Actividades

El 21 de diciembre de 2004, en la librería La Central del Raval, tuvo lugar la presentación de la publicación Impasse 4. El acto de presentación se realizó a las 20 h y contó con la intervención de Glòria Picazo, directora del Centre d’Art la Panera y editora de la publicación, y Martí Peran, crítico de arte y profesor de crítica de la UB, Barcelona.

La Associació Pallassos sense Fronteres (delegación de Lleida) realizó una sesión de reflexión sobre la realidad de una guerra el día 10 de octubre de 2004 en el Centre d’Art la Panera.

La Marxa per la Cultura de la Pau del año 2004 se realizó del 9 al 18 de julio, a partir de tres columnas simultáneas que cruzaron Cataluña. La Plataforma Marxa per la Cultura de Pau congrega un conjunto de entidades que trabajan por la Paz. La Columna Oest-Ponent salió de Fraga y el domingo día 11 de julio pasó por Lleida.

Esta conferencia a cargo de Ricard Huerta, doctor en Bellas Artes, licenciado en Comunicación Audiovisual y profesor superior de música, se encuentra dentro del Ciclo Art i Educació que el Servei Educatiu del Centre d’Art la Panera programa con el objetivo de acercar el arte contemporáneo al mundo de la enseñanza y pasar a ser un punto de encuentro para la reflexión sobre la educación artística.

Esta conferencia a cargo de Eulàlia Bosch, profesora de Filosofía, directora del Institut de Recerca per l’Ensenyament de Filosofia y del Servei Educatiu del MACBA entre 1984 y 1994; además de tener dos publicaciones en su trayectoria profesional, El plaer de mirar (1998) y Educació i vida quotidiana (2003), se encuentra dentro del programa de actividades paralelas que el Centre d’Art la Panera realiza con el objetivo de acercar el arte contemporáneo a la sociedad y pasar a ser un punto de encuentro para la reflexión alrededor de la creación artística y pensamiento más actuales.

Formes de la No_Visió es una performance que forma parte de un proyecto de investigación, producción y experimentación, que indaga formas de incluir la diversidad en el ámbito cultural y artístico, basándose en los parámetros del campo de conocimiento disability studies (Se parte de la pregunta: «¿De qué modo la danza, una técnica esencialmente visual, puede formularse sin tener en cuenta el sentido de la vista?». La investigación se adentra en resolver la percepción de la danza como un arte del que se obtiene solo una experiencia estética de forma visual. Por consiguiente, dejando atrás las concepciones capacitistas y reduccionistas de los cuerpos y de la danza, se propone abrir una puerta a replantear las estructuras mentales y físicas de una realidad que se ha configurado jerarquizando los sentidos. La intención última es abrir un espacio de debate sobre las posibilidades o imposibilidades que genera el hecho de no ver.

Las actividades que se plantean con motivo de la residencia de la artista Aina Mestre con el proyecto Formes de la No_Visió son dos talleres de experimentación-investigación corporal sin el uso del sentido de la vista.  

La actividad se dividirá en dos sesiones de contenido continuo en las que se introducirán conceptos de la performance, a la vez que se plantearán unas unidades formativas de expresión con el cuerpo, formuladas gracias a la colaboración con la técnica de rehabilitación Mayca Cruz de la ONCE en Lleida. El objetivo final se enfoca hacia la interacción de un grupo híbrido de participantes que se adecuan a unas pautas para comunicar información mediante el movimiento, y aportar, así, conocimiento sobre las múltiples formas de ser y de estar en el mundo.

Aina Mestre (Aitona, 2000) es una artista multidisciplinaria, licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. La artista trabaja las políticas multifacéticas de la mirada, a través de una práctica performativa. En particular, se interesa por las transformaciones corporales, sensoriales, semióticas y materiales que suceden cuando la vista pierde el protagonismo y deja de concebirse como la única fuente de disfrute estético. La búsqueda de otros procesos de creación bajo esta conjetura implica que tanto la artista como el público interactúen con la obra corpóreamente y mediante el uso de otras percepciones o sentidos.

Esta actividad se enmarca en la investigación que Aina Mestre está desarrollando con la ayuda de las «Becas para la investigación y la innovación en los ámbitos de las artes visuales, de la arquitectura y el diseño, de las artes escénicas, de la música, del pensamiento y de los juegos de mesa», de la Oficina de Suport a la Iniciativa Cultural de la Generalitat de Catalunya.

Proyecto de investigación artística realizado en residencia en el Centre d’Art La Panera.

