iPhoneografía», que envían a través de su iPhone una imagen diaria, aquellos alumnos que hayan querido participar enviarán, hasta finales de diciembre, a través del móvil, del ordenador, de la cámara o de otros soportes digitales, una imagen que muestre su día a día al grupo del flickr del Centre d’Art la Panera

 Esta iniciativa pretende que los alumnos participen de las nuevas tecnologías y que, además, puedan disfrutar de las diferentes plataformas de difusión del Centre d’Art la Panera con el fin de participar de la práctica artística y motivar de este modo su creatividad y su participación en las redes sociales.

Proyección para un espacio confinado, 2010

Videoinstalación en el Mercat del Pla

El vídeo muestra en una única escena un hábitat hábilmente recreado que, gracias a una iluminación adecuada, deja entrever el exterior y el interior de una casa proyectados sobre una cortina. El sonido creado artificialmente ambienta la escena con los ruidos característicos de una noche cálida.

En la instalación, el vídeo se proyecta en un espacio cerrado y oscuro, habilitado o encontrado para esta finalidad, un medio limitado para una óptima visión, con los reflejos ambientales propios de un escaparate, pero que aumenta la curiosidad del espectador por presenciar una intimidad que no se acaba de manifestar nunca y en la cual se acaba encontrando a sí mismo en la contemplación de la propia observación.

La proyección Nuit d’été (nit d’estiu), organizada por el Centre d’Art la Panera en el Mercat del Pla, se enmarca dentro del programa «Centre Històric de Lleida: Obert», que tendrá lugar los días 17, 18 y 19 de septiembre de 2010.

De 19 a 6h

Nit Sonora es un Festival de música de vanguardia y artes visuales que pretende mostrar las experiencias que tienen lugar en el campo de la creación contemporánea y las múltiples intersecciones que se dan entre la música y otras disciplinas artísticas, como es el caso del sonido y la imagen.

Con este festival se quiere mostrar el panorama de la música y la cultura electrónica y contemporánea con proyectos de la escena local, nacional e internacional para presentar las sinergias actuales entre la música, el arte y las nuevas tecnologías.

Encontraremos diferentes formatos como danza contemporánea, lives, visuales, dj’s y videoarte, que tienen como denominador común la experimentación en la creación contemporánea con el objetivo de mostrar las interacciones que tienen lugar entre las artes visuales y la música.

Las actividades y conciertos, se realizarán durante la tarde-noche del sábado 4 de septiembre de 2010 en el Centre d’Art la Panera, la Iglesia de Sant Martí que se encuentra delante del centro de arte y que se utiliza para actividades culturales, y la sala de fiestas Cotton Club.

Los artistas y proyectos confirmados son: Electronic Performers, Audioguide, Aurora Records + Visual Brothers, Murcof + AntiVJ, Clara Moto + Mox, David Keno, Miquel Salla, Nuria Nieto y el colectivo AM+.

Además, en el interior del Centre d’Art la Panera encontraremos el espacio Imágenes sonoras que estará destinado a las artes visuales, desde la vertiente del arte contemporáneo, las nuevas tecnologías y la música, y un punto de información del Festival.

En esta edición del Festival se presentará una muestra de trabajos de Demoscene, un programa a cargo de David Domingo e Isaac Muñoz.

Nit Sonora es un proyecto diseñado por la Regidoria de Joventut, el Centre d’Art la Panera y la Regidoria de Cultura del Ajuntament de Lleida. También cuenta con la colaboración de  la Associació Juvenil per les Noves Tendències d’Art Multimèdia (AM+).