Jueves 16 de enero de 17:00 a 19:30 h

Jueves 23 de enero de 17:00 a 19:30 h

“Pensando juntas un dispositivo de arte móvil” es un proyecto de investigación en red que parte de la idea del “museo fuera del museo” y de los dispositivos de arte móvil como detonantes capaces de activar la participación en la cultura desde la producción, la creación de nuevos relatos y la estimulación de la imaginación poética y política. La investigación se interroga, en particular, sobre la posibilidad de impulsar proyectos situados y cocreados entre comunidad, artistas y mediadores artísticos que experimenten con prototipos de dispositivos móviles artísticos que no sean objetuales, sino conceptuales, replicables y ampliables a otros contextos.

El proceso cuenta con la participación de las áreas de educación del MACBA (Barcelona), el IVAM (Valencia), el Centre d’Art la Panera (Lleida) y Es Baluard Museu (Palma), con el apoyo de la Fundación Daniel y Nina Carasso. Estos equipos han elegido como eje transversal de trabajo “el derecho a la ciudad” para que cada contexto se aproxime a él desde su realidad y especificidad y, con las comunidades cercanas a las instituciones participantes, se contribuya a nutrir los espacios de estrategias de emancipación colectiva.

Las cuatro instituciones trabajan conjuntamente desde 2020 y la investigación ha cristalizado en dos formalizaciones.

Por un lado, “Lo estamos haciendo”, publicación que recoge un proceso de pensamiento colectivo acompañado por la artista Itxaso Corral en torno a la idea de diseñar un dispositivo de arte móvil. Se trata de una libreta de notas que pretende compartir algunas cuestiones útiles destiladas de la intensa experiencia que ha supuesto este proceso de pensamiento colectivo con la intención de animar a otras personas a iniciar nuevos “pensando juntas”. Cuestiones que van más allá de la investigación sobre el diseño de un dispositivo de arte móvil para convertirse en deseos colectivos, aprendizajes y metáforas sobre los intersticios de qué significa ser departamentos de educación en nuestras instituciones.

Desde el verano de 2024 también trabajamos en -ANDO RECORDS, un proceso práctico y experimental que inaugura un proceso colectivo horizontal en torno a los derechos y libertades en los contextos urbanos, al que se suman los artistas Lluc Mayol y Violeta Ospina y comunidades cercanas a las diferentes instituciones.

Este proceso toma la forma de sello editorial sónico (que no sonoro) en movimiento. Una plataforma colectiva que propone actuar en la intersección entre sonido, oralidad y musicalidad con múltiples formatos. Es una marca de código abierto, adaptable y compartible libremente, que quiere proporcionar un espacio flexible en el que las ideas crezcan según cada contexto y comunidad, para promover el intercambio entre diversas realidades vividas en distintas ciudades desde una perspectiva de derechos.

19 y 20 de mayo

17 - 19 h

Facultad de Letras, Universidad de Lleida, aula 3.49A

Plazas limitadas

Durante las dos sesiones de este taller aprenderemos qué agentes y recursos intervienen en el proceso de entrenar modelos de inteligencia artificial relacionados con las imágenes. Cuando publicamos un post en las redes sociales o tomamos una fotografía con el móvil, se activan unos automatismos dedicados a reconocer qué es lo que hemos fotografiado. ¿Cómo se construye esta visión artificial? ¿Se trata de una mirada neutra y objetiva? Por otra parte, cada vez existen más herramientas para generar imágenes a partir de instrucciones escritas. ¿De dónde salen dichas imágenes? ¿Qué infraestructuras las hacen posibles?

Estampa es un colectivo artístico de programadores, realizadores e investigadores con base en Barcelona. Su práctica se basa en una aproximación crítica y arqueológica a las tecnologías audiovisuales y digitales. Desde 2017, una de sus principales líneas de trabajo ha sido la investigación de los usos e ideologías de la IA.

https://tallerestampa.com

Organiza: proyecto de participación juvenil «La voz de la juventud en la era de la inteligencia artificial: retos y oportunidades», Erasmus+, Unión Europea (KA154-YOU-7D65C45B), Concejalía de Juventud del Ayuntamiento de Lleida.

Actividad vinculada a la exposición colectiva «Extractivismos», 13.ª Bienal de Arte Leandre Cristòfol, a cargo de María Íñigo Clavo y Christian Alonso, Centre d’Art La Panera, 22.02.2025-25.05.2025.

Coordina: Christian Alonso.

Arnau Blanch y Mikel R. Nieto son los dos residentes del Centre d’Art La Panera, dentro del programa de residencias del Ministerio de Cultura en Tabacalera – Centro de Arte, una iniciativa que financia estancias y producción en centros de creación de todo el Estado para fortalecer redes profesionales y facilitar el acceso a los procesos de investigación artística contemporánea.

Arnau Blanch Vilageliu es un artista visual cuya práctica combina fotografía, investigación y materiales de archivo para examinar la memoria, la violencia y las dimensiones políticas de la representación. Formado en el IEFC (Barcelona) y en el ICP de Nueva York, ha expuesto internacionalmente y ha recibido reconocimientos como la beca FotoPres La Caixa o el Premio al Mejor Fotolibro de PhotoEspaña.

Arnau Blanch trabaja en el proyecto Perro que ladra, no muerde, una investigación que parte de la historia de la fábrica textil Imbabura, en el norte de Ecuador, y del conflicto laboral que marcó la muerte de su abuelo —antiguo gerente de la industria— a manos de los trabajadores. A través de fotografías, instalaciones y piezas realizadas con telas producidas en la propia fábrica, el proyecto explora las tensiones entre memoria, violencia y clase, así como las cicatrices materiales y simbólicas que atraviesan las genealogías familiares.

Mikel R. Nieto es artista sonoro, investigador independiente y comisario ocasional. Su obra se centra en la escucha como acto sociopolítico y creativo, trabajando principalmente con grabaciones de campo y una práctica fonográfica crítica. Ha colaborado en proyectos destacados como Soinumapa y Hots! Radio, ha coordinado L’Observatori de l’Escolta y ha trabajado en diseño sonoro para danza con coreógrafos internacionales.

Es autor de libros como Dark Sound y A soft hiss of this world, que exploran el paisaje sonoro, la escucha y el cambio climático. Actualmente imparte clases de Deep Listening en la Universidad de Barcelona y en la Escuela de Cine del País Vasco.

Su proyecto de investigación explora los límites de la escucha en situaciones de vulnerabilidad existencial, situándola en el centro como herramienta de acompañamiento, cuidado y consuelo frente al dolor, la pérdida y la incertidumbre. El objetivo es desarrollar una nueva ética y estética de la escucha con capacidad paliativa y sanadora, fomentando la resiliencia individual y colectiva.

Domingo, 18 de enero a las 12h

A partir de la exposición, Pep Vidal dialoga con la periodista y escritora Eva Morell en torno a la cabaña como espacio de trabajo, refugio y experimento, pero también como metáfora de los procesos creativos.

La conversación pone en relación dos prácticas que, desde campos distintos, comparten una misma intuición: la necesidad de construir espacios propios —físicos y mentales— desde los que pensar, crear y resistir. El diálogo abordará cuestiones como el trabajo en soledad, el error como motor creativo, el archivo personal, el retorno a los gestos fundacionales y la cabaña como lugar donde proceso y obra dejan de ser cosas separadas.

Eva Morell es periodista y curadora de contenidos. Criada en Málaga, cerca del mar, está especializada en arquitectura, viajes, gastronomía y estilo de vida, y colabora habitualmente con medios como Architectural Digest España, El País y Condé Nast Traveler. En 2021 creó El Club de la Cabaña, la primera newsletter en castellano dedicada a la cultura cabañil, reseñada en medios como Vogue, Yorokobu o eldiario.es. En 2025 publica Refugio. Una historia de cabañas (Debate), su primer libro.

Pep Vidal es artista visual con formación en física. En 2014 construyó una pequeña cabaña con maderas recicladas para poder terminar su tesis doctoral, convirtiendo el lugar de trabajo en obra y proceso al mismo tiempo. Más de una década después, regresa a aquel gesto fundacional con una retrospectiva de media carrera en la que construye una nueva cabaña a partir de los materiales acumulados en su taller: obras terminadas, fragmentos descartados, ideas fallidas y restos de proyectos. El resultado es una pieza que funciona como archivo y experimento, donde el error, la repetición y la investigación constante tienen el mismo peso que la obra definitiva.

11 h

Con motivo de la exposición Llindar lleu de Laura Llaneli surge una publicación que se sitúa en un espacio auditivo de lectura y de memoria: una serie de textos en los que leemos sonidos aprendidos, familiares, cotidianos. Asociados a determinados objetos, a escenarios sonoros. Algunos provienen de la imaginación, de los recuerdos, de un concepto o de un hecho olvidado. Podríamos decir que son ejemplos de lo infraordinario. Momentos que constituyen los cimientos que sostienen la poesía, la observación apasionada y boquiabierta de lo habitual, el cuestionamiento de lo que parece incuestionable.

12 h

Pulsos es una acción sonora de la artista Laura Llaneli, que quiere poner de manifiesto y visibilizar de manera estética los sonidos electromagnéticos que acompañan y permanecen ocultos para el oído humano.
A causa del auge de los aparatos electrónicos con los que convivimos (smartphones, ordenadores, tabletas, televisores, altavoces o fluorescentes), estas ondas han ido ganando terreno, generando una masa sonora impalpable de crujidos, interferencias, chasquidos o golpes rítmicos.
La propuesta trabaja estos sonidos como elemento principal de su composición, mostrando sus matices y descubriendo una nueva fisicidad del sonido.